范文一:古希腊柱式和古罗马柱式
柱式(Order)
柱式是指一整套古典建筑立面形式生成的原则。基本原理就是以柱径为一个单位,按照一定的比例原则,计算出包括柱础(Base)、柱身(shaft)和柱头(Capital)的整个柱子的尺寸,更进一步计算出包括基座(Stylobate)和山花(Pediment)的建筑各部分尺寸。
柱式包括古希腊的三个柱式和古罗马的五个柱式。
古希腊三柱式
古希腊人建筑神庙的灵感来源于古埃及人,他们将埃及神庙的内部翻转为外,用大量的柱子作为建筑物的支撑。由于柱子外显于建筑外面,爱美的希腊人便发展出了体系完备的柱式结构,并且形成了多样的风格。
从左至右依次为: 多立克柱式,爱奥尼柱式,科林斯柱式
多立克柱式(Doric Order)
http://fr.wikipedia.org/wiki/Ordre_dorique
希腊多立克柱式是希腊古典建筑的三种柱式中出现最早的一种(公元前7世纪)。多利克柱式一般都建在阶座之上,特点是比较粗大雄壮,没有柱础,柱身有20条凹槽,柱头是个倒圆锥台,没有装饰,建造比例通常是:柱高与柱直径的比例为6:1,雄健有力,象征男性美,所以多立克柱又被称为男性柱。著名的雅典卫城(Athen Acropolis)的巴特农神庙(Parthenon,附图)即采用的是多立克柱式。
Parthenon
爱奥尼柱式(Ionic Order)
http://fr.wikipedia.org/wiki/Ordre_ionique
希腊爱奥尼柱式(或爱奥尼亚柱式)起源于公元前6世纪中叶的爱奥尼亚,小亚细亚西南海岸和岛屿,上面住着操爱奥尼亚方言的希腊人。爱奥尼柱式通常竖在一个基座上,特点是柱身有24条凹槽,柱高是其直径的8-9倍,柱头有一对向下的涡卷装饰,富有曲线美。由于外形比较纤细秀美,爱奥尼柱又被称为女性柱。爱奥尼柱由于其优雅高贵的气质,广泛出现在古希腊的大量建筑中,如雅典卫城的胜利女神神庙(Temple of Athena Nike,附图)和伊瑞克提翁神庙(Erechtheum)。
Temple of Athena Nike
科斯林柱式(Corinthian Order)
http://fr.wikipedia.org/wiki/Ordre_corinthien
希腊科林斯柱式是公元前五世纪由建筑师卡利漫裘斯(Callimachus)发明于科林斯(Corinth),此亦为其名称之由来。它实际上是爱奥尼柱式的一个变体,两者各个部位都很相似,比例比爱奥尼柱更为纤细,只是柱头以毛茛叶(Acanthus)纹装饰,而不用爱奥尼亚式的涡卷纹。毛茛叶层叠交错环绕,并以卷须花蕾夹杂其间,看起来像是一个盛满花草的花篮被置于圆柱顶端,其风格也由爱奥尼式的秀美转为豪华富丽,装饰性很强。但是科斯林柱式在古希腊的应用并不广泛,雅典的宙斯神庙(Temple of Zeus,附图)采用的即是科林斯柱式。
Temple of Zeus
古罗马五柱式
罗马人继承了希腊柱式﹐根据新的审美要求和技术条件加以改造和发展。
他们完善了科林斯柱式﹐广泛用来建造规模宏大﹑装饰华丽的建筑物﹐并且创造了一种在科林斯柱头上加上爱奥尼柱头的混合式柱式(Composite Order)﹐更加华丽。
他们还改造了希腊多立克柱式﹐并参照伊特鲁里亚人传统发展出塔斯干柱式(Tuscan
Order)。这两种柱式差别不大﹐前者檐部保留了希腊多立克柱式的三陇板﹐而后者柱身没有凹槽。爱奥尼柱式变化较小﹐只把柱础改为一个圆盘和一块方板。
塔斯干﹑罗马多立克﹑罗马爱奥尼﹑罗马科林斯和混合柱式﹐被文艺复兴时期的建筑师称为罗马的五种柱式。其风格的差异远比希腊爱奥尼和多立克两种柱式的差异为小﹐因而失去了鲜明性。
1.罗马多立克柱式
外观跟古希腊多立克柱式相近,但在柱头下端添上一圈环状装饰;
柱身下添加了圆环形柱础。柱高与柱径的比例为8:1,整个柱身显得比较粗壮。
2.罗马爱奥尼柱式
柱式与古希腊爱奥尼柱式相同,只是把柱头上两个涡卷间的连接曲线改为水平直线。
3.罗马科林斯柱式
样子与古希腊科林斯柱式一致,柱高跟柱径的比例是10:1,显得纤细高大;柱身上有24条凹槽;柱头部分由两层毛茛叶和涡卷图案组成,涡卷图案成对出现。
4.塔司干柱式
塔司干柱式其实就是去掉柱身齿槽的简化多立克柱式;
柱础是较薄的圆环面。柱高跟柱径的比例是7:1,柱身粗壮。
5.混合柱式
这种柱式是将科林斯柱式的顶端与爱奥尼克柱式的涡卷相结合,使形状显得更为复杂、华丽。柱高跟柱径的比例是10:1,显得纤细秀美。
整体比较图
细部比较图
据文本推断:
上左:塔斯干; 上右:罗马多立克
中左:罗马爱奥尼; 中右:现代爱奥尼
下左:科林斯; 下右:混(组)合式
维特鲁威在他的《建筑十书》里给柱式本身和柱式组合作了相当详细的量的规定﹐用柱身底部的半径作量度单位。他注意到这些规定要根据建筑物大小﹑位置等具体条件作必要的调整。柱式作为基本的建筑造型手段﹐在罗马帝国流行﹐形成统一的罗马建筑风格。
古罗马的柱式规范的影响非常深远,成为了西方建筑的基本母题,至今仍在被广大建筑师所学习和模仿。
西罗马帝国灭亡(476)后﹐欧洲大多数地区柱式建筑不再流行。在意大利虽然流风尚存﹐但细部和组合方式等都不很严格﹐与罗马柱式有很大差别。
意大利文艺复兴时期的建筑师﹐重新使用罗马柱式作为基本的建筑造型手段﹐追求风格的纯正。16世纪下半叶的手法主义﹐产生了两种潮流。一种是刻意求奇﹐不惜破坏柱式的结构逻辑来创造新的建筑形像﹐如螺旋式柱身﹑断折的额枋﹑不均匀的开间﹑成组的柱子等﹐这种潮流被17世纪的巴洛克建筑继承。另一种是刻意求同﹐给五种柱式厘订死板的规范﹐消除古罗马时期普遍存在的变体﹐作出苛细的量的规定﹐这种教条化的潮流被17世纪的古典主义建筑继承。巴洛克建筑流行于意大利等国和拉丁美洲的一些地区﹔古典主义建筑流行于法国和北美等地。它们都创造了一些新的柱式组合。但二者在个别手法上互有渗透。后来﹐古典主义建筑的影响比巴洛克建筑的大。尤其是法国成了欧洲建筑教育的中心以后﹐教条化的柱式就在欧洲成了主流﹐一直持续到20世纪30年代。但装饰仍多用巴洛克手法。
古罗马五柱式
罗马人继承了希腊柱式﹐根据新的审美要求和技术条件加以改造和发展。他们完善了科林斯柱式﹐广泛用来建造规模宏大﹑装饰华丽的建筑物﹐并且创造了一种在科林斯柱头上加上爱奥尼柱头的混合式柱式﹐更加华丽。他们改造了希腊多立克柱式﹐并参照伊特鲁里亚人传统发展出塔斯干柱式。这两种柱式差别不大﹐前者檐部保留了希腊多立克柱式的三陇板﹐而后者柱身没有凹槽。爱奥尼柱式变化较小﹐只把柱础改为一个圆盘和一块方板。塔斯干﹑多立克﹑爱奥尼﹑科林斯和混合式﹐被文艺复兴时期的建筑师称为罗马的五种柱式。其风格的差异远比希腊爱奥尼和多立克两种柱式的差异为小﹐因而失去了鲜明性。罗马人创造了新的柱式组合﹐最重要的是券柱式。
万神庙——圆形的神庙
万神庙,又称潘提翁神殿,是古罗马的建筑杰作之一,也是古罗马建筑中保存最为完好的建筑物。它始建于公元前3 世纪的阿格里巴时代,是当时的罗马执政官阿格里巴为庆祝亚克兴战役获胜,向其岳父奥古斯大帝表示敬意之作,后毁于公元80年发生的火灾。到了公元2世纪初,阿德里亚诺皇帝在原址上进行了重建。而以后的哈德良皇帝又进行了进一步的整修。他命人在柱顶过梁上刻写上铜质的刻文,记述了神庙兴建的原委。万神庙基本成为我们现在所见的样式。这座神庙是继希腊神庙艺术的又一发展,其特点是充分利用拱券技术,这种建筑结构最初来自伊特鲁里亚人的建筑,罗马人使希腊柱式结构与拱券创造性结合在一起,作为拱券式殿堂建筑,它是世界上最大的圆顶建筑之一。
万神庙是一座带有穹顶的圆形神庙,它是单一空间、集中式构图建筑的代表,也是古罗马穹顶技术的最高成就。整个建筑由一个矩形的门廊和神殿两大部分组成的。门廊宽33.5 米、深18米,排列着16根由大理石和花岗石制成的科林斯式柱子。柱子高12.5米,底部直径约为1.43米,柱头上部是藤蔓似的涡卷,下面是复杂细致的茛苕花的茎叶图案。挺拔优美,庄严高贵,它们支撑着一个半三角形希腊式的檐墙。从前墙上有一幅铜刻浮雕做装饰,描述的是巨人们与神作战的情景。前廊的天花板,以前是用铜板遮盖。万神庙神殿由8 根巨大的拱壁支柱承荷。四周墙壁厚达6.2 米,上面没有一个窗子。外面砌以巨砖,内壁沿圆周有8个大壁龛,用以减轻墙体重量和装饰墙面。这种极其富有创造性的建筑结构,对中世纪,以至文艺复兴时期欧洲各国的宗教建筑都有着不可估量的影响。神殿上部的圆顶是一个完美浑圆的半球体,这是整个建筑物最精彩绝妙的部分。
这个古代世界最大的穹顶直径达43.3 米,垂直的顶高也为43.3 米,与直径相等,穹顶顶部厚为1.50 米。穹顶的建造使用了极为简单的传统手法。在一个木壳模子上面,一层层地仔细铺上鹅卵石和沙浆,经过一段干燥的时间后脱模。穹顶安放在极为牢固的墙上,垂直推力被支撑拱系统转移,这些拱藏在立柱后面圆柱形墙面之中。每个支撑点之间都安排了壁龛,每个壁龛的空间中又有两根立柱使其层次丰富。穹顶从内部空间的半截处开始升起。在外部这个高度上则建有环绕简直物一圈的檐口。穹顶中分五行排列着145个小藻井,它们的大小按照数学上的计算规律递减,把人们的目光向上吸去,吸向位于穹顶顶端的巨型圆洞窗。阳光则由此进入,就如同太阳一样普照大殿。穹顶象征着浩瀚的天宇,圆顶上的洞孔则象征着人与上天的联系。神明可由此降入庙内,而圆顶下教徒们虔诚的祈祷也能从这里自由地直升上天庭。当天光倾泻而下,照亮神殿四壁,并柔和地贴着大理石游弋,仿佛传递着来自天国的福音,万神庙内的神灵以及圣人亡灵都在这天堂之光的庇佑下得到安息。建筑史家评论万神庙神殿的圆顶说“它是把古希腊的回廊移进了室内的结果”,体现着罗马神庙建筑中典型的帝国风格。在现代结构出现以前,万神庙一直是世界上跨度最大的空间建筑。
万神庙的建设充分发挥了古罗马高超发达的拱券艺术,加大了神庙的内部空间,营造出壮阔宏大的风格,显示了古罗马人卓越的建筑工程技术,也体现了古典建筑和谐、稳定和庄严高贵的特色。这种简洁洗练,和谐大方、恢弘浩大的建筑样式,错落有致、和谐美观、别具韵意的建材排列,使万神庙产生一种崇高的美感。同时,与希腊设计的建筑不同的是,希腊设计的建筑是为了从外部观看的,而人们也是聚集在神庙前面的祭坛周围,观看献祭仪式的,而罗马人则相反,他们用万神庙创造了一个内部环境,信徒们在殿内聚会,通过与外部世界的隔绝来和上界天神心灵相通。
历经千年之后,万神庙依然具有很大的魅力。司汤达把它看作是至高无上的化身。而雪莱在表达他的“景仰之情”时也写道:“万神殿的效果正好与圣彼得大教堂相反,虽然它的规模不及圣彼得大教堂的1/4,但却展示了宇宙的形象;它的比例如此完美,在人们注视着那天际般的穹顶时,关于它的体量的概念不复存在。它向天空敞开着,它那宽广的穹顶由处于永恒变化之中的外部世界所照亮。正午的云彩掠过它的上空,晴朗的夜空星星在闪烁,静静地纹丝不动,或是在云层中随着月亮移动。我们在月光下观赏它……”。
万神庙已经在建筑史上留下了不可磨灭的痕迹,1800年来,万神庙的主题:一个神庙式进口后面的一个高耸而有穹顶的圆形大厅,已成为整个西方建筑所效仿。而古罗马这一伟大的成就依然活跃在我们的日常视野之中——教堂、清真寺、犹太教会堂、乡间别墅,以及君主制、独裁制或民主制国家的首都。它宣告了古罗马在建筑艺术方面的飞跃发展,传遍了全世界。
· 古代文明的神庙与柱子
柱子好似一个圆柱状的、垂直的支撑物。它由三部分组成:基座、柱身和柱首。大多数的柱子都是独立的,用于支撑重量,通常是房顶。当被用于做装饰,附在墙体上时,诸子就被称为“使用中的柱子”或“附体柱子”。
波斯
公元前6世纪,波斯人——属印—欧语系,原属米底(Medes)王国一个分支的早期游牧民族——开始夺取统治权。从位于苏萨(Susa)东南方的Parsa地区开始,他们最终征服了美索不达米亚(Mesopotamia)和古代近东的其它地区,并建立了一个庞大的帝国。这个新帝国的统治者们把名为阿契美民斯(Achaemenes)的伊朗家族尊为自己的祖先。随着大规模的扩张,一个著名领袖的地位也随之上升。他就是居鲁士二世(CyrusII,公元前559 ~ 530年在位)。到他逝世为止,波斯帝国几经包括巴比伦(Babylonia)、米底王国(Medes)从伊朗北方延伸至小亚细亚(Anatolia)的广大土地,以及远离西方的Aegean的一部分土地。居鲁士的儿子CambysesII(公元前529 ~ 522年在位)又把埃及(Egypt)和塞浦路斯(Cyprus)纳入帝国的版图。当大流士一世(Darius I,公元前521 ~ 486年在位)——一个官员的儿子——获得统治权时,他宣布:“我是大流士,伟大的国王,国王中的国王,所有国家的王,世界的国王。”在大流士和他的继承者统治的近两个世纪期间,阿契美民斯家族的定国继续朝东西两个方向扩张。
大流士,像许多具有巨大权力的统治者一样,以建造不朽的建筑物作为自己权力的、可见的象征。他把苏萨立为他的第一个首都,并在那里设立了一个32英亩的行政建筑。在大约公元前518年,他又在波斯人的家乡Zagros高原着手建造一个新首都——Parsa。如今,这座城市被称为波斯波利斯(Persepolis)——希腊人给他的名字。它是古代近东保存最完好的城市之一。大流士在整个帝国的范围内,四处引进原料、工人和艺术家,以实施他的计划。他甚至命令在埃及施工,然后再运到自己的首都来。由此导致的结果是,一种新形式的艺术诞生了。其中混杂着许多不同文化传统,包括波斯、米底、美索不达米亚、埃及和希腊的文化。这种艺术的混合是大流士政治策略的附带效果(或副效果)。
在亚述人(Assyrian)的时尚中,位于波斯波利斯的王宫Imperial complex被建在一个高台上。上面有矩形的栅格(或称“一个有相互交叉的直线组成的系统”)。高台有40英尺高,1500英尺长,900英尺宽。只有通过一个宽而前的斜阶才能到达平台上。这是的骑马的人不得不下马,步行走上高台。工期持续了近60年。大流士居住在那里。看着他的国库和“觐见大殿”(Apadana),以及一个专为他自己建造的小宫殿拔地而起。觐见大殿建在比王宫的其它建筑都高的第二层平台上。大殿三层都由柱廊环抱,宽阔高大的殿内足以乘下几千人。大流士的儿子薛西斯一世(Xerxes I,公元前485 ~ 465年在位)也为自己建了一座宫殿,还扩建了国库,并开始建造一个新的、宽敞的会客空间——百柱大殿(Hall of 100 Colomns)。大多数尚未完成的工作是在薛西斯的继任者阿塔尔薛西斯一世(Artaxerxes I,公元前465 ~ 425年在位)完成的。
在波斯波利斯发现的、种类繁多的数百座柱子,表现了波斯文化中留有的多种文化痕迹。虽然这些柱子明显体现出了波斯人的喜好,但还是可以从中看出米底、埃及,甚至希腊的文化元素。这些柱子矗立在装饰着叶片的覆钟形状的基座(basis)上。它们的柱身(shaft,或称垂直支撑结构)雕刻着名为fluting的垂直沟槽。这使得柱身看上去修长且细腻精致。柱子顶端部分的柱首支撑着殿顶的大梁。四周装饰着相互连接的手掌大的叶状体、纸草花形状的调式、一些其它植物形式的调式、两个垂直卷涡,以及一对背靠背跪着的公牛。原先波斯波利斯的建筑上涂满了红、绿、黄,以及蓝色的图案。大面积的浮雕装饰也显示出美索不达米亚、埃及和希腊文化的影响。这些浮雕刻画出身形比例不对等的图案。而精美的刀臂上的褶皱尤其表现出了希腊风格——也许就是由希腊工匠打造的。
埃及
在新王朝的鼎盛时期,埃及的统治者开始在整条尼罗河的沿岸大兴土木。他们的宫殿、堡垒和行政中心很久以前就已经消失了,幸存下来的只有神庙的残垣断壁和这个伟大时代的坟墓。尽管它们的国家被摧毁了,但这些建筑仍然证明了巨大的权力和决定建造它们的人的政治地位。在这个时期,埃及首都底比斯的阿蒙神(Amun)的祈祷者们创造了一种崇拜Thoban(阿蒙神、他的妻子Mut、儿子Khonsu三位一体)的宗教,并赋予它绝对的精神统治权,推广到国家的每个角落。
伫立在底比斯附近,用来向阿蒙神、Mut和Khonsu献祭的两座神庙,一个位于北面的卡纳克,另一个坐落于南方的卢克索。卡纳克幸存下来的早期建筑极少,而新王国的阿盟神庙的遗址仍然屹立在大地上。在通往神庙中心的路上,穿过环绕着一座阿盟神的寺院,是主要的庭院——多柱大殿(Hypostyle Hall)和基座小一些的宫殿和庭院。宏伟的牌楼式大门(Pylons)把这些建筑分隔开。从更大的第二道牌楼到第六道牌楼,以及在其身后的地区,在图特摩西斯一世(Tuthmose I,第十八王朝,公元前1506 ~ 1493年在位)至亚拉美西斯二世(Ramesses II,第十九王朝,公元前1279 ~ 1212年在位)统治期间,都被修复,并对其上面的浮雕进行了润色。位于神庙南侧的圣湖也是在这个时期增建的。它使步往神庙的法老和祭祀在进入神庙前得到净化。在阿蒙神的寺院后面,拉美西斯三世为自己建造了一座庭院和一座庆典用的庙宇。不久之后,阿蒙何太普三世(Amenhotep III,第十八王朝,公元前1390 ~ 1352年在位)在圣湖旁为Khepri神建造了一座石制雕像,即一个悬垂的甲虫形雕像,象征着上升的太阳和永恒的生命。
古代埃及的宗教崇拜没有每日或每周人们跪拜的宗教仪式。而是只有国王和祭祀才能进入阿蒙神的寺院,以表示他们的忠诚。所作的活动包括每天清晨清洗神像,为他穿戴好新外衣,并且,每两天替换一次献祭的食品。他们认为神会获取食品的灵气。然后祭祀们会把这些食物再拿走,自己吃掉。平民几乎不被允许越过多柱大殿的前院。在那里他们被铭文、国王的画像,以及柱子和墙上的神像包围在其中。即便是在宗教节日期间,他们也只能排成队在街上走。街两旁放置着用仪式树皮包裹着的神像,或者是一些象征性的神舟。就是这样,他们也许还要向祭祀们递交请愿书,以求的神谕。
在第二和第三道牌楼之间耸立着庞大的多柱大殿。它又被称作“塞提的精神圣殿”。它也许是被用于皇家加冕仪式的场所。拉美西斯二世曾在平日的谈话中把它称为“一座人民大众赞颂他们的民主的宫殿”。大殿内堂340英尺宽,170英尺长,134座紧密排列的柱子支撑着分阶、平坦的石制屋顶。屋顶的中间部分比其它部分高出约30英尺。支撑它的柱子高66英尺,直径达12英尺,驻守是巨大的莲花形状雕饰。两侧小一些的柱子以莲花蕾为柱首,象征着从此以后远离黑暗。
屋顶中间高出来的那部分两侧的墙上都开了一行侧窗。这些窗户都是用石头围成的空格子,所以没有很强采光能力,但可以引入清凉的空气。尽管殿内光线很暗,但工匠们还是必须在柱子、墙壁上一英尺一英尺地刻上浮雕。
希腊
三种古希腊诸式分别为:多立克式(Doric)、爱奥尼亚式(Ionic)和科林斯式(Corinthian)。大约公元前600年,多立克式和爱奥尼亚式开始盛行。其中多立克是在三种柱式当中最古老,传播最广。多立刻柱式的领子源于希腊人控制的一个地区——小亚细亚西海岸以及附近群岛——的名字爱奥尼亚(Ionia)。科林斯式是以爱奥尼亚式演化而来的,出现于公元前450年前后。希腊人只在自己本国内建造这种柱式。后来,罗马人借鉴科林斯式,并进一步精心建筑。
希腊柱式(order)的基本组成部分包括柱子和柱顶(entablature)。后者的作用相当于梁。所有种类的柱子都有柱身和柱首;有些还有基座。每座柱子都是由圆柱状或鼓形圆桶状的石块垒成,中间靠金属钉固定。在希腊神庙建筑中,柱子被建在stylobate上——神庙的“地板”;stylobate的下面是sterebate。
多立克柱式的柱身直接连接stylobate,没有基座。柱身的凹槽不像其它种类的柱子那样深。柱身的顶端是necking,以过渡到柱首。多立克柱式的柱首本身分为两部分:圆形的echinns和像桌子般的abacus,与其他种类柱式一样,entablature包括石梁(achitrave)、三陇板(metope)和陇间壁(triglyph),以及最顶端的山花部分(Cornice)。
爱奥尼亚柱式的比例比多利克柱式得更精细。柱子的高度是基座直径的九倍,区别于多立克式5(1/2) : 1的比例。柱身凹槽更深,且挨得更紧密,表面平坦光滑。爱奥尼亚式的柱首有一层薄薄的、像垫子般的abacus,与众不同地雕刻着卷曲的螺旋形雕饰。
科林斯起初也是希腊人专在国内建造的一种柱式,而后又被应用于国外的庙宇中。它的柱首外层是叶子形。有时是玫瑰形的acanthus。还经常在脚上雕刻上卷曲的和凸起的样式。
几个世纪以来,希腊神庙规模和复杂性都稳定发展。岩石和大理石代替了早期的泥块和木质结构。神庙的建筑者按照标准化的图纸,从建造有立有柱子的门廊的简单的一室和几室结构,逐渐演化为双多柱门廊的多室结构。他们还在神庙的设计上进行了许多新的、更高等级的实验,包括排列、比例、庙宇的地基、柱子和过梁。两种高等的设计——多立克柱式和爱奥尼克柱式——在古典时代出现。后来,由爱奥尼克柱式演化出来的科林斯柱式开始流行。直至今天也被认为是典型的希腊柱式。
帕埃斯图母的遗址——公元前7世纪,位于现代意大利那不勒斯(Naples)男50英里——包括一些少见的早期希腊庙宇的范例。虽然这些神庙反映了当时希腊本土建筑学的发展,但它们影响了希腊殖民地自身建筑的发展,并且,它们也不能被看作是古典希腊时期的典型代表。这里最早的神庙建于公元前550年,是献给众神王后赫拉(Hera)的。今天我们通常把它称为Hera I,以区别大约在此一个世纪后,邻近的第二座献给赫拉的神庙。
Hera I是一座面积巨大的、矩形的石质梁—柱式建筑。分层的地基,一列柱廊四面环绕。Hera I的设计是最早的希腊柱式——多立克式的一个本土演化。由于战争的破坏,Hera I只有一部分幸存下来。残存的这部分包括没有基座、直接矗立在地基上的柱子。在Hera I的废墟中,人们找到了涂满鲜艳色彩的粘土瓦砾的碎片。这可能是希腊人装饰神庙的,也可能是装饰陇间壁的。没有塑像的碎片幸存下来。Hera I的建造者创造了一种粗壮的柱子,它的高度仅仅是最大直径的四倍,柱首瑰丽。这种设计表现了一个伟大的稳定性和永恒性。Hera I没有完全符合多立克柱式的标准,而有一些创新。柱廊后侧的柱子数目是奇数——9座。厅堂的入口也有主柱(central column),还有一列柱子位于宽阔的内堂,以支撑房顶。
罗马
希腊和罗马的柱式有着彼此不同的定式。每种定式都各自有其一套独立的比例。每种定式中的每个元素都不可能单独发生变化。罗马柱式在承袭了希腊建筑柱式的同时,又融入了他们自己的品味,创造了自己的用途。例如,埃特鲁斯坎人(Etruscan)为希腊多立克柱式增加了基座。罗马人把希腊爱奥尼克柱式的涡卷形花雕和希腊科林斯柱式中的一些形式一同增加到自己的混合型柱式(Composite Order)中。源于希腊多立克柱式没有凹槽的塔斯干柱式(Tuscan Order)也是罗马人的发明。两种罗马柱式的基座都包含plinth,dado和cornice。
拱门(Arch)、拱顶(Vault)和穹顶(Dome)
西方建筑中的最基础的拱门是圆形拱门;最基本的拱形圆顶是圆形拱门的延伸,即桶形拱顶。在埃特鲁斯坎人刚开始进行简单的建造实验很久以前,美索不达米亚人和埃及人就已经有限制地使用圆形拱门了。但是,的确是罗马人意识到了这种建筑形式的潜能和多功能性,并把它发展到完美的程度。圆形拱门分散了为拱门雕刻边框的石匠的大部分重量或向下的压力,并把重量转移到垂直支撑结构(门、窗、旁柱、桥柱)上,然后再转移到地上。拱门需要更多的支撑结构——扶壁(buttressing)。石块或经过切割过的石头拱门是由楔形式块组成的,直至它们被紧密地联系在一起。最上面、也是最中间的一块,最后放到拱门结构中——Keystone。名为centering的木制脚手架直到灰泥干了才被撤掉。拱门内部的表面叫做intrados,外侧的曲面叫做estrados。拱门拱型结构的起始点叫做springings,通常有石制的imposts加固。一连串的拱门叫做拱廊(arcade)。
桶形拱门与圆形拱门的样式相同。由桶形拱门弯曲的边施加的压力通常需要在拱门内增加扶壁来支撑墙面。两个桶形拱门彼此垂直相交,组成棱拱(groin vault)或交叉拱结构(cross vault)。罗马人用棱拱来建构他们部分的大型内室空间,而把圆形拱门当作独立的凯旋式拱门的基础。使罗马人建造拱形房顶的技术达到完美的第三种拱门是半球形的拱顶(dome)。拱顶的边框支撑在一个圆形的墙壁上,就像万神庙。这种墙壁叫做鼓形圆桶结构(drum)。
万神庙
罗马幸存下来的古典建筑中最著名的一座是献给奥林匹斯众神的万神庙(Pantheon)。它在皇帝Hadrian的统治期间(公元前27 ~ 25年),由阿格里帕(Agrippa)指挥,从一座神庙的遗址上拔地而起。但不久就又被毁坏了。如果把万神庙从周围的建筑中挑出来单独看,再靠近这座神庙也无法看出这到底是一座什么样的建筑。同时,也很难看出位于进门走廊前的建筑是什么。只知过于它曾建在一面墩强(podium)上(如今北伐盖在后来几个世纪的尘埃和街道下),并被建造得像一座典型罗马神庙正面的样子。在门廊的后面是一座巨大的圆形大厅。墙壁20英尺厚,接近75英尺高。这些墙壁支撑着一座巨大的、圆形的碗状穹顶,直径143英尺,从顶点到与其相对的地板垂直距离为143英尺,站在这座接近球形的神庙大厅中央,来访者会感觉与真实的世界隔离开来。他对形状和空间本身的触知性意识远远超越了围绕着他的生硬的立体面。凹陷的方格(或称天窗coffers)环绕穹顶天花板一周。天气晴朗的时候,可以看见云朵飘过这些天窗;下雨时,雨水可顺着它们排掉。这是原先建筑师的设计;偶尔,还可看见一只鸟飞进来。空旷、幽亮的空间赋予它一种神秘的气息,使人感觉身体向上飘浮,远离建筑的球形空洞,与众神说话。
万神庙简单的风格掩饰了它设计和施工的复杂性。表面的大理石薄板掩饰了内部的砖块拱顶和用来支撑它的混凝土浇筑结构。支撑穹顶的墙隐秘在大量精美建筑工艺品的后面。包括柱子、exedrae、附壁柱和entablatures。穹顶内像盒子一样的方形结构可以帮助减轻石料的重量。也许曾经还镶嵌有镀金的铜质玫瑰形或星星形状工的饰物,以构造一个人间天堂。
Hadrian是一位伟大的建筑师。他的功绩从公共建筑一直扩展到私人住所领域。在罗马郊区Tivoli,他建造了辉煌的别墅。他知道自己的建筑师学生重新建造他最钟爱的、贯穿整个帝国的一座又一座建筑,其中有雅典城大学城(Grove of Academe,柏拉图就在此成立了自己的学园)和埃及亚历山大城托勒密式首都市内和市郊种类繁多的建筑。Hadrian的别墅不是一个单独的建筑,而是一个由许多建筑、湖泊和方圆半英亩的花园组成的复杂建筑群。每个部分都有它自己的逻辑,都依据自然地势,具有极其吸引人的外观。每座建筑面积都不是很大,但都非常复杂,堪称罗马设计和施工的创造性的典范。别墅的建筑师在各种结构表面镶上大理石薄板,上面还镶着类似图画的图案。它们刻上了水池、喷泉和植物,把别墅变成了一个具有美感、奢华的地方。坐落在尼罗河上,挨着亚历山大城,在Hadrian遗址后面有一个长条的水池。它的周围环绕着一个稀奇的、半圆形和直线交替的柱廊。柱子与柱子之间摆放着希腊雕塑的复制品。
范文二:古希腊柱式和古罗马柱式
古希腊柱式和古罗马柱式(2008-12-01 19:45:34)
标签:多立克 爱奥尼 科斯林 柱身 柱
头 古希腊 古罗马 柱式 古典建筑
柱式
分类:艺术设计
柱式是指一整套古典建筑立面形式生成的原则。基本原理就是以柱径为一个单位,按照一定的比例原则,计算出包括柱础(Base)、柱身(shaft)和柱头(Capital)的整个柱子的尺寸,更进一步计算出包括基座(Stylobate)和山花(Pediment)的建筑各部分尺寸。 柱式包括古希腊的三个柱式和古罗马的五个柱式。
古希腊三柱式
从左至右依次为: 多立克柱式,爱奥尼柱式,科林斯柱式
多立克柱式
希腊多立克柱式(Doric Order)的特点是比较粗大雄壮,没有柱础,柱身有20条凹槽,柱头没有装饰,多立克柱又被称为男性柱。著名的雅典卫城(Athen Acropolis)的帕提农神庙(Parthenon,附图)即采用的是多立克柱式。
Parthenon
爱奥尼柱式
希腊爱奥尼柱式(Ionic Order)的特点是比较纤细秀美,柱身有24条凹槽,柱头有一对向下的涡卷装饰,爱奥尼柱又被称为女性柱。爱奥尼柱由于其优雅高贵的气质,广泛出现在古希腊的大量建筑中,如雅典卫城的胜利女神神庙(Temple of Athena Nike,附图)和伊瑞克提翁神庙(Erechtheum)。
Temple of Athena Nike
科斯林柱式
希腊科斯林柱式(Corinthian Order)的比列比爱奥尼柱更为纤细,柱头是用毛莨叶
(Acanthus)作装饰,形似盛满花草的花篮。相对于爱奥尼柱式,科林斯柱式的装饰性更强,但是在古希腊的应用并不广泛,雅典的宙斯神庙(Temple of Zeus,附图)采用的是科林斯柱式。
Temple of Zeus
古罗马五柱式
罗马人继承了希腊柱式﹐根据新的审美要求和技术条件加以改造和发展。他们完善了科林斯柱式﹐广泛用来建造规模宏大﹑装饰华丽的建筑物﹐并且创造了一种在科林斯柱头上加上爱奥尼柱头的混合式柱式﹐更加华丽。他们改造了希腊多立克柱式﹐并参照伊特鲁里亚人传统发展出塔斯干柱式。这两种柱式差别不大﹐前者檐部保留了希腊多立克柱式的三陇板﹐而后者柱身没有凹槽。爱奥尼柱式变化较小﹐只把柱础改为一个圆盘和一块方板。塔斯干﹑多立克﹑爱奥尼﹑科林斯和混合式﹐被文艺复兴时期的建筑师称为罗马的五种柱式。其风格的差异远比希腊爱奥尼和多立克两种柱式的差异为小﹐因而失去了鲜明性。罗马人创造了新的柱式组合﹐最重要的是券柱式。
整体比较图
细部比较图
据文本推断:
上左:塔斯干; 上右:(罗马)多立克
中左:爱奥尼; 中右:
下左:科林斯; 下右:混(组)合式
维特鲁威在他的《建筑十书》里给柱式本身和柱式组合作了相当详细的量的规定﹐用柱身底部的半径作量度单位。他注意到这些规定要根据建筑物大小﹑位置等具体条件作必要的调整。柱式作为基本的建筑造型手段﹐在罗马帝国流行﹐形成统一的罗马建筑风格。
西罗马帝国灭亡(476)后﹐欧洲大多数地区柱式建筑不再流行。在意大利虽然流风尚存﹐但细部和组合方式等都不很严格﹐与罗马柱式有很大差别。
意大利文艺复兴时期的建筑师﹐重新使用罗马柱式作为基本的建筑造型手段﹐追求风格的纯正。16世纪下半叶的手法主义﹐产生了两种潮流。一种是刻意求奇﹐不惜破坏柱式的结构逻辑来创造新的建筑形像﹐如螺旋式柱身﹑断折的额枋﹑不均匀的开间﹑成组的柱子等﹐这种潮流被17世纪的巴洛克建筑继承。另一种是刻意求同﹐给五种柱式厘订死板的规范﹐消除古罗马时期普遍存在的变体﹐作出苛细的量的规定﹐这种教条化的潮流被17世纪的古典主义建筑继承。巴洛克建筑流行于意大利等国和拉丁美洲的一些地区﹔古典主义建筑流行于法国和北美等地。它们都创造了一些新的柱式组合。但二者在个别手法上互有渗透。后来﹐古典主义建筑的影响比巴洛克建筑的大。尤其是法国成了欧洲建筑教育的中心以后﹐教条化的柱式就在欧洲成了主流﹐一直持续到20世纪30年代。但装饰仍多用巴洛克手法。
范文三:古希腊和古罗马的关系
古希腊和古罗马的关系
基本上是同一时期的,不过在希腊风光的时候,罗马还是处于穷乡僻野的小山村。
希腊:有名的城邦有雅典,斯巴达,科林斯,底比斯,塔兰顿(南亚平宁),叙拉古(西西里)。这些城邦里有民主的、有专制的;有尚武的、由崇文的,彼此相互攻击,很像中国的战国时代。希波战争后,希腊繁荣发展,成为地中海世界的霸主。但是很快伯罗奔尼撒战争将所有城邦都拖入了黑暗的深渊。就在这时,北方的马其顿兴起了,在菲利二世及其儿子亚历山大的文治武功的统治下,希腊诸国臣服了,埃及帝国臣服了,波斯帝国灭亡了,亚历山大建立了一个当时世界上最大的帝国,当然马其顿也是希腊世界中的一员,理所当然地将希腊文化向世界传播,这就是著名的“希腊化时期”。但是天妒英才,亚历山大的早死使得他的帝国四分五裂——埃及的托勒密、叙利亚的塞流古、希腊本土的马其顿,统治着地中海东岸,但是也是同样的互相敌对。
这时在地中海西岸,同时兴起了两个国家——罗马与迦太基(今突尼斯)。罗马共和初期还不知道什么是文明,曾向希腊学习政治,经济,军事等各方面,并融合自己的特点建立国家。前三世纪初基本统一了亚平宁中部地区,不可避免地与难亚平宁的塔兰顿等国发生冲突,塔兰顿等国不是对手,便向伊僻鲁斯国王皮鲁斯求援(希腊世界有一点很好,在遭遇外敌时能抛弃前嫌,联手抗敌,值得我们学习,想想小日本是如何轻松占领中国的吧)。这个皮鲁斯是当时希腊世界的第一名将,但是他也没能阻挡罗马的攻势,罗马征服了南亚平宁。同时叙拉古等国在西西里遭到迦太基的进攻,同样向皮鲁斯求援,皮鲁斯同样没有取得胜利,这样地中海的霸权就要由罗马或迦太基中产生了。经过三次布匿战争,迦太基被消灭,罗马则国力蒸蒸日上,接连击败马其顿和塞流古,现在希腊世界中只剩下埃及的托勒密王朝了。征服埃及的任务就交给了伟大的凯撒,保卫埃及的克利奥帕特拉(埃及艳后)又分别对凯撒和安东尼实施美人计,企图保卫国土。但是在火眼金睛的奥古斯都面前,女王只能选择自杀了。这样,随着希腊世界最后一个王国被消灭,罗马帝国诞生了,奥古斯都成为第一任皇帝,罗马的时代开始了
范文四:古希腊和古罗马音乐
古希腊和古罗马音乐
(公元前1200-公元5世纪)
1.古希腊的音乐的曲调和节奏是怎样的?
古希腊的音乐是以诗与乐,或诗、乐、舞三位一体为主的音乐艺术,其中诗的地位在乐之上。因此曲调和节奏都受到歌词抑扬顿挫和长短节奏的影响,如语言本身所具有的天然旋律感以及长短格(或称扬抑格)、短长格、长短短格、短短长格等。
2.古希腊的音乐织体是怎样的? 主要是单声部音乐(monophony)。
3. 古希腊音乐的调式体系是怎样的?
古希腊的八度或双八度音阶从上至下排列,以四音列为基础单位。(略) 在古希腊音乐理论家看来,每一种调式都有不同的伦理特性,如亚里士多德认为:多利亚是坚定的、富于男子气概的,弗里几亚是激发热情的,利第亚则带有感伤意味。
4.古希腊最常见的乐器有哪些?
拨弦乐器中有小型的里拉(lyre)和较大型的基萨拉(kithara);管乐器中有带簧片的阿夫洛斯管(avlos)和排箫式的西林克斯(或译绪任克斯syrinx)。此外还有一些打击乐器。在宗教仪式中,里拉是崇拜太阳神阿波罗的乐器,崇拜酒神狄奥尼索斯则用阿夫洛斯管。
5.古希腊的记谱法是怎样的?
采用字母或类字母符号来记谱。据记载有两种:一是器乐谱,另一是声乐谱,它们都只有音高而没有节奏。声乐谱的节奏依据是歌词的韵律,器乐谱的节奏依据今人无从了解。
6.古希腊和古罗马有哪些重要音乐理论家?他们的研究涉及到了音乐的哪些方面?
主要是毕达哥拉斯(Pythagoras,约公元前580-前500)、柏拉图(Plato,公元前427--前347)、亚里斯多德(Aristoteles,公元前384--前322)、阿里斯托克塞努斯(Aristoxenus,约公元前4世纪后半叶)、阿里斯提德斯·昆提利阿努斯(Aristides Quintilianus,活跃于公元2-3世纪)。他们的理论涉及到了音乐的起源、本质、社会道德作用、音乐美以及乐理等问题。
7.古希腊的音乐体裁有哪些?
荷马时代的英雄史诗(《伊利亚特》和《奥德修》等),宗教崇拜音乐(如太阳神和酒神颂歌),希腊悲剧和喜剧,独唱抒情诗歌,竞技比赛中的合唱(注:实质上是没有多声的齐唱)及舞蹈音乐、器乐独奏曲。
8.希腊戏剧中的音乐是怎样的?
有独唱(主要角色与歌队队长)、合唱(群众角色或评论者),有乐器伴奏。通常的戏剧结构是以"开场白"开始,接着是合唱队的"进场曲",然后有3-5个戏剧场面和3-5首"合唱歌",彼此互相交织,最后以"退场"结束。
9.希腊古典时期的伟大戏剧家:
埃斯库罗斯(Aeschylus,525?-456BC),希腊三大悲剧作家之一,相传写了80多个剧本,现存《被缚的普罗米修斯》、《波斯人》、《阿伽门农》等悲剧7部。 索福克勒斯(Sophocles,496?-406BC),古希腊三大悲剧作家之一,一生共写123部剧本,传世剧作有《埃阿斯》、《安提戈涅》、《俄狄浦斯王》等7部。 欧里庇德斯(Euripides,485-406BC),古希腊三大悲剧作家之一,据传写有悲剧90余部,现存《美狄亚》、《希波吕托斯》、《特洛亚妇女》等19部,他的剧作对罗马和后世欧洲戏剧有深远的影响。
10.古罗马音乐是怎样的?与古希腊音乐有哪些异同?
基本沿袭希腊音乐,但由于罗马人崇尚武艺,因此铜管乐器相当发达。常见的有大号(tuba)、角号(cornu)。演出规模极度扩展,最多时可达几百件乐器。水压管风琴也是罗马时代重要的乐器。此外还有一些东方乐器传入。罗马人最喜欢的戏剧是笑剧和哑剧,前者以娱乐性为主,有时甚至近乎猥亵,中间插有歌曲和器乐伴奏;后者音乐成分较重,以神话故事为重要题材。
11.早期基督教的音乐是怎样的?它继承了哪些音乐遗产?
基督教于公元1-2世纪在罗马帝国流传,4世纪定为国教。起初它所用的音乐成分复杂,包括犹太教音乐遗产(弥撒、赞美诗),395年罗马帝国分裂为东西两个帝国后盛行东罗马帝国(首都拜占廷)的带有东方音乐特色的赞美诗,西方各地教会带有地方色彩的圣咏(法国高卢、意大利贝内文托、古罗马、西班牙莫扎拉布、米兰安布罗斯圣咏)。这些各具特色的圣咏广泛用于各地基督教会。
中世纪音乐
音乐风格概述
1.中世纪音乐的旋律是怎样的?以级进为主,是歌唱性(或吟诵性)的,和语言的抑扬顿挫有着密切的关系。
2.中世纪音乐的节奏有什么特点?圣咏节奏是自由的,以歌词(大多是圣经经文)的韵律、句子长短为基础。
3.中世纪的音乐采用什么调式? 通常以8个教会调式为基础。较自由地使用不协和音。
4.中世纪的音乐织体是怎样的? 主要是单声织体。从公元九世纪开始有了2、3或者4个声部的复调织体。
5.中世纪的音乐使用什么音色?
主要是声乐,单声织体的音乐由较小的合唱组演唱,复调织体的音乐通常有独唱者小组演唱。在中世纪后期器乐音乐也得到了发展。
6.中世纪的主要音乐体裁有哪些?
圣咏。由成套的圣咏组成的弥撒曲。宗教的和世俗的经文歌。宗教仪式剧。世俗歌曲(包括牧歌、猎歌、回旋歌等)。器乐舞曲。
早期格里高利圣咏
1.格里高利圣咏(Gregorian chant或称作格里高利素歌)是怎样形成的?其音乐有什么特点?
按照传统的说法,罗马教皇格里高利一世(590--604年在位)从统一治理教会的目的出发,搜集整理了各地的圣咏,选编成两本圣歌集,从而统一了罗马教会的仪式和所用音乐。但实际上统一罗马教会仪式和圣咏的主要工作是在一百多年以后进行的,法兰克王国的查理大帝在789年发布法令,催促废除高卢礼仪,全盘接受罗马圣咏。此后数十年中法兰克的大主教们对罗马的圣礼书进行修订和补充,编写出新的弥撒和日课唱本,形成以罗马传统为基础同时又融合了高卢因素的礼拜仪式和圣咏,这就是所谓格里高利圣咏的基本内容。这种圣咏扩散到其他地区,最后又反馈到发源地罗马。
格里高利圣咏是单声织体,其旋律以级进为主,不用变化音、装饰音。节奏自由,随经文句子的长短抑扬而定。在情绪上力求静穆、超脱,排斥人世激情。它专用拉丁文,以纯人声演唱(即不用乐器伴奏)。采用教会调式。
2.什么是弥撒(Missa)?
弥撒是基督教的主要崇拜仪式,由成套的圣咏组成。弥撒分为专用(或译作特定)弥撒(Prope)和常规弥撒(Ordinary)。前者是弥撒中的可动部分,取舍视该次弥撒的内容而定。后者为不变部分,每次弥撒都要用。 常规弥撒的五个部分为:慈悲经(Kyrie)、荣耀经(Gloria)、信经(Credo)、圣哉经(Sanctus)、羔羊经(Agnus Dei)。
3.什么是教会调式(或中古调式)?
教会调式共有八个:四个正调式和四个副调式,副调式音阶的音域比正调式低四度。虽然在名称上与古希腊音阶相同,但实质上并不同。中世纪的音阶是从下至上排列,有re(多利亚),mi(弗里几亚),fa(利第亚),sol(混合利第亚)这四个结束音。每个调式除了结束音以外,还有一个吟诵音(tenor),在正调式中吟诵音比结束音高五度;副调式的结束音和正调式相同,但吟诵音比正调式的吟诵音低三度;每当吟诵音落在B音上时,它被上移至C音。为了避免不好的音程(如三全音),有时B音要写成bB。
16世纪的音乐理论家格拉雷安(H.Glareanus,1488-1563)为8种教会调式又加上了4种:以la 为结束音的爱奥利亚(Eolian)调式,以do为结束音的伊奥尼亚(Ionian)调式以及各自的副调式。最终形成了12种教会调式,也称作中古调式。
象古希腊一样,中世纪对调式的伦理特性也有着不同评价,因此它的用法有独特的讲究。
宗教音乐的发展
1.什么是奥尔加农(organmu)?产生于何时?
奥尔加农是产生于9世纪并沿用至14世纪的复调音乐形式。 可分为以下几种:
平行奥尔加农:在圣咏的下方或上方添加一个平行四度或五度的声部,构成两个声部的圣咏。其中圣咏曲调称
作"定旋律"(tenor),也译作"固定调"。
斜向奥尔加农:一个声部保持不变,另一个声部向上或向下进行。 反向奥尔加农:附加声部与定旋律声部以反
方向进行。
自由奥尔加农:以上几种形式的混合运用。
华丽奥尔加农:也译作花唱式奥尔加农。将位于下面声部的定旋律音符拖长,上方对以多个音,构成一音对多
音的形式。
2.什么是经文歌(motet)?
盛行于1220前后-1750年间的一种复调音乐形式,通常为三声部,最低声部是定旋律声部,一般采自圣咏,用缓慢的长音符唱拉丁文的教义,其上方的两个声部采用与圣咏无关的世俗歌词,起初是拉丁文的,后来大多采用地方语言。通常定旋律节奏较慢,最上方声部(第三声部)较快,中间的第二声部介于两者之间。早期经文歌各声部的旋律包括上方声部全都是现成品,即用已有的旋律构成。起初定旋律声部惯用圣咏,后来也采用世俗曲调。曲名由三个声部歌词的头一个词(由上而下)构成。
3.什么是哥特式风格和巴黎圣母院乐派?代表人物是谁?
哥特式风格是指12世纪中叶的西方教会艺术风格。12世纪中叶至13世纪巴黎圣母院的音乐家们创作的复调音乐是音乐上哥特风格的典型代表,其主要写法是越发复杂华丽的花唱式奥尔加农。两位杰出的作曲家是莱奥南(Leonin,约1159-1201)和佩罗坦(Perotin,约1170-1236)。
4.什么是纽姆记谱法(neumatic notation)?
中世纪的记谱法经历了几个阶段,最开始是用希腊字母变化而来的符号,后来有了纽姆记谱法(neumatic notation),即在歌词上方标出一些与语言重音、抑扬相对应的符号。11世纪初出现了用一根线贯穿纽姆符号的线谱,接着出现了两根、三根,11世纪下半叶形成了四线谱。
5.什么是唱名法(solmization)?
把六声音阶中的每一个音与一个特定的音节联系起来唱,这就是唱名法。这是由法国教会音乐家圭多(Guido d'Arezzo,约997-1050)创立的。这六个音节(ut,re ,mi ,fa, sol,la)选自赞美诗《ut queant laxis》中相继各行诗句中的第一个音节。四线谱的确立也是他的功劳。
世俗音乐的发展
中世纪的世俗音乐可分成三类:
1.与宗教内容和形式有一定联系的歌曲:
孔杜克图斯,12、13世纪的一种拉丁文格律歌曲,从单声部到三个声部都有,既有宗教内容的也有世俗内容的。 戈利亚德歌曲。这是云游四方、不守规矩的神学院学生(人称戈利亚德goliard)创作的歌曲,主题是爱情、酒、对宗教和时事政治的嘲讽。
2.属于贵族圈子的骑士音乐:
法国游吟诗人(Troubadour)用方言写歌词,内容以爱情为主,如常见的田园恋歌(pastourelle)。13世纪有3中带叠歌的体裁:叙事歌(ballade)、回旋歌(rondeau)和维勒莱(virelai)。它们大多是单声部的,有少量是复调织体。
德国恋诗歌手(Minnesinger)出现于12世纪中叶,很可能是在法国游吟诗人的影响下发展起来的。其歌曲体裁主要是巴歌体(bar)。后来发展为名歌手(meistersinger),这是有组织的文学与音乐行会的成员。 西班牙有坎蒂加歌曲(cantiga),意大利有劳达歌曲(laude),都是单声部的。
3.民间职业音乐家的音乐:
在中世纪以演奏和歌唱谋生的职业音乐家被称作戎格勒(jongleur)或游吟艺人(menestrels)。他们擅长演唱英雄业绩尚松(chanson de geste),这是一种类似于希腊史诗的叙事曲。演唱时用维奥尔和小型竖琴伴奏。
中世纪的器乐和乐器
中世纪早期教会对器乐是排斥的,随着中世纪后期世俗文化的繁荣,出现了一些器乐体裁,乐器种类也增多了。可以分为以下几类:
拨弦乐器:从罗马流传下来的里拉琴、索尔特里琴(psaltery)、琉特琴(lute)。
弓弦乐器:提琴(vielle或fiedel)和轮擦提琴(organistrum)。
吹管乐器:竖笛(recorder)、横笛、双簧管类的肖姆管(shawm)、风笛、小号、圆号。 键盘乐器:大型管风
琴、便携式管风琴、固定式(桌式)管风琴。
打击乐器:鼓、钵、响板等。
从中世纪向文艺复兴时期的过渡
在意识形态的变革和音乐观念的发展上,欧洲14世纪的音乐是中世纪向文艺复兴过渡的时期。
1.什么是"新艺术"?其音乐有什么特点?
新艺术(ars nova)一词是由法国人维特里(Vitry,1291-1361)在其《新艺术》一书中提出的,所谓"新"是与12世纪末-13世纪以巴黎圣母院乐派为代表的"古艺术" (ars antiqua )风格相对照而言。其音乐追求情感的表现,因此变得比过去生动多了。主要代表人物是纪尧姆.德.马肖(G.Machaut,1300-1377),作曲家、诗人。
2.法国新艺术的主要世俗音乐体裁是什么? 法国尚松(chanson),这是为法语世俗诗歌谱写的复调歌曲,多半是回旋诗模式,带有叠歌。
3.14世纪的意大利世俗音乐体裁有哪些?
牧歌(madrigal):以抒情诗、田园诗、恋歌或讽刺诗为歌词,一般为两声部复调织体合唱。(注:16世纪牧歌虽体裁名称相同,但实质很不同,其歌词是自由体,织体为五声部模仿式复调。)
狩猎歌(caccia):采用二声部卡农式演唱方式(caccia),音乐风格活泼幽默。
巴拉塔(ballata):与舞蹈有关的歌曲,较抒情,每节都有叠歌。大多为二声部或三声部。
4.意大利14世纪的重要作曲家是谁?
弗朗切斯科.兰迪尼(Landini,约1335-1397),盲音乐家,创作了大量的世俗歌曲。
5.14-15世纪上半叶对欧洲大陆产生重要影响的英国作曲家:
邓斯泰布尔(Dunstable,约1390-1453)。他的经文歌不用传统的定旋律,而是按照歌词意境自由创作。通常为三声部主调和声织体,有大量三和弦结构。
6.关于布艮第乐派。
15世纪上半叶活跃在布艮第(相当于现在的荷兰、比利时、法国东北部、卢森堡等地)宫廷的音乐家群体。该乐派音乐风格的形成直接受到英国作曲家邓斯泰布尔的影响,音响上趋于优美细腻,悦耳和谐,尤以三度音程为主要的旋律音程。布艮第乐派也被称作第一尼德兰乐派。
7.14世纪欧洲出现了哪种新乐器?
楔槌键琴(clavichord)和羽管键琴(harpsichord;[英]clavicybal),今称古钢琴,虽然在14世纪已经出现,但真正盛行是在15世纪。
文艺复兴时期的音乐
Renaissance Music
音乐风格概述
1.文艺复兴时期的旋律有什么特点?
以级进为主,是歌唱性的,与歌词的抑扬顿挫有关系,有时会采用"图解"方式对歌词中的某些词汇作形象模拟。
2.文艺复兴时期的音乐节奏是怎样的?
有了可计量的节奏,但在宗教声乐作品中不强调律动感,只是在世俗音乐中拍点鲜明,律动感强。
3.文艺复兴时期的音乐采用什么调式?和声是怎样的?
采用已经扩展为12个调式的中古调式。和声写作尚未建立功能体系,但已在终止式上表现出了和声进行中的和弦的功能性,并有意识地运用谐和与不谐和和弦来表现情绪、构成音响紧张度的变化。 文艺复兴时期的音乐织体是怎样的? 以4声部模仿式复调织体为标准,在16世纪5个或更多声部的复调也很常见。同时已经从现了局部的主调和声思维。
4.文艺复兴时期的音乐运用哪些音色?
声乐仍然占有最重要地位;复调宗教作品由小型的合唱组演唱,世俗音乐由独唱或独唱者小组和小型乐器组表演。同时已有很多音乐是专为乐器创作的。
5.文艺复兴时期音乐的曲式是怎样的?
结构较为自由而多样化,复调模仿式曲式逐渐取代了与诗歌结构紧密配合的分段性曲式。同时也有大量分节歌形式。
6. 文艺复兴时期的音乐有哪些主要体裁?
各个部分都写成了复调形式的弥撒曲。经文歌(主要是宗教内容的)。器乐舞曲。复调器乐曲,如利切卡尔。世俗歌曲如牧歌、尚松等。
第一节.佛莱芒乐派
1.介绍佛莱芒乐派(Flemish school,又译作佛兰德乐派)。
15、16世纪活跃在佛莱芒的音乐家群体。佛兰芒是历史地区,也称作尼德兰地区,即今天比利时及法国西北部。音乐史上称布艮第乐派为第一尼德兰乐派,称佛兰芒乐派为第二 、第三尼德兰乐派。佛莱芒乐派最有影响的代表人物有第一代作曲家约翰.奥克冈(Ockeghem,约1425-1497),第二代作曲家若斯坎.德.普雷(Josquin de Pres,约1440-1521),第三代作曲家奥兰多.迪.拉索(Orlando di Lasso,约1532-1594)。
2.简介约翰.奥克冈。
约翰.奥克冈也译作沃克亥姆。据说曾师从班舒瓦,深受布艮第乐派影响。在弥撒创作中表现出精湛的技巧。他精通各种卡农手法 。
3.简介若斯坎.德.普雷。
据说曾师从奥克冈。写有大量经文歌和弥撒曲,以及以法国尚松为主的世俗歌曲。他强调模仿对位技术,同时充实和声音响,并且有很强的情感表现力。
4.什么是模拟弥撒(Parody mass)?
若斯坎.德.普雷创造的手法,即写作弥撒时不只借用一首圣咏,而是借用几首现成的圣咏、弥撒或经文歌曲调及其动机、呈示主题应答主题、结构或乐思等。这种手法大大减弱了中世纪"定旋律"主导地位,使乐曲对位织体有了更多曲调而变得更加丰富充实。这种手法后来被普遍用于经文歌与弥撒创作中,甚至影响了世俗音乐牧歌和尚松的写作。
5.简介奥兰多.迪.拉索。
16世纪最重要作曲家之一,作有大量的宗教和世俗音乐作品。音乐风格灵活生动、精致而又多样化,精心处理音乐与歌词的内容和语调关系。
第二节.世俗声乐音乐和民族风格的兴起
1.16世纪意大利最重要世俗音乐体裁有哪几种?
弗洛托拉(frottola),16世纪初意大利北方世俗多声部歌曲,通常为无伴奏四声部合唱(有些是琉特琴伴奏的独唱)。采用主调风格织体,节奏常有舞蹈性特征,性格较为活泼。后来有人将复调手法结合进去,使之成为牧歌前身。
牧歌(madrigal),四声部、五声部或六声部的无伴奏世俗重唱或合唱(在蒙特威尔第笔下还有用通奏低音伴奏的独唱或二重唱、三重唱牧歌),采用模仿式复调技法,歌词中适量采用描画性词汇与象征手法,音乐语言也相应地带有描画性,有些作品具有戏剧性效果,使用较多的半音化和声。
2.16世纪意大利的重要世俗作曲家有哪些人? 马伦奇奥(Marenzio,1553-1599),杰苏阿尔多(Gesualdo,约1560-1613),蒙特威尔第(Montevirdi)。
3.简介法国尚松(chanson)。
四、五或六声部的无伴奏世俗重唱或合唱,在风格上与意大利弗洛托拉相似,轻快,节奏性强,主旋律在最高声部,织体是和声性的,但有时也采用模仿性复调写法。
4.法国重要的尚松作曲家有哪几位?
赛尔米西(Claudin de Sermisy,约1490-1562)和雅内坎(C.Janequin,也译作约内堪,约1474-1569)。前者的作品多为高雅精致的爱情歌曲,后者的特点是活泼粗犷,有很强的描绘性,如描写战争、狩猎、鸟鸣、集市等。
5.什么是德国利德(Lied)?
即世俗歌曲,通常是单声部的。大多由德国市民音乐家名歌手(Meistersinger)演唱。16世纪中叶一些作曲家把佛莱芒复调技术和德国利德相结合,创造出了复调形式的利德。
6.什么是西班牙比良西科(Villancico)?
比良西科也译作村夫谣。音乐纯朴,带有民歌风格,歌词涉及爱情、政治甚至宗教等。有器乐伴奏。
7.什么是英国康索尔特歌(consort)?
康索尔特是这一时期产生于英国的一种室内乐合奏体裁,康索尔特歌就是由这种室内乐合奏小组来伴奏的独唱或合唱歌曲。
第三节.文艺复兴时期的器乐
1.文艺复兴时期有哪些新乐器? 竖笛(recorder)、拉弦乐器维奥尔(viol,小提琴的前身)等。
2.文艺复兴时期盛行哪些键盘乐器? 古钢琴和管风琴。前者在英国称作维吉那尔(virginal)。
3.文艺复兴时期有哪些重要的器乐体裁?
复调性的康佐涅(canzona)、利切卡尔(ricercar)、幻想曲(fantasia),即兴性的前奏曲(prelude)、托卡塔(toccata)。
多乐章的组曲(suite),由各种风格的舞曲组成。
变奏曲(variation)。
第四节.宗教音乐
1.德国宗教改革产生的新教音乐是怎样的?
起初新教沿用天主教的音乐和礼仪,16世纪末有了自己独特的音乐。其主要特点是具有群众性和民族性,在音乐形式上较为简朴(具体如下一问)。
2.德国新教音乐主要体裁是什么?
众赞歌(chorale),也称作新教圣咏。采用本国语,起初只有一条齐唱的旋律,后来配上了和声和对位,形成四声部合唱。
3.其他新教教会音乐有哪些体裁?
法国与瑞士的加尔文教会:格律诗篇(metrical psalter)。起初近似中世纪初期的单声部圣咏,后来有了四部合唱形式。
英国的礼拜乐(service)和赞美歌(anthem)。有合唱和独唱形式,或者两者交替。
4.文艺复兴时期的罗马天主教教会对音乐的要求是怎样的?
复调音乐中歌词必须清晰可辨,反对圣咏和复调中无节制的花唱式旋律,排除世俗音乐对宗教音乐影响。这些原则对罗马天主教教会音乐影响极大,直接促成了罗马乐派风格的形成。
5.简介罗马乐派作曲家帕勒斯特里那(Palestrina,约1525-1594)的音乐风格。
与同时代作曲家相比音乐风格较为保守,很少用变化音,即使用变化音和不协和音也是非常谨慎地进行解决,因此音响纯净和谐。采用模仿式复调。旋律平稳流畅,很少大跳,采用自然音阶教会调式,在拉丁文歌词的处理上注重重音及其含义,整体结构清晰。基本不用乐器伴奏,只有少量使用管风琴。
6.简介威尼斯乐派宗教音乐的风格。
威尼斯乐派的宗教音乐音响恢弘,色彩绚丽,采用双合唱队(甚至达到五个合唱队),有乐器伴奏,如管风琴、号角、维奥尔琴等。
7. 威尼斯乐派作曲家是哪几位?
维拉尔特(Willaerte,约1485-1562),叔、侄加布里埃利(A.Gabrieli,约1515-1586、G.Gabriele,约1557-1612)。
巴洛克时期的音乐(一)
音乐风格概述
1.简介“巴洛克”这个词在音乐史上的含义。
葡萄牙语baroque原意为不圆的、形状不规则的珍珠,现指欧洲17世纪和8世纪初期豪华的建筑风格。音乐家借用此语概括地说明同一时期的音乐风格(见下文)。
2.巴洛克时期音乐的旋律有什么特点?
乐句长度不一,气息较长,无论是声乐还是器乐,旋律都空前地华丽复杂,有相当多的装饰音和模进音型。和文艺复兴时期的旋律一样,曲调的进行常常带有形象化、象征性特征。引人注目的是旋律中有明确的和声属性。
3.巴洛克时期音乐的节奏是怎样的?
主要分为自由节奏的和律动鲜明、规整的这两种节奏。前者用于宣叙调、托卡塔、前奏曲等,后者用于咏叹调、赋格、舞曲等,在一个乐章中会保持始终。这两种节奏常常搭配使用,如宣叙调与咏叹调,前奏曲(或托卡塔)与赋格。
4.巴洛克音乐采用什么调式? 大小调体系,它已取代了过去的“教会调式”。
5.巴洛克音乐的和声是怎样的?
已形成了完整的以主、属、下属为中心的大小调功能和声体系,利用不协和音作调性转换并使和声进行富有动力和情感色彩。十二平均律在17世纪的发明与和声体系的充分发展有密切的关系。
6.什么是通奏低音(thoroughbass, 又称作数字低音figured bass或basso continuo)?
巴洛克时期特有的作曲手段。在键盘乐器(通常为古钢琴)的乐谱低音声部写上明确的音,并标以说明其上方和声的数字(如数字6表示该音上方应有它的六度音和三度音)。演奏者根据这种提示奏出低音与和声,而该和弦各音的排列以及织体由演奏者自行选择。
7.巴洛克音乐的织体是怎样的?
复调织体占主要地位,其写作技术达到了空前绝后的高峰。与文艺复兴时期的复调不同之处在于它是在功能和声基础之上的对位。同时也有许多作品采用主调织体。
8.巴洛克时期的曲式是怎样的?
以相互间形成节奏、速度、风格对比的多乐章结构为主,如组曲、变奏曲、协奏曲、康塔塔、清唱剧等,常用前奏曲与赋格、宣叙调与咏叹调的搭配关系。复调乐曲的内部结构是以模仿手段写作的连续体(不分段),但可看出明确的呈示、发展和再现因素。同时也有分段结构、变奏曲、在固定低音旋律之上进行变奏的帕萨卡利亚、夏空形式。
9.巴洛克时期有哪些主要的音乐体裁?
声乐:弥撒、经文歌、众赞歌、歌剧、清唱剧、康塔塔、受难乐以及各种独唱、合唱曲。 器乐:托卡塔、前奏曲、幻想曲、赋格曲、变奏曲、组曲、奏鸣曲(以独奏奏鸣曲与三重奏鸣曲为主)、协奏曲(管弦乐协奏曲、大协奏曲、、独奏协奏曲)。
10.巴罗克时期音乐的情绪是怎样的? 在一个乐章之内保持一种基本情绪,在乐章与乐章之间才形成对比.
11.巴罗克时期音乐的力度是怎样的? 不追求渐强和渐弱的细微变化,而是采用较为清晰的“阶梯式力度”。
第一节.歌剧的诞生和早期歌剧
1. 歌剧(Opera)诞生于何时何地?它是怎样诞生的?
16世纪末、17世纪初诞生于意大利的佛罗伦萨。由巴迪宫廷的卡梅拉塔会社(camerata,意为俱乐部或小集团)成员巴迪、温琴佐.伽利莱伊以及佛罗伦萨学者梅在经过大量的对古希腊悲剧研究的基础之上诞生的。
2. 歌剧的前身是哪些音乐形式?
音乐和戏剧的结合可以追溯到古代,包括古希腊悲剧、中世纪的仪式剧、宗教神秘剧、奇迹剧,文艺复兴的牧歌套曲、田园剧、幕间剧等形式。
3. 简介幕间剧(intermedio)、田园剧(pastoral drama)。
幕间剧是在戏剧两幕之间演出的有音乐的短剧。田园剧是传奇题材或乡村题材的带有音乐的舞台剧。
4. 历史上第一部歌剧是哪一部?谁创作的?故事取材于哪里?
1597年由里努契尼写剧本、佩里作曲的《达芙尼》,取材于希腊神话。但乐谱已遗失。
5. 现存的第一部歌剧是哪一部?谁创作的?故事取材于哪里?
1600年里努契尼写剧本、佩里和卡契尼作曲的《优丽狄茜》。取材于希腊神话。
6. 在最早的歌剧中音乐形式是怎样的?
声乐部分以接近于朗诵的宣叙调为主,由少量乐器伴奏,采用通奏低音。音乐形式较为简单。
7. 简介蒙特威尔第(Monteverdi)的歌剧写作观念以及他所奠定的早期歌剧形式。
主要是加强音乐性和情感表达。具体做法是将宣叙调的旋律线条拉长,使其具有歌唱性,并与短小的歌曲、二重唱和牧歌式的重唱交替,形成对比。他采用较大规模的乐队伴奏,并通过弦乐器的震音、拨弦以及不协和和声的运用造成强烈的戏剧性效果。在歌剧中加入器乐段落,如一开始的“托卡塔”(即后来的序曲)、中间的舞曲等。歌剧的基本模式正是在他的创作中形成的。
8. 举出蒙特威尔第的两部代表作。 《奥菲欧》(或译作《奥尔菲斯》)、《阿丽安娜》。
9. 继蒙特威尔第之后,17世纪威尼斯歌剧的代表人物(歌剧领域的威尼斯乐派)是谁?
蒙特威尔第的学生卡瓦利(Cavalli,1602-1676)、切斯蒂(Cesti,1623-1669)。
10. 18世纪意大利拿坡里(那不勒斯)歌剧(拿坡里乐派或那不勒斯乐派)主要代表人物是谁?他的创作有哪些特点?
阿.斯卡拉蒂(Alessandro Scarlatti,1660-1725)。他重视音乐在歌剧中的抒情作用,强调咏叹调的表现力,创立了ABA形式结构,称作“返始咏叹调”或称“再现咏叹调”(da capo aria)。他的乐队更加完备,还创立了“快-慢-快”的歌剧序曲(当时称作“交响曲”sinfonia)。
11. 拿坡里歌剧的特点是什么?
注重独唱者声音的美感和音乐外在的效果,追求音乐语言和形式的程式化,音乐织体较简单,主要是独唱旋律和简单的和声伴奏。缺点是缺少真实性和戏剧力度。这种倾向导致了歌剧在18世纪的衰败。
12.介绍宣叙调和咏叹调.
宣叙调在歌剧(或清唱剧)中用于人物对话和剧情发展,其旋律接近于朗诵,咏叹调用来抒发人物感情并表现演唱技巧,音乐优美华丽,音域较宽。
13. 什么是白话朗诵宣叙调(又译作清宣叙调、干宣叙调,recitativo secco,dry recitative)和带伴奏宣叙调(recitative obbligato,accompagnato)?
前者是只用羽管键琴和一件低音乐器伴奏的宣叙调,主要用于大段的对话和独白。后者采用乐队伴奏,用于紧张的戏剧性场面,由于它在某中程度上带有咏叹调特点,因此又称之为咏叙调(arioso或recitativo arioso)。
14.什么是“Da Capo Aria”(返始咏叹调)?
ABA三段式咏叹调,再现时可以随歌手喜好加上一些自由的炫技。
15.A.斯卡拉蒂确立的意大利歌剧序曲是怎样的? (见本节第10题)
16.法国歌剧是怎样形成的?
十七世纪从意大利传入后,立即带上了法国化特征:重视宣叙调,在其中突出了法语特有的韵律和节奏感;在歌剧中加进大量舞蹈场面;舞台装饰极为华丽,表现帝王生活的气派;歌剧序曲采用与意大利相反的速度安排:慢——快——慢。
17.奠定了法国歌剧形式的是哪一位作曲家?
原籍意大利的吕利(Lully,1632—1687)。(歌剧风格见上面第15题)
18.简介法国作曲家拉莫的历史贡献。
作有大量歌剧和古钢琴作品,但更重要的是在1722年发表了《和声基础理论》,为现代和声理论奠定了基础。
19.英国歌剧创作的代表人物是谁?请举出代表作一部。
浦赛尔(Purcell,1659—1695),代表作是《迪东和伊尼》。
20.简介德国“歌唱剧”(singspiel)。
有对白的德国民间喜歌剧,音乐带有鲜明的民族特色。对德国歌剧的发展有重要影响。
21.简介清唱剧(Oratorio)、受难曲(Oratorio Passion)和康塔塔(Cantata)。
清唱剧:将宗教或史诗题材的歌词谱曲,音乐形式包括独唱、重唱、合唱和管弦乐,在教堂或音乐厅演出。与歌剧不同之处在于清唱剧没有复杂的舞台装置和戏剧动作表演。
受难曲:音乐形式与清唱剧一样,在题材上集中于基督耶稣受难(钉十字架)的故事。
康塔塔:也译作大合唱,是带有独唱、重唱、合唱及管弦乐的体裁,内容有宗教的也有世俗的。与清唱剧一样的是没有舞台装置和戏剧动作表演。
第二节. 器乐、键盘乐
1.简介德国路德教的众赞歌变奏曲(chorale variation)、众赞歌幻想曲(chorale fantasia)。
在众赞歌旋律基础上进行变奏或自由发展的管风琴曲。
2.简介托卡塔(toccata)和赋格曲(fugue)。
托卡塔:一种键盘乐曲体裁,节奏较自由,带有炫技性。
赋格曲:一种结构严谨、节奏规范的复调音乐体裁,主要是在一个主题之上以模仿对位手法构成。
3.简介恰空(chaconne)和帕萨卡利亚(passacaglia)。
恰空也译作夏空,是三拍子的舞曲,风格庄重。通常是在一个多次出现的固定低音(或一个和声进行模式)之上以变奏手法写成。帕萨卡利亚与恰空常常不加区别。
4.简介巴罗克时期的组曲。将不同速度、节拍、民族风格的舞曲组织到一起的体裁。
5.巴罗克时期最著名的古钢琴作曲家有哪几位?
法国的F.库泊兰(Francois Couperin,1668—1733)、拉莫,意大利的D.斯卡拉蒂(Domenico Scarlatti,1685—1757),德国的巴赫、亨德尔。
6.什么是十二平均律(equal temperament)?
在键盘乐器上将一个八度内的所有半音都调成一样距离(音分)的调律方法。
小型合奏乐
1.简介巴罗克时期的教堂奏鸣曲(sonata da chiesa)和室内奏鸣曲(sonata da camera)。
奏鸣曲是独奏或重奏的器乐曲。前者风格较为严肃,很少用舞曲,后者则轻快些,各个段落都采用舞曲风格。
2.简介独奏奏鸣曲(solo sonata)和三重奏鸣曲(trio sonata)。
独奏奏鸣曲由一把小提琴(或长笛或其他乐器)加一个通奏低音乐器,有时只有一件乐器独奏(如无伴奏小提琴奏鸣曲或古钢琴奏鸣曲)。三重奏鸣曲由两把小提琴和一个通奏低音乐器(键盘乐器)、一把大提琴(或大管)演奏,两把小提琴演奏两条对位关系的旋律,另两件乐器演奏低音及和声。
大型合奏乐
3.简介大协奏曲(concerto grosso)、独奏协奏曲(solo concerto)和乐队协奏曲(ripieno concerto)。 大协奏曲:由几件乐器组成的独奏小组和管弦乐队的协奏。
独奏协奏曲:一件独奏乐器和管弦乐队的协奏。
乐队协奏曲(又译作管弦乐协奏曲):并不突出某件乐器或某个乐器组,实际上就是管弦乐曲,一般写法是由第一小提琴声部演奏主旋律,并运用数字低音。
4.简介维瓦尔蒂(A.Vivaldi,1675-1741)和他的协奏曲《四季》。(略)
第三节.巴赫和亨德尔
1.巴赫(J.S.Bach,1685—1750)最杰出的写作技巧是什么?或:巴赫在音乐历史上最大的贡献是什么?
2.巴赫被称为“继往开来”的人物,为什么?
3.巴赫的作品种类繁多,请举出他的宗教音乐、管风琴曲、古钢琴曲、独奏器乐曲和管弦乐曲主要代表作。
4.亨德尔(Handel,1685—1759)在那两种音乐体裁中有突出的成就?
5.为什么亨德尔的歌剧写作受到了挫折?他的歌剧有什么特点?
6.亨德尔的清唱剧创作有哪些特点?请简介《弥赛亚》。
7.亨德尔重要的器乐作品有哪些?
8.巴赫(J.S.Bach)与亨德尔(Handel)的音乐(包括写作手段和个性)有哪些不同之处?
85 柴可夫斯基的创作风格:
其音乐是19世纪下半叶沙皇专制的特定历史条件下的产物,极为真实地反映了那个时代俄国人民,尤其是俄国平民知识分子阶层的精神面貌。
题材内容和艺术形式多样化,不局限于表现俄国题材,
不拒绝任何体裁和形式,在各个创作领域都留下了堪称典范的作品。
在音乐语言和艺术技巧方面更多吸取了俄国城市市民音乐的音调
创造性地借鉴了西欧古典乐派和浪漫乐派的音乐成果。
在音乐中力求反映人们普遍的思想感情,并深入挖掘人们内心世界的奥秘。
格调高雅细腻,多愁善感。
其音乐两个最鲜明的特征:深刻的抒情性,强烈的戏剧性。
代表作:歌剧《叶普根尼.奥涅金》《黑桃皇后》
舞剧《天鹅湖》《睡美人》《胡桃夹子》
交响乐作品
《第四交响曲》《第五交响曲》《第六“悲怆”交响曲》
幻想序曲《罗密欧与朱丽叶》庄严序曲《1812》
《 b小调第一钢琴协奏曲》《意大利随想曲》《D大调小提琴协奏曲》
86 弗朗克和圣-桑对法国音乐的影响:
弗朗克积极参与组织和领导"法国民族音乐协会",为复兴法国民族音乐作出很大的贡献.。弗朗克的音乐格调崇高,感人肺腑,既有宗教的虔敬,也有浪漫主义式变幻不定的激情.
范文五:古希腊和古罗马雕塑浅析
古希腊和古罗马雕塑浅析 在整个西方美术传统中,古希腊雕塑占有十分重要的地位。希腊艺术是理想主义的、简朴的、强调共性的、典雅精致的,用外在的形式表现内在的力量,西方美术崇尚的典范模式可以说都是从古希腊开始的。古希腊悠久的神话传说是古希腊雕塑艺术的源泉,是希腊人对自然与社会的美丽幻想,他们相信神与人具有同样的形体与性格,因此,古希腊雕塑参照人的形象来塑造神的形象,并赋予其更为理想更为完美的艺术形式。
古希腊可以分为四个时期。分别是荷马时期,古风时期,古典时期和希腊化时期。在此,我主要说一下古风时期,古典时期和希腊时期这三个时期的雕塑。
古风时期有个雕塑是《库罗斯》,这是明显的跟古埃及雕塑学习和借鉴并又有希腊自己风格的产物。该雕像保存十分完整,为正面裸体立像,人物形象强健庄重,肌肉发达,左脚向前迈出一步,双臂自然下垂,拇指伸直而握拳,膝关节刻画细致,手与躯体之间,两腿之间空隙的处理摆脱了埃及陈规的束缚,许多细部都运用圆雕的手法,并被指定为定性型的形状,以立体类型取代线刻图案式手法。雕像身体的脊柱有一种流畅的S形,胸部的体积增大。跟原来古埃及木然的雕塑表情相比,此雕像的面部表情成了炯炯有神的注视,或凝视,嘴角还挂着浅浅的微笑。这种微笑是古风时期的重要的艺术特点,这些都是希腊人在创造一个崭新的世界观的情绪的外化。整个作品人体的比例和肌肉的质感,比以前的作品已经有了十分巨大的进步。其形象丰满,轮廓鲜明,完全没有了早期雕像的陡削的平面和粗糙的形体结构。同时,雕刻家也注意到了对人体细节部分的处理,熟练的使用了圆雕的手法,具有很强的立体感,体现了希腊古风时期的雕塑正在逐渐摆脱僵硬模式的限制,人们在追求更多真实的具有生命感的东西,为后来希腊雕塑艺术的繁荣奠定了坚实的基础。
古典时期的雕塑作品有很多辉煌的作品。帕特农神庙的装饰雕塑是菲狄亚斯毕生最重要的成就。这些装饰雕塑有《酒神狄奥尼索斯》、《命运三女神》、《一个马头》、《雅典娜》等。虽然这些作品已是残迹,但仍可从中欣赏雕塑家熟练而精湛的雕塑技巧,以及它对人体结构的深刻理解。尤其是《命运三女神》组雕,虽然头部无存,但姿态宁静而高贵,丝毫未减女性的魅力。随着人体结构变化的衣纹,纤细而繁复,使人真切地感受到希腊式薄衫的质感和衣裙下成熟、优美的女人体态。
普拉克希特列斯的作品几乎没有英雄人物或运动员的形象,而全是富有生活情趣的神话人物。此外,普拉克丝特列斯的雕像还呈现出一种女性化的倾向。他创作的男人体没有雄健刚毅的气质,修长的身姿、柔和的线条代替了强健的肌肉。他是古希腊女子裸体圆雕的开创者,其《克尼多斯的阿芙罗狄德》是希腊雕像中的一件完全裸体的女性雕塑。《克尼多斯的阿芙罗狄德》表现的是美神阿芙罗狄德入海沐浴时的情景。她刚脱下衣裙,神情带羞,左脚微抬,重心落在右腿上。身体形成的优美的曲线,尽显女性的娇媚。大理石的材质更加强了女性皮肤的弹性感,给人以冰肌玉肤的感觉,令人叹为观止。作为千古流传的艺术珍品,阿芙罗狄德的姿态是如此优美,后来几乎成为一种模板,摹仿者们在赞叹的同时,竞相仿制,被多次复制,并产生了许多变体像。
古典时期除了这些精品,还有许多辉煌的作品,比如《刮汗污的运动员》、《赫拉克勒斯》、《赫尔墨斯的小酒神》、《尼俄柏》、《贝尔魏德尔的阿波罗》可以说,古典时期是希腊雕塑艺术最辉煌最鼎盛的时期,后世是无法超越的,哪怕是古罗马时期的雕塑。
再来说说希腊化时期的雕塑作品。希腊化时期的艺术风格呈现出多样化特征,并从鼎盛的古典主义使其逐渐衰落下去。在这个时期,表现女性人体美的雕塑日渐增多,对爱与美之神阿芙罗狄德,也就是维纳斯的歌颂更是层出不穷,自重最为著名的雕像就是《米洛斯的阿芙罗狄德》,它甚至已经成为赞颂女性人体美的代名词。当人们站在这个精美的雕像面前时,一个裸体的女性,她丰满而圣洁,柔媚而单纯,优雅而高贵。在这洁白的大理石里面,是少女的青春,是生命的跃动。她的每一起伏变化似乎都合着音乐的节拍。恰到妙处的裸露和遮掩、富有表现力的衣纹使他更优美动人。她严格按照“黄金分割”塑造的人体体现了人类共同的审美规律。黑格尔就曾经高度赞扬希腊人能够完美的把神的普遍性和理想性与神的个性结合在一起。
《拉奥孔》被誉为希腊时代雕塑的最高典范。作品表现的是拉奥孔父子三人被大蟒缠绕的情景:左侧的长子极力想把脚从蛇的缠绕中拔出;右侧的次子则已被蛇紧紧缠住;拉奥孔为救护两个孩子,竭尽全力的在与蟒蛇搏斗。三个人物的动作、姿态和表情既统一又有变化,显得很有层次。在挣扎与痛苦中,人体肌肉产生了痉挛。肌肉运动达到极限时,它们就像一座座小山一样互相紧密毗连,表达处在痛苦和反抗状态下的力量与极度紧张。但是,作品对人物动作和表情的刻画过分戏剧化了,影响了对人物心理活动的揭示,它使作品缺乏含蓄美、内在美,而只具有表面的力度和造型上的结构美。
公元一世纪,希腊被罗马帝国吞并后,西方世界的文化中心随之转移到了罗马。古罗马美术上承古希腊美术的成就,同时发扬了埃特鲁尼亚美术的传统,且融入了欧洲、北非和西亚美术的地方因素,从而在建筑、雕塑、绘画等方面都取得了骄人的成绩。如果古希腊雕塑奠定了古典理想主义雕塑的传统,那么古罗马的雕塑则标志着西方古典主义雕塑的写实传统的诞生。
古罗马的雕塑分为埃特鲁尼亚雕塑,肖像雕塑,和纪念性雕塑三个种类。这三个种类中,我主要想说说肖像雕塑和纪念性雕塑。
说到古罗马时期的肖像雕塑就不得不说《卡拉卡拉像》这尊大理石胸像高50cm,在雕像中,我们可以清晰地看到一张性格鲜明的脸:方方的脸庞,嘴角内收,头部低斜,紧缩的双眉,多疑而凶残的眼睛流露出凝滞的眼神。雕像眼睛的刻画令人叹为观止,那是一双充满着复杂感情的眼睛:凶恶、暴躁、多疑、恐惧。残暴和屠杀为他消灭了许多敌人,同时也造就了他对一切都充满了怀疑和恐惧的内心世界。一头卷曲和满脸的胡须则进一步强化了他那凶残的性格。《卡拉卡拉像》在表现人物性格特点的艺术技巧上,代表了罗马肖像雕塑的顶峰。
公元一世纪后期,罗马肖像的多样化和严格的写实主义风格已经达到了登峰造极的地步,并逐渐摆脱希腊古典主义的影响。《妇女像》就是该时期重要的代表作。
《妇女像》塑造了一名出生名门的贵族妇女,她梳着当时最时髦的高高的发髻,头部微微向左侧扭转,表情严肃、矜持、神态高傲,显示出高贵门第的雍容华贵,但我们似乎从中可以看出隐藏在高贵端庄背后冷漠的内心世界。雕塑家在创作这部作品时煞费苦心的,并深入研究了大理石表面的微妙变化和明暗光影映衬下的视觉效果,雕塑中发卷上强烈的凹凸造型反衬出女性脸部的柔润和光洁,使人物形象显得丰满而秀美。在妇女复杂的发式上,作者使用了钻子钻孔的方法,将那一卷一卷的头发都钻了孔。这些孔在光鲜的映衬下显示出丰富的光影变化,大大增强了雕像的艺术魅力。
罗马纪念性浮雕即历史场面浮雕,源于古代祭祁习俗,但主题却是凯旋。罗马人习惯通过这类方式来制作反映特定历史事件的美术作品。比较著名的有《和平祭坛浮雕》和《提图斯凯旋门上的浮雕》。提图斯凯旋门是帝国前期提图斯皇帝为纪念他镇压犹太人的胜利而建立,高14.4米,宽13.3米,深6米,上面装饰着精美的浮雕作品。其中以拱门
内壁两侧墙上的浮雕最为精彩,内容是颂扬提图斯和他的军队镇压犹太人凯旋而归。浮雕上,提图斯皇帝亲自驾着四马战车浩浩荡荡从耶路撒冷返回,胜利女神为他戴上胜利的花冠,他的军队则是正抬着从耶路撒冷掠夺来的战利品,兴高采烈地走在象征胜利的凯旋门前。浮雕的面积虽然不大,人物也不多,但层次分明,具有强烈的运动感,在平面中创造了有纵深感的空间,气势雄伟。作品体现出当时高超的构图和人物塑造技巧,并表现出古罗马的浮雕正努力向绘画空间发展,这对提高浮雕的表现力具有很深刻的意义。这两个浮雕都是表现了对罗马人丰功伟绩的歌颂就不多做赘述了。
希腊是罗马古代雕塑艺术的繁荣,是西方雕塑史上第一个辉煌的高峰。古希腊以及古罗马的雕塑家们以呕心沥血的劳动,创造了古典的审美理想规范和经典型风格,被后代雕塑家奉为典范,值得我们学习和深思。
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