范文一：巴赫钢琴复调作品的理解_论文

巴赫钢琴复调作品的理解

一、巴赫复调作品的重要性及易出现的问题

约翰〃塞巴斯蒂安〃巴赫(1685,1750)～是人类音乐史上最伟大的音乐家之一。他的音乐是世界文化艺术最重要的组成部分之一。对于他的复调作品～有评论家是这样评论的:“没有研究过巴赫～就不能理解欧洲音乐,没有深入的研究过巴赫的复调作品～一个严谨的作曲家、钢琴家就不可能精通他的专业”。

两个以上相对独立的声部线条有机地结合的作品即构成复调作品。巴赫的复调音乐充满音乐内部结构的平衡与美感～是复调性最高的。不过对于大多数钢琴爱好者来说～普遍存在着对其作品理解不够深刻～弹奏时各声部层次对比度不够、各声部线条走向把握不准～乐句起收处理不当、两手相互协调差等诸多问题。

二、巴赫作品顺序的选择及分析

1、《初级钢琴曲集》

巴赫的《为安娜〃玛格达莱娜～巴赫的键盘小曲集》～俗称“小巴赫”或“初级钢琴曲集”～这些曲子虽然简单～但是都已经有了复调作品的初步形态。例如:第三首乐曲是一首小步舞曲～二个声部的进行。首先由右手进入～第二小节上左手重复第一小节～形成声部的交替和模仿～这正是复

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调风格的一种体现。

巴赫的曲子～初级阶段非常注意强调每个音的独立性～重视每个音的触键。在每个音符都能获得良好音质～同时它们相互联系～保持横向旋律线条的清晰～纵向对位的完美结合。

2、《二部创意曲集》

“创意曲”是对一个短小精悍的音乐主题～运用各种作曲技法不断发展变化～创造乐意的乐曲。巴赫的《创意曲》创作于1723年～每一首都有着不同的技术要求～音乐上也有着不同的情绪与风格。巴赫的作品～还具备“每个音符、每个线条都歌唱”的生动性～是用歌唱的感觉去弹每个音符、每个声部。

在《巴赫二部创意曲》的15首乐曲里～两个声部的对位进行～其表现形态是多种多样的。《二部创意曲》基本可以分成三类:第一类～乐曲的主题较为短小～用对位模仿或展开的手法构成,第二类～主题是较完整的乐句～基本上是以赋格曲手法创作。第三类～以严格的模仿对位卡农手法写成。另外～巴赫的《二部创意曲》不是根据演奏的难易程度安排的～作品中第1、4、8、10、13、14首作品音乐形象相对简单,第3、5、7、9、15首作品音乐形象不难理解～技术稍有难度,第2、6、11、12首作品在音乐形象和技术上都有难度。

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3、《三步创意曲集》

巴赫的《三部创意》是在二部基础上的拓展。《三部创意曲》比二部多了中声部的音乐线条～加强了多声部的概念和感觉。《三部创意》～在纵向上能使各声部协调一致～更重要的是从横向上使声部的旋律相互交织～以造成音乐的交错起伏～相互融合～形成一个立体、均衡的整体。

4、巴赫《十二平均律钢琴曲集》

巴赫钢琴复调作品的顶峰之作——《十二平均律钢琴曲集》～被称为是钢琴音乐的“旧约全书”～是钢琴演奏者的必修教材。《平均律》共分两卷～第一卷的前奏曲与巴赫前期的作品相近～具有练习曲的特征。第二卷的前奏曲除了个别外～其它则都是旋律性很强、对位技术非常高的作品～曲式结构上已有了较强的独立性。上下两卷的赋格也有差异～第二卷音乐更加内在、深沉～技术娴熟～手法多样。

从乐器的角度来看～由于巴赫时代音乐家的家中常常有多种键盘乐器～对于平均律乐曲～现在很难界定究竟哪一首是为何种键盘乐器而写～只能大概认定是为拔弦古钢琴或击弦古钢琴而作(现在这两种键盘乐器我们统称为古钢琴)。在钢琴上弹奏平均律乐曲既要发挥现代钢琴的优良性能～奏出声部的层次、力度变化、音色对比、音符时值以及各种演奏法的特点～又要尊重传统～保存乐曲的原有风格～

巴赫的作品以节奏严谨、平稳而著称。由于它属于巴洛

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克时期的音乐范畴～所以不能允许有类似浪漫派演奏手法常用的自由的、时慢时快的节奏。《平均律钢琴曲》作品从开始到结束～都应处在一个基本节奏之中。速度应遵循“快而稳、慢而动”的原则～应和当时的乐器的特点(古钢琴)相吻合～与当时的时代艺术风格相吻合。如果在钢琴上把这套曲目弹的很快～显然不适和当时优雅而舒缓的整体艺术风格。

与此相类～巴赫作品的力度变化幅度较小～基本趋于平稳。但是～与节奏因素不同的是。这并不排除某些段落里的强弱力度的鲜明对比。《平均律钢琴曲》在快速乐曲中～用非连奏法或手指断奏来模仿击弦古钢琴上的清脆效果:而在缓慢的抒情歌唱性乐曲中～音与音的连接均匀～保持了音色的圆润饱满～获得古朴典雅的音响效果。

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范文二：巴赫作品的特点

巴赫作品的特点

巴赫的音乐作品可以说是汗牛充栋，他把复调音乐推向了后世无人能够超越的、完美的顶峰。巴赫的音乐之美，体现在两个方面:一方面是严格和均衡的美，主要体现在其对曲式的完美应用上，对这个方面的领悟要结合相关的曲式学知识;另一方面是深刻的抒情美，这个方面你只要用心听就不难领会，他的无伴奏小提琴，平均律，勃兰登堡，哥德堡，哪一首不是充盈着无比的深情,巴赫的音乐有不少都充满了沉思冥想的意味，当然也不乏生机勃勃、激动人心者。他的作品体裁多样，乐队的有六部〈勃拉登堡协奏曲〉、四部〈管弦乐组曲〉等，管风琴是他的强项，作品无数，我们熟知的有〈d小调托卡塔及赋格〉、〈c小调帕萨卡里亚〉等，其他键盘的有如雷贯耳的〈平均律〉、〈哥德堡变奏曲〉、〈英国组曲〉、〈法国组曲〉、<古组曲>等，小提琴的有〈无伴奏小提琴组曲与奏鸣曲〉、多部〈小提琴协奏曲〉、多部<小提琴奏鸣曲(有伴奏)>等，大提琴的有〈无伴奏大提琴组曲与奏鸣曲〉等等等等....

巴赫(Johann Sebastian Bach, 1685-1750)的音乐，可以说是构成欧洲音乐殿堂的一根重要支柱。对于整个巴罗克时期的音乐来说，巴赫的音乐成就，可以说是架在这座殿堂上的圆顶;对于其后的欧洲音乐发展来说，虽然直到19世纪巴赫才具有真正的影响力，但是这种影响力一旦产生，便对欧洲音乐的发展产生了深远的影响。只有当巴赫在新的历史文化背景下具有新的文化意义时，他的音乐作品才对现代音乐具有“启示录”的意义。而对于后人来说，没有研究过巴赫，就不可能理解欧洲音乐;未能深入研究过巴赫的作品，就难以成为一个严谨的、精通其专业的音乐家;若不能透过巴赫音乐纯朴的形式、精练的技巧乃至宗教音乐形式上的“外壳”，体验到巴赫音乐中蕴藏着的很深的思想情感，也就难以透彻地认识巴赫音乐的本质……

在巴赫生活的时代，德国处于政治分列、经济落后的状况，文化艺术暗淡无光。外国的、例如法兰西、意大利、英吉利的文化，在德国占绝对优势，自己的民族文化受到轻视。恩格斯曾形容到，“从那个时候起，棍棒和鞭子就在国内占了统治地位;和整个德意志一样，德意志农民降低到极卑微的地位。”在这样情况下，

教堂自然成了人们寄托精神情感的地方。

在德国的图林根州“巴赫们”曾成为音乐家的代名词，这是因为巴赫一族，可以上溯到好几代人，其职业都是一种组成行会的音乐职业，世家相传，他们属于音乐艺人这样一种特殊社会阶层。在领主的宫廷中，巴赫的社会地位是仆役性质的，与厨子列在同一个名册上。他不具有自由音乐家的社会地位，其创作的作品并不能直接成为其经济收入的来源，而是归于领主所有。即使成为托马斯的宫廷乐长，他也很难维持在莱比锡的生活，死后也无遗产，不似贝多芬死后还留有股票。他的作品除了在教堂中，在当时演出也很少，死后长期默默无闻。

他的作品有不少是为统治者写并对其歌功颂德的，但是他不满足于自己屈辱的地位和现状，所以不断地转换他的恩主，寻求能更好发挥自己艺术才能的栖身之处。他甚至说过自己是不得不生活在被人厌恶忌妒的环境中，并且也曾和宫廷、教会中的恩主发生冲突，所以他也有傲慢、倔强的一面。

巴赫1703年曾在阿恩施塔特的教会担任风琴师，同时也为宫廷作曲。从那时起，他写了许多著名的作品。1704年创作的d小调托卡塔，其中具有某种威力，像在用非常有力的语言在说话。在中间转调处，他杰出地运用了许多减七和弦，似狂风一般有力。过去一度有人认为这是其晚期的作品。只是因为他带了后来成为他妻子的妇女到教堂唱歌，被城市议会列为罪状后，就自动辞职了。

1708年他曾在魏玛宫廷任风琴手。这时，虽然他的身份也很低，但是作为一个风琴师，他的地位和名声却逐渐提高。在德累斯顿，巴赫应邀与法国演奏家作即兴演奏的比较竞争，虽然那位法国人跑了，而他却成为德国音乐家和外国人竞争获得第一次胜利的好榜样。

1717年，巴赫生平第一次担任奎登宫廷乐长。由于奎登公爵非常爱好音乐，他甚至在国家支出中抽了三十分之一作为经费组成18个人的乐队。巴赫在奎登宫廷服务了六年，他的重要器乐创作都是这个时期完成的。他献给勃兰登堡侯爵的

《勃兰登堡协奏曲》，富于生活气息，也具有骄傲、华丽的贵族性格。此外，他还写了《半音阶幻想曲与赋格》、为独奏小提琴用的三首奏鸣曲、三首“帕蒂塔”(Partita)等。另外在1721年，巴赫写了C大调、d小调的管弦乐组曲、法国组曲;1722年写了《平均律钢琴曲》上集，1723年写了两部和三部创意曲等等。这一时期的创作，被认为具有广阔和大胆的思想和技术手法。

巴赫在1723年到了莱比锡这个繁荣的商业城市，在当时也是自由的都市，在法制上可以不受理那里的萨克森公爵的统辖。在那里他演奏了一首自创的教会康塔塔，使该市的议员们听了非常饮佩，因而获得了圣?汤姆士教会的乐长工作。此外，他还作其他三个教会的音乐指导。这期间，他为教堂写了许多很好的音乐作品，如有名的《约翰受难曲》、《马太受难曲》等。此外，为了谋得宫廷作曲家的职位，他曾写了一部伟大的作品《b小调弥撒》。这部作品与《约翰受难曲》、《马太受难曲》一样，虽然是宗教作品，但是其音乐精神的如此广阔，就像是在面向全人类说话，已经远远超过了宗教的局限。

从某种意义上可以说，巴赫的成名有赖于他的受难乐。受难乐所表现的耶稣的悲剧性经历，不仅具有某种史诗性，同时也是现实生活情感的表现。这种宗教音乐，所表现的悲哀、沉重、压抑的感情，应当说是只有当时的德国人才是具有感情。这种感情，从我们能够听到的，也只有德国人写的最深。当然，由于巴赫本人是新教徒，而宗教显然是他的精神寄托之处，所以这种情感的表现，就很难与某种宗教感情分开来。只是巴赫在受难乐中创造的宗教气氛，已不是一般意义上的，而是能够体验到当时某种社会情感和心态的宗教气氛。甚至巴赫本人也已经在其中充当了一个感情力量充沛的角色，通过他自己的音乐表达，时而抒情的刻画耶稣悲剧性经历中的细节，时而展开史诗般的广阔和宏大。以至于当时莱比锡的听众抱怨教堂竟然上演了像歌剧一样的作品。

巴赫在《马太受难曲》中，用两组合唱，两组管弦乐，戏剧性地对立起来，而让圣咏的主题在它们之上自由飘荡。这部作品也具有很强的抒情性，作品的结束合唱非常有力量，使用两个合唱队、八个声部，描写耶稣下葬时人们的感情。宽厚

的低声部，恰似广阔的河床，旋律在上面奔流。保持着复调音乐的感觉，而庞大的合唱自由宽广地歌唱着，充满着力量:

甚至在他的器乐作品，例如《半音阶幻想曲和赋格》、《d小调托卡塔赋格》，也能感受到一种冲破束缚、有冲击力的情感表现。其中如《d小调托卡塔赋格》曲调的自由豪放，旋律线的幅度大，音域宽，似朗诵性调的起伏，动荡不安，充满激奋情感。而《半音阶幻想曲赋格》更倾向于内心，不求表面的壮丽，而是富于内心的刻画，有较强烈的表现。

由于德国宗教是德国音乐的土壤，历史上德国宗教管风琴音乐也很发展，所以在巴赫的创作中，仍然保持着复调音乐的典型性，并且起着主导性的作用。但是，这种复调音乐思维方式，恰恰是在主调和声音乐发展到相当水准基础上建立起来的复调音乐思维方式，它并不同于过去带有教会调式痕迹的复调音乐。仔细分析，其中有清晰的和声结构与功能。从另外一个角度看，可能正是巴赫在复调音乐领域集大成的做法，终将其发展到完美的地步。

从音乐的旋律特征上讲，由于他的音乐是多声部，因此模仿手法是重要的，结果因造成音乐连绵不断的交织、发展，但却欠缺后来古典派的方整、段落分明和结构上清晰。而这却正是巴赫的特性，显然，我们是不能用乐句、乐段去分析巴赫的。此外，从和声的发展来看，大、小调功能体系和声是巴赫最后确定、成型的。即使到了18世纪中叶为止，在当时和声所能达到的基础上，其成果是要归功于巴赫，他甚至被贝多芬称之为“和声的创造者”。

直到1892年，当年轻的门德尔松在柏林首次上演沉睡将近一百年的《马太受难曲》之后，巴赫的艺术价值才被人更多地了解。瓦格纳曾说，巴赫是德国人民在完全黯淡的悲惨世纪中内在精神生活的记载。从德国的历史上看，新教圣咏(Chorale)在德国民歌中占有特殊的地位。而巴赫音乐就是通过新教圣咏将他的作品与德国民族文化结合在一起的。值得一提的是，巴赫曾写过不少世俗康塔塔。在他的《农民康塔塔》中，作品全部采用了民间舞曲及流行的民歌。这是了

解巴赫不可缺少的一面。从某种意义上说，在巴赫的音乐中，跳动着的正是德国人民的脉搏，这也正是巴赫音乐的灵魂所在。

J.S.巴赫是一个虔诚的宗教徒，他的音乐大多为表达对主的崇拜，表现主所创造的世界的和谐，表达的不是情感而是信仰。J.S.巴赫认为，世间万物都是上帝之创造、之恩赐，都在上帝的光辉沐浴之下，音乐所要歌颂的是这种上帝创造的和谐，和谐之中对那种上帝之光的仰望。在J.S.巴赫看来，音乐是他通向天国，与上帝对话的云梯。音乐本身就是天堂的奇迹。音乐方式，是通过隐蔽的理性的方式使人感觉上帝的存在。

J.S.巴赫音乐中除那些直接为宗教仪式而创造的管风琴曲、弥撒曲、受难曲、经文歌外，器乐曲往往通过节奏的对比与变化，来表现复杂的均衡关系。通过这种均衡关系而作复调处理，对位、变化，达到一种极丰富的循环。他的音乐，简单的也就是最复杂的，师最基本的点、线、面的复杂变化，接近于数学与逻辑。所以研究巴赫的权威，著名管风琴家施魏策尔认为，巴赫的音乐是一种像宇宙本身一样不可思议的本体现象。

约翰`塞巴斯蒂安`巴赫(1685—1750)是人类音乐史上最伟大的音乐家之一。提到他，人们自然会把他同人类文明相联系起来。因为他的音乐艺术是世界文化最重要的组成部分之一。苏联的音乐学家阿萨菲耶夫说:“巴赫是这样的伟大，他使人感到他不是一个人，而是一个强大的创作实验室，其中锻炼着当时所有音乐上的创作技能、风格、倾向和尝试。”由于他卓有成效地继承和概括了十七世纪以前欧洲各国的，包括音乐体裁形式，具体写作技巧和各国音乐风格等音乐现象，因而创造了永恒的音乐艺术。正因为如此他才被后人称为“古典大师”、“欧洲音乐之父”，这是当之无愧的。

巴赫有极多的钢琴复调作品，对于他的复调作品，有评论家是这样评论的:“没有研究过巴赫，就不能理解欧洲音乐;没有深入的研究过巴赫的复调作品，一个严谨的作曲家、钢琴家就不可能精通他的专业。”“谁要是不研究巴赫，那么对他的音乐中蕴藏着的那种是以表达我们最深思想和情感的巨大可能性，是不可能理解透彻的。”而对于巴赫钢琴复调作品的顶峰之作——《十二平均率钢琴曲集》

则被认为是一部充分体现巴赫的音乐风格、音乐形象的大百科全书，是钢琴演奏者的必修课本。在这部作品中，他的复调技巧和艺术技巧都达到了最高峰，直到今天，他也有理由成为最高典范，这部作品从艺术创造上证实了平均率理论的优越性。他的赋格曲标志着调性功能思维的高度发展，整体曲集标志着大小调体系的完全成熟。从这个意义上来说，他所起的进步作用是不仅仅局限于钢琴音乐发展的范畴之内的。

钢琴演奏技术的提高有赖于手指的灵活性与独立性。而弹奏复调作品，则对这一点的要求更为必要。如手指对各声部层次对比的控制力，旋律线条走向的把握，乐句起和收的处理，两手间的相互协调配合等。但是最重要的一点是在除了手指能力之外，演奏者要能清楚地听见自己弹奏的是什么，也就是作品进行中的各个声部在自己手下能否清晰的展示出来。

对初次接触巴赫复调作品的人来说，巴赫的初级钢琴曲集是一个很好的选择，如其中的第三首乐曲是一首小步舞曲，二个声部的进行，首先由右手进入，当进行到第二小节强拍上时，右手小指弹完G音抬手的同时，左手很自然地落到G音上弹奏另一个声部，形成声部的交替和模仿，并在第二小节上有一个强拍的节奏特点，这正是小步舞曲节奏流畅、平稳、活泼的风格体现。一般人通过对初级巴赫作品的学习，可以初步领略到巴赫复调作品的内涵和一种全新的音乐感受，从而获得弹奏巴赫复调作品的初级技巧。

二部创意曲的第一首是学习掌握各种连句、连音，要求手指触键平稳连贯。第一句的主题在强拍位置上十六分休止符后进入，乐句如同呼吸一样，大拇指自然落下，弹奏出很连贯流畅的短句。而每次在强拍上的收尾，要求自然并且弱一些，跳音不要弹的太短促。左右手的句子如同两个人的对话，交替对应，极富表情。通过对这样的旋律连句的学习，对掌握手臂的自然呼吸、乐句的自然答对，手指的独立弹奏来说都是有很好帮助的。

二部创意曲的第四首是以模仿为主的复调曲，两个声部同样重要，但在不同的乐句中所起的作用又有所区别。曲中连奏要指尖触键平稳连贯，在弹奏左右手颤音时，要保证另一只手的主题旋律连贯平稳。为使学生能够克服这一难点，除了加些颤音的练习外，还可以把颤音放慢节奏和旋律句子对位去练，这对获得好的节奏感和培养双手独立不倚的训练都大有好处。

二部创意曲的第十四首是学习交替的连句，声部进行的规则统一，主题和副题的呼应以及分句法。二部创意曲的第十五首是则是学习半音加颤音的小短句及双手交替弹奏连句、短句，要求手臂配合自如、触键清晰灵巧。 巴赫的三部创意曲主要是双手弹奏三条旋律，声部的增多对弹奏带来了不小的难度。但是同时也为训练手指的独立性和控制力提供了很好的训练材料。巴赫三部创意曲的第二首是六八拍子的曲子，有极强的歌唱性。主题句的重复音无论在那一个声部出现都要把前一个音弹的长一些，这样句子才能够连贯。第二拍到第三拍，第五拍到第六拍是五度音程呈上升趋势，使音乐有一种舒展的感觉，三声部的出现在一些地方是以高音保留、低声部插入为形态的，如第五、第六小节的三声部就起到变化和填充的效果。由于各乐曲的织体、结构成份的不同，在作曲家笔下对各个声部的处理以及力度和色彩方面的要求也就有所不同。 巴赫三部创意曲的第十五首就是以三种不同的素材组合而成的。左手是很连贯的歌唱性旋律，右手的小短句如同伴奏音型一样，三个音一组弹奏时，要把前两个音连起来后一个音断开，听起来生动、典雅。第三小节是分解和弦琶音的华彩句，要弹的干净、明亮，万万不可弹成连音。整首曲子都是以这三种音型交替、穿插变化发展而成的。只要把握住这一点，就可以使曲子弹的生动活泼。 巴赫三部创意曲的第十一首，在弹奏时要注意中声部的旋律是以双手交替来完成的。为了使音乐的线条清晰，练习时可以先单手进行，而后再将这个句子自然从容的弹出，在这种地方要认真倾听两手衔接处力量是否均匀自如。 在巴赫复调作品中，不论是模仿、对位或者衬托，各个声部的重要性也时有变化。在注意主声部的同时，也不能忽视其它声部，再弹奏中要注意它是怎样进来，继而是怎样发展变化的。这种发展和变化使得各个声部的力度色彩各有特色、各不相同，但又相互联系。为了很好地控制自己的手指去弹奏出合乎逻辑的乐句，使自己有良好的复调听觉，分声部练习是非常重要的。

在完成巴赫创意曲作品的学习后，就将进入体现巴赫音乐风格、音乐形象的大百科全书，即对巴赫的《十二平均律钢琴曲集》的学习。《平均律》共分两卷，是按同样的形式组成的，每一首前奏曲和一首赋格曲都是由一个共同的调性统一起来的独立作品。前奏曲和赋格曲连在一起，既形成对比，又起着补充作用。前奏曲在形式上比较自由、流动，音乐思维富于幻想，赋格曲的形式则非常严谨，音

乐思维是严格集中的。

巴赫的前奏曲在《平均律》中往往起着引子的作用，但它也有其独立的意义。一般来说，前奏曲分为两种类型:一种是属于乐曲性质，它的速度通常较快，这是极好的手指技术练习，同时它的旋律性也很强。例如，第一卷中的第五首D大调前奏曲，第十一首F大调前奏曲等。另一种是采用复调手法，由多声部构成，它很象赋格。例如，第一卷中的第十二首F小调前奏曲，第十四首升F小调前奏曲等。

赋格曲在复调音乐中是最高和最复杂的表现形式，它的形成是经过了很长的发展过程，只有在巴赫的创作中赋格才获得了完美的体现。巴赫的赋格曲，并不完全是抽象的音乐曲，它不仅有严密紧凑的哲理性，在形式上的变化层出不穷，而且还充满了诗意的感情。赋格曲常是由几个独立声部组织而成的，先由一声部奏出主题，其他各声部做先后模仿。主题一开始用主调，第二次出现用属调，第三次出现回到主调，这样变化发展直至曲终。在同一声部前后两个主题之间还有可能出现副题。主题先后出现于各个声部，成为呈示段，不包含主题的段落叫插句。赋格的结构是呈示段与插句的交替交换，它通常都是一个音乐主题，表现一个音乐形象。有时也会遇到有二、三个主题的赋格曲，但其中材料往往都属于基本的第一主题。第一主题体现了主要的、主导的思想，从而也决定了作品的性质。赋格曲中少于两个声部是不可能的，最普遍的是三或四个声部的，五、六声部的作品就很少很少了。

巴赫《平均律》是非标题性音乐，从表面上看不出作曲家所想表现的是什么，但是从巴赫的思想特点和完整统一的形象思维来看，我们可以了解巴赫作品中所蕴藏的丰富内容。由于巴赫所处的复杂时代，受宗教影响极大，所以他常借宗教题材反映人民的痛苦，表现人们对英雄的同情、感伤和歌颂。同时巴赫作品也反映了人们对光明的向往与追求，而非标题音乐则包括了当时社会所不能论的语言，从侧面反映了人民的生活，反映了社会。如:在《平均律》中，第一卷降E大调前奏曲是表现宗教圣咏的。第二卷升F大调前奏曲表现出沉思的哲理。第一卷F小调赋格则表现出幻想以及悲剧性。第一卷的D大调赋格却表现出强烈的英雄性等等。而表现民间风俗，生活气息的作品在《平均律》中也有不少。如:第一卷E大调前奏曲就具有强烈的牧歌风味。第二卷F小调前奏曲表现出淡雅的田

园风情。第一卷升C 小调赋格，则表现出强烈的欢乐性等等。由此可见巴赫的创作本质是:世俗音乐同复调音乐的结合，宗教思想与启蒙思想的结合，结构性与旋律性的结合。

巴赫作品风格的掌握是弹好《平均律》的关键，具体来说，就是要从以下几个方面来注意:速度:它是决定风格最重要的因素之一。在弹奏平均律中速度应当和当时的乐器(如:击弦古钢琴等等)相吻合，与当时的时代相吻合。十八世纪属于节奏较缓慢的时代，如果在钢琴上把这套曲目弹的很快，显然是不和适的。所以平均律的弹奏应当是相对较缓慢的。节奏:巴赫作品以节奏严谨平稳而著称。由于作品属于巴洛克时期音乐范畴，所以不能允许有类似浪漫派演奏手法常用的自由地、时慢时快地节奏。巴赫作品从开始到结束，都应处在一个基本节奏之中。三，触键:钢琴的触键方法有许多不同，但在弹奏平均律时，触键应和巴赫作品的风格相一致。一般来说，在快速乐曲中，用非连奏法或手指断奏来模仿击弦古钢琴上清脆效果比较合适。而在缓慢的抒情歌唱性乐曲中，则要把力量由肩部传送到指尖，手腕平稳，音与音的连接要均匀，贴键出声，保持音色的圆润饱满，这样才能获得古朴典雅的音响效果。线条:这是巴赫作品中又一极为重要的特点。在弹奏巴赫的复调作品前，应该对线条有一个初步的设计，使其自然而流动。当然巴洛克时期的音乐线条起伏不能象浪漫主义音乐中的线条起伏那么大，但是一定是存在的。正确的使用渐快与渐慢往往会给人一种舒服的感觉，但滥用则会令人厌烦。试想，如果每一首前奏曲和赋格结束时都去做渐慢，那也太呆板了。我认为一首歌唱性的、宽广流畅的赋格曲比一首欢乐性的轻巧赋格曲更适合于在结尾处做渐慢。五，力度变化:总的来说，巴赫作品的力度变化幅度较小，基本趋与平稳。但是这并不排除某些段落里的强弱力度的变化。巴赫作品的力度应按照乐曲的内容、结构来改变。无论如何，轻响截然分明的格式决不能套用到所有的前奏曲与赋格上去。六，声部:平均律属于复调作品，即多声部音乐作品。我们要通过这些曲目的训练使手指控制声部和耳朵辨别声部的能力得到大的提高。在教学中，要强调保持声部层次的清晰，主题声部要尤为突出，而其他各声部要让位于主题声部，手指要做适当的控制。但是，在控制中，每一个声部又应当是清楚、完整的。要做到这一点，就必须将每一层旋律部抽出来单独练习，使头脑对各声部都保持条理清楚，再用清醒的头脑去指挥手指的弹奏动作。七，踏板:它

在巴赫的作品中似乎是不重要的，但事实上却是极为重要和极难把握的，由于踏板没用好而导致弹奏失败的例子随时可见。巴赫的作品中，踏板用多了会使声音含糊不清，用少了又会使声音干涩无味，这两个极端都有损与巴赫的风格。我认为踏板的运用应当根据乐曲来决定，比如在弹奏中遇到手难以连接或慢乐曲中需要延长的地方等，是可以使用踏板的，但是要用耳朵仔细的倾听，然后小心的进行。八，装饰音:这是修饰音乐的装饰品。巴赫的装饰音种类繁多，有回音、逆回音、颤音、下波音、上波音等等，他们各有自己特殊的弹法。另一方面，因为适合于击弦古钢琴轻巧、柔和音色的装饰音，并不一定适合现代钢琴上较厚实的声音，所以，巴赫的装饰音不要弹的太急、太强、太断和太华丽。以上是弹奏巴赫作品时所要注意的几个基本要素。当然，巴赫的《十二平均律曲集》以及他的其它钢琴复调作品都是如此的博大精深，要真正的弄懂并准确把握这些巨作，是要花大量心血与时间去做认真研究的。但是掌握其主要的风格特征，了解当时的时代背景是学习巴赫作品的最根本要求，也是弹奏好巴赫作品的前提与第一步。

范文三：巴赫钢琴复调作品的理解的论文

巴赫钢琴复调作品的理解的论文

巴赫钢琴复调作品的理解的论文

一、巴赫复调作品的重要性及易出现的问题 约翰?塞巴斯蒂安?巴赫(1685,1750)，是人类音乐史上最伟大的音乐家之一。他的音乐是世界文化艺术最重要的组成部分之一。对于他的复调作品，有评论家是这样评论的:“没有研究过巴赫，就不能理解欧洲音乐;没有深入的研究过巴赫的复调作品，一个严谨的作曲家、钢琴家就不可能精通他的专业”。 两个以上相对独立的声部线条有机地结合的作品即构成复调作品。巴赫的复调音乐充满音乐内部结构的平衡与美感，是复调性最高的。不过对于大多数钢琴爱好者来说，普遍存在着对其作品理解不够深刻，弹奏时各声部层次对比度不够、各声部线条走向把握不准，乐句起收处理不当、两手相互协调差等诸多问题。 二、巴赫作品顺序的选择及分析 1、《初级钢琴曲集》 巴赫的《为安娜?玛格达莱娜，巴赫的键盘小曲集》，俗称“小巴赫”或“初级钢琴曲集”，这些曲子虽然简单，但是都已经有了复调作品的初步形态。例如:第三首乐曲是一首小步舞曲，二个声部的进行。首先由右手进入，第二小节上左手重复第一小节，形成声部的交替和模仿，这正是复调风格的一种体现。 巴赫的曲子，初级阶段非常注意强调每个音的独立性，重视每个音的触键。在每个音符都能获得良好音质，同时它们相互联系，保持横向旋律线条的清晰，纵向对位的完美结合。 2、《二部创意曲集》 “创意曲”是对一个短小精悍的音乐主题，运用各种作曲技法不断发展变化，创造乐意的乐曲。巴赫的《创意曲》创作于1723年，每一首都有着不同的技术要求，音乐上也有着不同的情绪与风格。巴赫的作品，还具备“每个音符、每个线条都歌唱”的生动性，是用歌唱的感觉去弹每个音符、每个声部。 在《巴赫二部创意曲》的15首乐曲里，两个声部的对位进行，其表现形态是多种多样的。《二部创意曲》基本可以分成三类:第一类，乐曲的主题较为短小，用对位模仿或展开的手法构成;第二类，主题是较完整的乐句，基本上是以赋格曲手法创作。第三类，以严格的模仿对位卡农手法写成。另外，巴赫的《二部创意曲》不是根据演奏的难易程度安排的，作品中第1、4、8、10、13、14首作品音乐形象相

对简单;第3、5、7、9、15首作品音乐形象不难理解，技术稍有难度;第2、6、11、12首作品在音乐形象和技术上都有难度。 3、

巴赫的《三部创意》是在二部基础上的拓展。《三步创意曲集》

《三部创意曲》比二部多了中声部的音乐线条，加强了多声部的概念和感觉。《三部创意》，在纵向上能使各声部协调一致，更重要的是从横向上使声部的旋律相互交织，以造成音乐的交错起伏，相互融合，形成一个立体、均衡的整体。 4、巴赫《十二平均律钢琴曲集》 巴赫钢琴复调作品的顶峰之作——《十二平均律钢琴曲集》，被称为是钢琴音乐的“旧约全书”，是钢琴演奏者的必修教材。《平均律》共分两卷，第一卷的前奏曲与巴赫前期的作品相近，具有练习曲的特征。第二卷的前奏曲除了个别外，其它则都是旋律性很强、对位技术非常高的作品，曲式结构上已有了较强的独立性。上下两卷的赋格也有差异，第二卷音乐更加内在、深沉，技术娴熟，手法多样。 从乐器的角度来看，由于巴赫时代音乐家的家中常常有多种键盘乐器，对于平均律乐曲，现在很难界定究竟哪一首是为何种键盘乐器而写，只能大概认定是为拔弦古钢琴或击弦古钢琴而作(现在这两种键盘乐器我们统称为古钢琴)。在钢琴上弹奏平均律乐曲既要发挥现代钢琴的优良性能，奏出声部的层次、力度变化、音色对比、音符时值以及各种演奏法的特点，又要尊重传统，保存乐曲的原有风格， 巴赫的作品以节奏严谨、平稳而著称。由于它属于巴洛克时期的音乐范畴，所以不能允许有类似浪漫派演奏手法常用的自由的、时慢时快的节奏。《平均律钢琴曲》作品从开始到结束，都应处在一个基本节奏之中。速度应遵循“快而稳、慢而动”的原则，应和当时的乐器的特点(古钢琴)相吻合，与当时的时代艺术风格相吻合。如果在钢琴上把这套曲目弹的很快，显然不适和当时优雅而舒缓的整体艺术风格。 与此相类，巴赫作品的力度变化幅度较小，基本趋于平稳。但是，与节奏因素不同的是。这并不排除某些段落里的强弱力度的鲜明对比。《平均律钢琴曲》在快速乐曲中，用非连奏法或手指断奏来模仿击弦古钢琴上的清脆效果:而在缓慢的抒情歌唱性乐曲中，音与音的连接均匀，保持了音色的圆润饱满，获得古朴典雅的音响效果。

范文四：.巴赫钢琴复调作品的理解的论文

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一、巴赫复调作品的重要性及易出现的问题

约翰?塞巴斯蒂安?巴赫(1685,1750)，是人类音乐史上最伟大的音乐家之一。他的音乐是世界文化艺术最重要的组成部分之一。对于他的复调作品，有评论家是这样评论的:“没有研究过巴赫，就不能理解欧洲音乐;没有深入的研究过巴赫的复调作品，一个严谨的作曲家、钢琴家就不可能精通他的专业”。

两个以上相对独立的声部线条有机地结合的作品即构成复调作品。巴赫的复调音乐充满音乐内部结构的平衡与美感，是复调性最高的。不过对于大多数钢琴爱好者来说，普遍存在着对其作品理解不够深刻，弹奏时各声部层次对比度不够、各声部线条走向把握不准，乐句起收处理不当、两手相互协调差等诸多问题。

二、巴赫作品顺序的选择及分析

1、《初级钢琴曲集》

巴赫的《为安娜?玛格达莱娜，巴赫的键盘小曲集》，俗称“小巴赫”或“初级钢琴曲集”，这些曲子虽然简单，但是都已经有了复调作品的初步形态。例如:第三首乐曲是一首小步舞曲，二个声部的进行。首先由右手进入，第二小节上左手重复第一小节，形成声部的交替和模仿，这正是复调风格的一种体现。

巴赫的曲子，初级阶段非常注意强调每个音的独立性，重视每个音的触键。在每个音符都能获得良好音质，同时它们相互联系，保持横向旋律线条的清晰，纵向对位的完美结合。

2、《二部创意曲集》

“创意曲”是对一个短小精悍的音乐主题，运用各种作曲技法不断发展变化，创造乐意的乐曲。Www.11665.cOm巴赫的《创意曲》创作于1723年，每一首都有着不同的技术要求，音乐上也有着不同的情绪与风格。巴赫的作品，还具备“每个音符、每个线条都歌唱”的生动性，是用歌唱的感觉去弹每个音符、每个声部。

在《巴赫二部创意曲》的15首乐曲里，两个声部的对位进行，其表现形态是多种多样的。《二部创意曲》基本可以分成三类:第一类，乐曲的主题较为短小，用对位模仿或展开的手法构成;第二类，主题是较完整的乐句，基本上是以赋格曲手法创作。第三类，以严格的模仿对位卡农手法写成。另外，巴赫的《二部创意曲》不是根据演奏的难易程度安排的，作品中第1、4、8、10、13、14首作品音乐形象相对简单;第3、5、7、9、15首作品音乐形象不难理解，技术稍有难度;第2、6、11、12首作品在音乐形象和技术上都有难度。

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3、《三步创意曲集》

巴赫的《三部创意》是在二部基础上的拓展。《三部创意曲》比二部多了中声部的音乐线条，加强了多声部的概念和感觉。《三部创意》，在纵向上能使各声部协调一致，更重要的是从横向上使声部的旋律相互交织，以造成音乐的交错起伏，相互融合，形成一个立体、均衡的整体。

4、巴赫《十二平均律钢琴曲集》

巴赫钢琴复调作品的顶峰之作——《十二平均律钢琴曲集》，被称为是钢琴音乐的“旧约全书”，是钢琴演奏者的必修教材。《平均律》共分两卷，第一卷的前奏曲与巴赫前期的作品相近，具有练习曲的特征。第二卷的前奏曲除了个别外，其它则都是旋律性很强、对位技术非常高的作品，曲式结构上已有了较强的独立性。上下两卷的赋格也有差异，第二卷音乐更加内在、深沉，技术娴熟，手法多样。

从乐器的角度来看，由于巴赫时代音乐家的家中常常有多种键盘乐器，对于平均律乐曲，现在很难界定究竟哪一首是为何种键盘乐器而写，只能大概认定是为拔弦古钢琴或击弦古钢琴而作(现在这两种键盘乐器我们统称为古钢琴)。在钢琴上弹奏平均律乐曲既要发挥现代钢琴的优良性能，奏出声部的层次、力度变化、音色对比、音符时值以及各种演奏法的特点，又要尊重传统，保存乐曲的原有风格，

巴赫的作品以节奏严谨、平稳而著称。由于它属于巴洛克时期的音乐范畴，所以不能允许有类似浪漫派演奏手法常用的自由的、时慢时快的节奏。《平均律钢琴曲》作品从开始到结束，都应处在一个基本节奏之中。速度应遵循“快而稳、慢而动”的原则，应和当时的乐器的特点(古钢琴)相吻合，与当时的时代艺术风格相吻合。如果在钢琴上把这套曲目弹的很快，显然不适和当时优雅而舒缓的整体艺术风格。

与此相类，巴赫作品的力度变化幅度较小，基本趋于平稳。但是，与节奏因素不同的是。这并不排除某些段落里的强弱力度的鲜明对比。《平均律钢琴曲》在快速乐曲中，用非连奏法或手指断奏来模仿击弦古钢琴上的清脆效果:而在缓慢的抒情歌唱性乐曲中，音与音的连接均匀，保持了音色的圆润饱满，获得古朴典雅的音响效果。

范文五：巴赫复调钢琴作品演奏风格的浅议_音乐论文

巴赫复调钢琴作品演奏风格的浅议_音乐论文 巴赫复调钢琴作品演奏风格的浅议_音乐论文

音乐论文

【摘 要】约翰?塞巴斯蒂安?巴赫是十八世纪上半叶欧洲最伟、最有影响力的作曲家,也是巴洛克音乐时期的重要代表人物。同时也被誉为西方“极乐世界”的乐祖、乐圣。巴赫的音乐作品也被后人认为具有永恒的价值。巴赫的音乐作品体现了巴洛克音乐时期复调最高超、最成熟的技术水平。同时也是巴赫使复调音乐达到了顶峰,其音乐作品形式严谨,有很强的逻辑性、哲理性,表现出庄重富有内涵的乐思。正是巴赫这些与众不同的创作特征,使他的音乐作品与其他作曲家的作品在演奏上有很大的不同。本文从巴赫作品的演奏风格,力度,指触,指法,踏板几个方面加以论述。

【关键词】巴赫 复调 逻辑性 哲理性

约翰?塞巴斯蒂安?巴赫(Jhann Sebastian Bah,1685-1750),德国最伟大、最有影响力的作曲家之一。巴赫带给人们的却是上帝的语言,华丽高雅而不做作,繁复的曲调之中蕴含的作曲技巧几乎在他后来的任何作曲家身上都找得到他的影子。

一、演奏风格

巴赫音乐的演奏风格经历了一个漫长的演变和发展过程。巴赫是巴洛克时期的作曲家,他所创作的音乐作品距今已有三百多年,由于年代的限制,那个时代的音乐家们的演奏风格并没有录音可考,现代的人们只能从一些史料的记载中去间接地了解到巴赫音乐作品的演奏风格。从流传下来的当时的乐器——羽管键琴和古钢琴,可以推断出巴赫的键盘作品大致是发出淡雅、清澈的声音。1750年巴赫去世,由于它的音乐过于复杂,以至于在他死后的一段时间里被人们淡忘。直至19世纪中叶,两位德国作曲家门德尔松和舒曼极力地挖掘和推广巴赫的作品,使得巴赫的作品又流传于世。20世纪中叶又引起了源自西欧的一场“真实性”的运动。让巴赫的真实声音通过用巴赫时代的乐器演奏和展现出来。这种真实性运动的思潮也反映在了现代钢琴家的演奏上,他们在演奏钢琴时刻意地去模仿羽管键琴的声音,把声音

弹得很干,幅度很小。但是他们万万没有想到的是,巴赫本人在创作及演奏自己的作品时,对声音介质的要求是很随便的。这足以说明巴赫在作曲时考虑到的是音乐结构本身,而不是表现音乐的音响介质。因此巴赫作品的演奏风格应该是要能够充分体现作品的简约、质朴和结构的完美。巴赫音乐作品的艺术真谛应该是存在于他音乐本身的建构中,存在于旋律、节奏、和声、音型等音乐元素完美的横向与纵向的对位组合之中。巴赫音乐作品演奏风格的真谛应该是用现代钢琴的声音变化去表现巴赫作品的结构意图,用简约质朴的音乐语言去打动每一位听众。

二、力度

1.在演奏时要注意巴赫音乐的对位性。巴赫的音乐有一个很大的特点,那就是不同声部的乐句在不同的时间开始、呼吸与结束。这就要求我们在演奏时对力度的处理也应该相应的在不同的时间变化。比如这首乐曲第17至27小节,每个声部都根据各自的分句,有各自的力度变化时间,而不是泛泛的渐强和渐弱。再则,巴赫的音乐中不但有横向的力度变化,还有纵向的及斜向的力度变化,不但存在于两个声部的作品里,还存在于三个、四个或五个声部的作品里。

2.由于巴赫的音乐结构思维与建筑结构思维相近,巴赫音乐的力度变化也以阶梯式为主,而不是古典主义后出现的渐强或渐弱,第25至27小节模进的渐弱,我们把它处理成f到f到p,而不是逐渐的渐弱。这更符合巴赫及巴洛克音乐的结构性,而不是浪漫派音乐的语言性。

3.巴赫音乐作品的力度变化更多的是存在于声部间与乐句间的。因此,在处理巴赫音乐的力度应避免在一个乐句里做过多的力度变化与起伏,只有这样才能更清晰的表现巴赫音乐的对位性和构建思维,反之就会破坏巴赫音乐的结构感。

4.根据乐曲中织体不同的布局,音色的选择应遵循如下的规则:A当高音部与其他音部有较大间距时,往往可让该声部以飘柔的声音歌唱。B当织体中的各声部有较大间距时,中声部可以坚实突出。当低音逐步下行,尤其在上方声部为长音时,低音声部可以浓厚些,即便时瞬间的变化也时值得的。D当两个声部音区交错时一定要让主要声部清楚。特别时两个线条纠缠在一起时,通常会让以较小时值构成的流

动作为背景而淡化。

三、触键

鉴于巴洛克时代的乐器条件和当时审美风范的要求,钢琴上的各种触键方法与近代的要求不同。A轻巧(Leggier):手指只须轻击键至较浅的程度。B断奏(Stat):手指以更快速的动作击键与放键。一般不用手掌的跳动。通常占时值的标记的1/2.非连奏(nn legat)比“断奏”的放键时间略长些,通常占时值标记的3/4.D顿音(prtat)四分音符或二分音符,常以整个前臂动作完成,八分音符则以手指控制,使放键时间略长于“非连奏”音。E连音(legat):巴洛克时代的连奏中无须抹去每个音的起奏点,音色应当集中。

四、指法

在巴赫的音乐作品中有这样几种特殊的指法:

1.垫指:为了达到“较连奏”的效果而采取的一个手指越过另一个手指的演奏方法个手指的演奏方法。如三指经过四指,四指经过三指等。弹奏时要注意手腕的灵活,当一个手指尚未取代前一个手指时,前一个手指不应该离开琴键。

2.无声换指:为了保持某音同时又方便弹奏其他声部而采取无声的同音换指。

3.同音换指:弹奏重复音连奏时,为了使弹奏清晰流畅,可采取同音换指。

4.滑指:为了获得连奏的效果,同一手指从一个键滑到另一个键。如白键滑到白键,黑键滑到黑键,黑键滑到白键和白键滑到黑键均可。滑指时要找到最好的手指倾斜度。

在演奏时为了能够达到一定的演奏效果,还要注意指法的选择和运用通常有以下几个原则:

(1)模进的片段大多用相同指法演奏。

(2)尽量运用顺指弹奏,大拇指尽量避免上黑键。在较难演奏或装饰音处,要多用较强的二指和三指。

(3)曲子的速度不同,指法也就不同。慢速度的指法不一定适合快速度,所以应以该曲适合的速度来确定指法,并且固定下来在关键处作上标记。

(4)由于演奏者手的大小各不相同,因此要根据个人手的特点来选择指法。

五、踏板

巴赫的音乐作品中有着很强的结构性与逻辑性,我们在演奏的过程中为了充分展现出音乐的这种特性,在踏板的使用上就不能用踏板来造成“和声的交织”和“织体的模糊”。这也要求我们在使用踏板时要十分小心,谨慎,在以下几种情况下可以使用踏板:

1.我们的手指难以达到连奏时,可以巧妙的使用右踏板。但是这时的踏板要踩得很短,要用踏板捉住一个声音的音尾与下一个声音的音头从而使其连接。

2.当我们需要一种丰满和歌唱的声音时,也可以使用右踏板。右踏板是可以用于美化音质的,当我们演奏长时值的音或者是旋律性较强的句子是,巧妙的运用右踏板就可以使声音更加的歌唱,细腻。在巴赫的音乐作品中,我们也可以用弱音踏板。弱音踏板不但能做力度变化,而且更能表现出音色的变化。踏板的运用在巴赫音乐的演奏中是不同于其他作品的。因此我们在踏板的运用上一定要慎重。要先把音乐中要求的句法、奏法弹好,然后在根据需要使用踏板。不能滥用,以免影响各声部间线条的进行,破坏了音乐的整体结构。

综上所述,巴赫是位伟大的哲学家,因为他的作品蕴涵着丰富的哲理。巴赫的作品像大海,宽广而深邃。他一生中所写的任何作品,都表现出他在旋律和节奏方面的创造性以及和声方面的大胆及丰富的想象。巴赫的作品对欧洲近代音乐的发展产生了极其深远的影响,为全人类音乐的进步和发展指明了宽广的远景,为世界古典音乐树立了丰碑,因此,巴赫被称为“西方音乐之父”。

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