范文一:花鸟画
第一节 中国花鸟画发展概况
花鸟画发展至今在漫长的历史长河中花鸟画从艺术构思到艺术表现形式,历代相沿日臻完善,形成了鲜明的民族风格,同时涌现出无数绘画大师。花鸟画它能反映自然、亲近自然、美画生活,长期以来深受广大群众的喜欢,花鸟画作为一个独立的画科,形成于唐代,并逐渐人物画、山水画并驾齐驱,成为中国画按题材分类的一大体系。花鸟画它涵盖了自然界所有的花草树木、飞禽走兽、鱼虾、昆虫、果品等,范围之广是一种罕有的现象。
一、花鸟画起源及形成
花卉作为绘画表现的题材,在原始彩陶的纹饰中,以及汉代的画像石、画像砖、漆画、服饰和敦煌壁画中都多有表现。在中国早期卷轴画中,其花卉、禽鸟、山石等只作为人物画的背景而出现。如:晋代顾恺之的《洛神赋图》、唐代周昉《簪花仕女图》等。
二、花鸟画主要流派
1、徐黄异体
花鸟画在唐代独立成科后,在五代出现了以黄筌和徐熙为代表的两大画派,被称为“黄家富贵”和“徐家野逸”,画史上称为“徐黄异体”。徐熙、黄筌作品中所体现的不同艺术追求影响了以后近千年的中国花鸟画的发展。
2、宋代院体花鸟画
宋朝建立了翰林图画院,云集了原西蜀、南唐的宫廷画家。宋徽宗扩大了“翰林图画院”规模,致使这一时期的绘画得到了空前的发展。
● 宣和体
以赵佶为代表的这一时期的院体画叫“宣和体”,其特征是——准确细腻的具体形象刻画与整体上潜意的表达相结合,优雅、和谐、含蓄,富于诗情画意。
3、文人写意画
宋代中叶,画史上出现了崔白、吴元瑜等名家,他们的新作结束了百余年花鸟画坛上“黄家画风”一统天下的格局,改变了花鸟画创作的艺术观念,使花鸟画在表现人与自然的审美感受上进入了自觉阶段,同时,画家在创作中主张的“夺造化”是“外师造化、中得心源”理论的发展,这一划时代的艺术主张为后来“得之于象外”的文人写意画风兴起创造了条件。
专以水墨画梅、竹、兰花、葡萄的,多半是文人画家,如文同、苏轼、杨无咎等,他们写梅、竹都是借物抒情,多有寓意,绘画成为感情发泄,进行自我表现的艺术形式。他们的审美情趣和院体花鸟画家迥然不同,都是淡墨横扫、整整斜斜、别具一格,因此,水墨写意花鸟画应运而生。
4、元人花鸟画
元代,由于文人画的兴起,工笔花鸟画开始走向衰退,画风上多承前朝的勾填法与没骨法两种形式。 ● 白描墨染
元代花鸟画家王渊(字若水),所创造出的单纯墨勾墨染,俨然杂彩并呈的墨绘法,即后世所谓的“白描墨染”,为中国花鸟画开辟了新天地。
● 赵孟頫
一代大家赵孟頫对书法入画,不求形似的士大夫文人画的主张,奠定了元代文人画理论的基础。他的画以意韵为胜,聊写胸中之丘壑,一吐自己的清高与独立人格。
元代出现了吴镇、高克恭、柯九思等画竹高手以及画梅大家王冕等名画家。
5、明代小写意花鸟画
明代又恢复画院,画院画家承袭宋代传统并吸收水墨文人画技法,擅长宏幅大制,画风简括豪放。 代表画家有明初的边文进;中期的林良、吕纪以及明末的陈洪绶等人。
6、明代大写意水墨花鸟画
(1)陈淳
作品意境安逸宁静,笔墨自由如意。放逸但不恣纵,灵动却不酣畅,为此派前奏。
(2)徐渭
以狂草笔法纵情挥洒,泼墨淋漓,“不求形似以求生韵”,借物抒情,韵味无穷。
他们二人前呼后就,把大写意花鸟画推向至高境界,画史上以“青藤白阳”相提并论,称誉至今。
7、八大、石涛写意花鸟画
(1)八大
以简笔出之,而自成一家。他笔墨冷清,却蕴含无限张力。章法奇特,开合有致,特别善于布白,大空小空,错落其间;实中有虚,虚中有实;境界空远,趣味无穷,使文人写意花鸟画法登峰造极,对近现代花鸟画影响很大。
(2)石涛
除了擅长山水外,则以水墨写闲花、瓜果,尤其兰竹,更是自成一体,格调高古。其画风影响了扬州画派。
8、南田法
● 恽格
字寿平,号南田,清初人,为常州画派的泰斗,作品所绘形象如得天机物趣之妙,笔法简洁精致,赋色明丽雅致。
他主张:以造化为师,并首创“点花粉笔带脂,点后复以粉笔足之”的方法,史称“南田法”。
9、扬州画派
清代中叶,商业鼎盛,城市经济活跃,盐商富贾聚集扬州,时有附庸风雅之需,不少画家由于生计也流于扬州卖画,于是形成绘画商品市场,名家辈出,其中以郑板桥、金农、李鱓和李方膺等人尤为突出,形成艺术流派。
● 扬州八怪
10、清末“海派”写意花鸟画
这一时期出现了“扬州画派”和“海上画派”,这两派共性是均以城市商品经济为背景。
海派特点:艺术渊源具有多向性,既有传统文人画根基,又有外来艺术影响,还有民间艺术本色。因而,“海派”绘画格调既优雅含蓄,又平易近人,可谓“雅俗共赏”。其中以赵之谦、任伯年、虚谷和吴昌硕为佼佼者。对民国及现代花鸟画创作有直接影响。
11、民国及现代花鸟画
● 吴昌硕与潘天寿
“海派”巨擎吴昌硕,以篆书笔法入画,苍茫古厚,不可一世,他融诗、书、画、金石于一炉,博彩众长,独辟蹊径,形成重要的艺术流派,对后世产生了深远的影响。
潘天寿早年拜师于吴昌硕,得其心法。把诗、书、画、印融为一体,让山水和花鸟聚为一图,使写意和工笔合于一格。章法奇特,造险破险,似方非方,笔力强健,气魄宏大,与齐白石并称为“南潘北齐”。
这一时期的代表画家还有于非闇、陈之佛、郑乃珖等人。
第二节 中国花鸟画的构图章法
中国花鸟画历经千年的演变,它始终结合着中国文化的前进方向,它始终保持者它特有的绘画形式和绘画语言。构图作为其中的一种绘画语言,它所经历的变革也必须是在保持传统章法的基础上丰富中国花鸟画在时代变迁中的时代性。
构图,确切的说是章法,章法作为其中的一个要素,其作用不可小看。因此认清构图及章法的内在联系是相当必要的,构图作为外来的绘画语言被运用与花鸟画中,这对于传统与现代绘画在形式方面是一种很大的突破,它的介入丰富了中国花鸟画的形式。绘画的构图,它本身没有一种固定的模式,讲求构图的目的在于使绘画作品能够更好的为人们的审美所接收和认可,产生一种和谐之美。
一、构图的定义
为了表达某一主题思想,把生活中感受到的事物或不可能连在一起的事物,通过艺术的手段将其按照自己的想法连接起来,这就是构图。
二、传统的构图样式
1、中央直立式构图样式
其特点是以正中为主体,给人视觉感受较庄重,挺拔而有份量。
2、“铺殿花”的构图样式
以几种吉祥花卉,按照作者意图铺满画面,极富装饰性。此类构图多作为墙壁厅堂的装饰画幅使用,为五代徐熙所创。
3、“金边银角”构图样式
此构图样式为南宋马远、夏圭所创立。这种构图是对中央直立式的构图的很大的突破。
4、剪技、切取式结构样式
它剪取最有表现价值的事物形象某一部分,并突破生物形态规律的局限,使画幅中间透空,视野开阔,有利于藏境。
5、“藕断丝连”法的结构样式
清初四僧之一的石涛对绘画的构图有其独特的理解与表现。其绘画构图不拘于一局、一调、一势的处理与布列,在平淡中显新颖。这种出其不意的惊人手法使诗、书、画、印融为一体。形成了中国画构图的一大特色。
6、“不等边三角形”构图样式
近代山水画大师黄宾虹先生认为,绘画中所有的造型空间都是大大小小不等边三角形交错构成的。此种构图样式对活跃画面,分割空间而言,是十分灵巧的好方法与表现手段。
三、花鸟画构图手法
1、宾主
宾主关系是说一幅画的景物要有主次。宾是陪衬主的。构图中正确的宾主关系,应该是恰如其分,相得益彰。
2、虚实
虚实关系是构图学中一个较为复杂的问题。它包括多与少、疏与密、聚与散、繁与简、清与浑,甚至用笔轻与重、强与弱,用墨的浓与淡、枯与润、虚与实的关系,在传统的画论中叫“虚实相生”。
3、纵横
纵横关系,可能是树枝的穿插关系,也可能是某些线条的曲折、往复的运动变化,如S 形、十字形、之字形在一个画面中。由各种物象的排列关系所形成的线条,不要平行或者全都顺往一个方向,应当力求变化。
4、开合
开与合,体现事物发展完整过程。开是矛盾的展开,合就是矛盾的统一。一幅画的构图,正如一篇文章的结构,要完整统一,不能有开无合。
5、知白守黑
知白守黑也可以称黑白关系。
在构图时,必须注意画面各处的空白,要象有笔墨处一样精心安排白处的变化。
6、正局与侧局
正局与侧局也是构图中不可忽视的课题。
正局构图给人以端庄、朴厚的感觉,侧局则给人以巧俏秀丽的感觉。
7、全景与折枝
“全景”是指那些带山水配景,内容丰实的大构图。折技是局部,是特写。全景构图以丰实见长,折枝构图则集中突出,各有妙用。
8、画里与画外
画面毕竟是有限的。这就要求以有限表现无限,“以少当多”。使画里画外,互相生发、互相补充,造成画面有限而意趣无穷的艺术效果。
9、碎者整之,整者碎之
某些细琐的东西,在构图处理上最容易画得花乱零碎,某些过分平整的东西,处理起来容易平板无趣,对于那些本来就细碎的题材,尽量画得完整单纯。大而平的东西可以用化整为零的办法寻求变化,这就叫“碎者整之,整者碎之”。
第三节 中国花鸟画的艺术特点
中国花鸟画在长期的历史发展中,适应中国人的社会审美需要,形成了以写生为基础,以寓兴、写意为归依的传统。
中国花鸟画注重“写生”——从实际生活中摄取对象,并加以艺术表现的优良传统。
花鸟“拟人化”——把花鸟的自然属性与人的品德相类比。比如“白眼向天”和“四君子画”。 中国花鸟画具有“借物喻人,托物言志”的精神内涵,注重“象征寓意,遗兴抒怀”。
一、意在笔先
“意在笔先”是中国画共性化的创作方法,但在花鸟画中得到了突出的体现,这与花鸟画不朽稿、放笔直取的作画形式是密不可分的。
“意在笔先”不仅是中国画的特点,而且也是突出的优点,在花鸟画中则更具有典型性。“意”包括的内容十分广泛,一幅绘画创作的章法、取景、造型的准确传神与否,情景的交融、细节的描绘、意境的创造,都要在“意”的指引下才能完成。
“意在笔先”成为花鸟画千余年来所遵循的一条成功的创作原则和典型性的突出特征。
二、遗貌取神
齐白石对花鸟画的造型精辟的总结——不似为欺世,太似则媚俗,贵在似与不似之间。
● 应物象形
“应物象形”的所应之物,既有“物物之应”,也有“物我之应”,由于绘画的特性决定了“应物象形”的“物物之应”不可能像到与真实物象同等的程度。
● 遗貌取神
只有在表现过程中,积极地去作物象的内在本质——神韵上的追求,才能达到表现目的并回避绘画功能之不足。为了神韵的追求和表现,就要对其主要特征加以强调、夸张以使其突出。同时,对其外形上繁琐的细节、无关紧要处进行归纳、概括、舍弃。这就导致了内在神采上经过加以强调、夸张之后的“似”和外形上因归纳、概括、舍弃而导致的某些局部的“不似”,这个过程即被称之为“遗貌取神”。
三、计白当黑
花鸟画的空白,是形象的组成部分,它不仅衬托了主体,也使画家在创作过程中可以发挥最大的主动性,使被表现的对象达到最突出、最集中、最明确的艺术效果。花鸟画对空白的利用,即使墨与纸的黑白二色产生了强烈的对比,又使墨华的种种变化在白的衬托下发挥得淋漓尽致。
如果没有了空白作为水墨展示的依托,花鸟画笔线的视觉张力与水晕墨章的种种变化,势必混淆不清,中国画特有的笔墨韵律也将消失于无形。
四、书法入画
花鸟画的用笔来源于书法,这是形成中国画形式美的重要原因之一。中国画从初始以来与书法的关系一直亲如联袂,书法对中国画的发展有着深远的影响,这在其他画种中是绝无仅有的现象。
唐代张彦远在《历代名画记》中指出了中国画书画同源的特点。但当时对绘画中的用笔的认识,只是作为描绘物象的框架而与书法用笔有同构关系,绘画的笔法变化和书法用笔的内在联系还远未达到自觉
的程度。把书法的点、线运动所体现出的“取会风骚之意”(唐·孙过庭)的深刻内涵直接引入绘画中,则是在元代文人画进一步发展之后出现的。
以书法入画,不仅对于花鸟画笔精墨妙的形成具有关键性的作用,而且因为其笔法形态稍离于形但却更重意象,可供想象品味的成分也随之增多,从而使笔墨具有了独立于物象之外的审美价值。
花鸟画以书法为基因的用笔,不仅仅限于描绘物象的形态,而且在用笔的过程中,倾注了作者的个性和思想感情,在笔精墨妙、功力深湛的同时蕴含着具有个性特征的特殊韵致。使笔墨既生动有致地表现了物象神态,又具有他人难以企及的内在特质;既极大地提升了画面基础元素的质量,又扩展了画面建构的稳定性与力度。
因此,以书法入画是写意花鸟画不可或缺的艺术建构,同时也形成了它所特有的艺术魅力。
五、诗书画印
诗书画印融为一体构成了花鸟画特有的形式美。
诗书画印与画中物象的相互配合,与笔墨、意境的相互生发,构成了一个完美的艺术整体。花鸟画融诗书画印于一炉,极大地增加了中国绘画在艺术性上的广度与深度。从而形成了中国绘画民族风格的又一特殊性,其包容性也成为中西绘画的一个重要区别。
诗书画印的结合,其作用往往有“点石成金”之妙。诗言志,画抒情,诗与画形有别而质相通。篆刻的金石特质与书法用笔一脉相承,印章的朱红与墨色相得益彰,不单在形式上完善了花鸟画的艺术构成,而且加强了缘物寄情的思想内涵。诗画合一,文画并茂,取长补短,使花鸟画的诗情画意具有了水乳交融般的情致。
诗书画印的结合还使花鸟画具有了一定的装饰性。而且对于作品的品评、考证、欣赏、研究都具有更直接的现实意义。
范文二:花鸟画
一、 教学目标:
1、 学习和研究画家绘制的花鸟画作品,加深对中国花鸟画的认识。
2、 学习和分析画家用笔、用墨和用色的技法,在临摹的基础上添加和创作一副花鸟画。
3、 通过本课学习,培养学生热爱祖国文化和艺术的情感,
二、 教学重点:
学习中国花鸟画的绘画技巧,在探究中积累和创新。
三、 教学难点:
用笔和用墨的表现方法。
四、 教学准备:
国画颜料、生宣纸、毛笔、调色盘、墨汁、画毡或报纸、资料
五、 教学过程:
1、 引入:
(1) 花鸟画是我国民族绘画的一个组成部分。
(2) 在众多花鸟画的题材中,梅兰竹菊被认为代表高雅品质的“四君子”。
(3) 出示课题——花鸟画。
2、 讲授新课:
欣赏吴昌硕的作品《菊花》
面对自然界中的花鸟草虫惊醒创作时,中国的花鸟画家的表现物象的同时更重视缘物寄情。
3、组研究:
(1) 对比自然界中的花鸟,欣赏和研究一副花鸟画,想一想画家是怎么用笔和用墨的?
(2) 游戏:请你对照黑板上的菊花图片(中锋勾花,侧锋勾叶),分别尝试以下几种笔法:
侧锋画麻雀头——点、抹
中锋画翅、尾——短线
4、 分析:
麻雀是我们生活中常见的飞鸟,它头大、体小,头、背、尾呈褐色,背有黑斑点,胸腹灰白,活泼可爱。在画麻雀之前,先要理解麻雀的头部
和身子由两个蛋形组成,或者是一个枣形加蛋形组成
《花鸟画》教学设计
一、 教学目标:
1、 学习和研究画家绘制的花鸟画作品,加深对中国花鸟画的认识。
2、 学习和分析画家用笔、用墨和用色的技法,在临摹的基础上添加和创作一副花鸟画。
3、 通过本课学习,培养学生热爱祖国文化和艺术的情感,
二、 教学重点:
学习中国花鸟画的绘画技巧,在探究中积累和创新。
三、 教学难点:
用笔和用墨的表现方法。
四、 教学准备:
国画颜料、生宣纸、毛笔、调色盘、墨汁、画毡或报纸、资料
五、 教学过程:
1、 引入:
(1) 花鸟画是我国民族绘画的一个组成部分。
(2) 在众多花鸟画的题材中,梅兰竹菊被认为代表高雅品质的“四君子”。
(3) 出示课题——花鸟画。
2、 讲授新课:
欣赏吴昌硕的作品《菊花》
面对自然界中的花鸟草虫惊醒创作时,中国的花鸟画家的表现物象的同时更重视缘物寄情。
3、组研究:
(1) 对比自然界中的花鸟,欣赏和研究一副花鸟画,想一想画家是怎么用笔和用墨的?
(2) 游戏:请你对照黑板上的菊花图片(中锋勾花,侧锋勾叶),分别尝试以下几种笔法:
侧锋画麻雀头——点、抹
中锋画翅、尾——短线
4、 分析:
麻雀是我们生活中常见的飞鸟,它头大、体小,头、背、尾呈褐色,背有黑斑点,胸腹灰白,活泼可爱。在画麻雀之前,先要理解麻雀的头部和身子由两个蛋形组成,或者是一个枣形加蛋形组成,这样画麻雀就方便多了。
5、 临摹一副花鸟画作品,可以大胆的对原作进行添加和创造。
6、 展示:选出你最喜欢的作品,说说哪里好。
7、 小结
,这样画麻雀就方便多了。
5、 临摹一副花鸟画作品,可以大胆的对原作进行添加和创造。
6、 展示:选出你最喜欢的作品,说说哪里好。
7、 小结
范文三:花鸟画
花鸟画
一、教材分析
(一) 教学目标
1. 通过介绍和欣赏古今花鸟画作品,使学生了解花鸟画的发展以及不同的艺术风格,增长知识,开阔眼界,陶冶情操,提高鉴赏能力,培养健康的审美情趣,从而使学生更加热爱中华民族的优秀文化。
2. 花鸟画是以表现动植物为题材的绘画,学生接受如此美好的绘画作品,并亲自动手去表现自然界,会增强热爱大自然、热爱生命的环保意识。
3. 通过学习工笔、写意花鸟画的基本技法,使学生能够运用所学技法完成临摹或半临摹花鸟画作品数幅,提高学生学习中国画的兴趣。
(二) 内容结构
本课内容结构分为两个部分:
1. 中国花鸟画概述和作品赏析。在课本中工笔、写意两大部分中均有花鸟画介绍和分析作品。此部分教学应贯穿全课中。
2. 工笔花鸟画技法学习
白描画法:用毛笔勾线的基本方法,通过线条的各种变化表现形体的结构、质量、空间的多种变化。
着色花卉画法:工笔画颜色的种类、特点及使用的基本知识,工笔画渲染的方法,对于不同的花头、叶片及枝干的不同染法。
3. 写意花鸟画技法学习
写意画的运笔、用墨的基本方法。
通过教授荷花画法,使学生了解并初步掌握用水的方法和破墨规律。
通过教授牡丹花画法,使学生了解并初步掌握用虚实多变的笔触表现对象的方法。
通过教授小鸡的画法,使学生巩固用水用墨知识,练习笔墨造型,掌握黑白灰的组合规律。
(三) 教学的重点与难点
1. 工笔花鸟部分:
重点:掌握勾线技巧,掌握工笔画颜色渲染的基本方法。提高审美意识。
难点:勾线过程中对线表现形体结构的理解并能自觉运用。在掌握颜色渲染方法上应该能做到领悟技法并能举一反三,通过自学也能掌握其他花卉的用色方法。
2. 写意花鸟部分:
重点:正确理解并掌握写意花鸟画的技法和表现规律,以及对笔墨中干湿、浓淡、疏密、黑白灰组合规律的认识。提高审美意识。
难点:调墨、调色的技法及行笔中转动、提按、皴擦等技法的掌握,并能灵活运用。通过自学做到自己组织画面构图完成一幅作品。
二、教学内容资料
(一) 花鸟画发展概述
(本部分为教师分析作品提供背景资料)
花鸟画是中国绘画艺术中一个重要组成部分,它是以大自然中花卉、蔬果、翎毛、草虫、畜兽等为表现对象的,与人物、山水并列成为中国画中三大科。花鸟画从技法表现形式上又分为工笔花鸟画和写意花鸟画。
据美术史记载,早期的花鸟画基本处于标志和装饰的实用美术阶段。就在人类企图表现自己的同时,也开始了对自然花木禽鸟的表现。如出土的原始社会的石器、陶片上的图案以及商代出土的玉鹅、玉凤等,都是以动物作为表现题材的。一直到魏晋南北朝时期,已经出现不
少花鸟画作品,但这时期的作品作为独立画科来说,还处在萌芽的状态。真正形成与人物、山水并列的独立画科,是在唐代。画史上记载的薛稷、边鸾、刁光胤、滕昌佑诸家,都是花鸟画家。
到五代两宋时期,工笔花鸟画发展达到高峰,出现了很多画家和传世作品。五代时最有名的两位就是黄荃和徐熙(正如教材中“知识窗”介绍的) ,他们对宋代花鸟画发展的影响是非常大的。两宋时期的工笔花鸟画造型严谨,并重诗意、重意境、重情趣,形成一种典雅、工细和抒情为特点的院体画风。画家如黄居(黄筌之子) 、徐崇嗣(徐熙之孙) 、赵昌、易元吉、林椿、赵佶(宋徽宗) 、崔白、李蒿、李迪等,还有很多佚名画家也留下了非常经典的作品。 宋代工笔花鸟画发展的同时,也出现了一批文人为代表的画家,如苏轼、文同等。他们反对宫廷画院的院体画风,提出一系列文人的艺术主张,如:重神韵,神似是他们的主要标准;重借物抒情,强调个人的创作冲动,有感而发;重诗书画印的结合等。他们成为文人画的先驱。此后文人画不断发展壮大,元以后成为画坛的主导。
元代随着文人画的发展,花鸟画也发生了很大的变化,突出标志是墨花、墨禽的兴起与流行。画家取法于清淡的水墨写意,讲求借物抒情,用水墨画梅、兰、竹、菊四君子,达到“聊以写胸中逸气”之目的。代表画家如钱选、王渊、王冕、柯九思、赵孟等人。当然在元代也有画家尊崇徐黄、师法赵昌等宋代画家,作一般设色的花卉、禽兽等,但谈不上盛于世,如任仁发、雪界、张舜咨等。
明代在花鸟画发展上出现了一个承前启后的发展繁荣时期。明代院派花鸟仍宗徐黄二体,如边文进、吕纪、陈老莲等画家。但在明代最为突出的是写意花鸟画走向成熟,特别是后期出现了以陈淳、徐渭为代表的大写意画风。他们在继承前人的基础上,大胆探索,把写意花鸟的抒情成分提高到空前的高度,创造出笔墨奔放、挥洒自如的大写意画风,对清代及近现代的影响极大。
清代的绘画反映的是画派林立,革新与保守的斗争一直不断。在花鸟画坛上有清初的恽南田逸笔点缀、润秀清雅的没骨派,成为当时最流行的画风;有八大山人及石涛的笔意恣肆的大写意;有金农、郑板桥、李觯、李方膺等人的“扬州八怪”;还有沈铨等继承宋代重彩的院体画法。清代中期又出现了居巢、居廉所创的清新秀逸的画风,在岭南影响极大。清末又出现了一批重要的花鸟画家,如赵之谦、任伯年、吴昌硕等人,他们使色墨结合的大写意画风更加丰富和浑厚。
近现代及当代的花鸟画发展及画家,我们都比较熟悉,在此不多叙述。总之,中国的花鸟画有丰厚的传统,这是我们中华民族文化的骄傲。正如潘天寿先生曾评价的:“吾国花鸟画,??它的崇高成就也是无人可以比拟的。是极乐天国中的一株灿烂的奇葩。”
(二) 工笔花鸟画作品分析
写生珍禽图 黄筌(五代)
黄筌,字要叔,成都人,生卒年代不详。五代西蜀画院中重要画家之一。此图高41. 5厘米,宽69.5厘米,绢本设色,现藏于北京故宫博物院。因为此图是为其子黄居宝作的课徒摹习的范本,所以画上形象各自平列没什么呼应。但造型严谨,比例动态准确生动,显示了画家敏锐的观察力和熟练的写生功夫。黄筌的画风是先用细线勾勒形象再敷彩,刻画精细,色彩鲜明、富丽,对后来工笔花鸟画家影响颇大,称为“黄体”。
(附徐熙资料介绍)
徐熙,五代时南唐在野画家,生卒不详。钟陵(今南京) 人。与黄筌是同时代的画家。是江南望族。本人未做官,所以称为“江南布衣”。他的画先以墨定其枝叶蕊萼等,而后赋色,笔不碍色,色不掩笔。多以汀花野竹、水鸟渊鱼为题材。现传有的作品是徐熙所作,但无法考证。所以在本教材中未能选用他的作品。
关于徐黄体异问题,北宋沈括在比较黄、徐二人作品的艺术风格后写到:“诸黄画花,妙在赋色,用笔极新细,殆不见墨痕,但以轻色染成,谓之写生。徐熙以墨笔画之,殊草草,略施丹粉而已,神气回出,别有生动之意。”(《梦溪笔谈》卷十七) 可见在五代徐、黄二体奠定了花鸟画不同流派、不同风格,故郭若虚(宋) 在《图画见闻志》卷一《论徐黄体异》中谈到:“黄家富贵,徐熙野逸。”
出水芙蓉图 佚名(宋)
这是一幅藏于北京故宫博物院的精品。此图高23.8厘米,宽25.1厘米,纨扇,绢本设色。传为吴炳所作。画幅虽不大但十分精致生动。绘一出水荷花,后衬碧叶。画法精细,设色浓艳。采用俯视特写手法,描绘了那种一尘不染、雅洁妩媚的花姿,突出了荷花出污泥而不染的高洁品格。是宋代小品中的一幅杰作。
花篮图 李嵩(宋)
李嵩,生卒年代不详,钱塘人,南宋画院画家。此画高19 2厘米,宽26 1厘米,绢本设色,现藏北京故宫博物院。画面上一只花篮,内布满各种花卉,构图饱满、均衡。春花姿容艳美、色彩鲜丽。篮筐、叶子及细碎花朵为深色,衬托几朵浅色硕大的花朵,对比十分鲜明。花篮用细密的线条,刻画得十分精致,与花、叶对比,也形成线的疏疏密密的对比效果。画风 丽严谨,这是宋院体画的传统风格,但采取静物的表现手法,这在传统绘画中并不多见。
海棠蛱蝶图 佚名(宋)
这是宋代的绘画小品,作者不详。在画面上一株盛开的海棠花和几只蛱蝶(蝴蝶中的一种) ,被风吹得都朝向一方,蝴蝶也不是向着花朵飞舞,而是飞向画外。海棠叶子画了很多反叶,有画家称“无风反叶不需多”,而这幅作品正是用花、叶、蝶的朝向及大量的反叶,刻画一种风势、一种动态美,体现了自然界中的生命力。
狸奴小影图 李迪(宋)
李迪,生卒年代不详,河南人,宋画院画家。此图描绘一只可爱的小猫,生动、逼真,一身松软的长毛,神情专注地看着什么,十分动人。南宋画院的画家,在继承北宋工笔画的基础上,在表现技法与题材方面都有新的开拓,有些画家也更接近普通的百姓,反映在他们的作品上,也少有那种矫饰的宫廷富贵气。如李迪的《鸡雏待饲图》以及这幅《狸奴小影图》都可以感受到这一点。
寒雀图 崔白(宋)
崔白,字子西,濠梁(今安徽) 人,生卒年代不详,宋画院画家。此图卷高25.5厘米,宽101.4厘米,是一幅长卷。绢本,现藏台北故宫博物院。教材中所选是一个局部。图中一群鸟雀飞鸣跳跃于树的枝干之间,姿态各异,生动自然。树叶枯落正点出“寒”意。画法毫不拘谨,画境也具新意,可见作者观察生活、表现生活的功力。
花鸟图 郎世宁(清)
郎世宁(1688—1766) ,意大利人。生于米兰,19岁时入基督教会,习画兼习建筑。康熙54年(1715年) 来华传教至北京,后入内廷,为画院供奉。工画翎毛、花卉、鞍马等,也为皇家的重大政治活动绘制大量图画以博得皇家信赖,客死中国。郎世宁的作品将西方绘画的表现方法与中国工笔画相结合,他虽造型严谨,也着力按中国画的方法去画,但终究缺乏中国画的神韵,缺乏中国画的意境与诗意,显得不中不西,对中国画的发展影响不大。教材所选《花鸟图》,对花草结构、体积、光影的表现精细真实、别具一格,从中可以看出他的画风。 报春图 田世光
田世光(1916—1999) 号公炜,生于北京。曾为中央美术学院、中央工艺美术学院教授,中央
文史馆馆员。毕生从事花鸟及山水画的研究和创作。曾在任故宫博物院研究员时,在该院研究八年,主攻宋元派双勾重彩花卉及山水画,后又拜张大千为师,为入室弟子。发掘并掌握了几乎失传的“宋元画派”的优良传统技法,通过多年教学与创作使之发扬光大。《报春图》是他在生宣纸上而作,用线活泼流畅,毫无拘谨之气,设色洒脱奔放,鲜明的红色画出艳丽的山茶花,以浓墨画叶更衬托出花的娇美。整幅画处理成一个暖调子,花、叶都十分谐调,惟有蓝山鹊,用了蓝紫冷色,使画面色彩形成对比,使整幅作品浓郁厚重,艳而不俗。从作品中可以看出,他既重视优良传统,又重视反映生活,将鲜活的花鸟形象,融合在其深厚的传统技法之中,体现出时代的新意。
筛月 蒋采苹
蒋采苹,女,1934年生,河南洛阳人,现为中央美术学院教授。她一向以工笔人物画著称,但其花鸟画作品所具有的独特的艺术魅力,也使人赞叹,作品《筛月》就是典型的一幅。她打破传统勾勒渲染技法,直接用石色勾填。在深浅渐变的背景上,两片极具装饰性的残荷叶,构图十分新颖。荷叶的处理完全是一种意象的手法,仔细刻画丝丝缕缕的叶脉,编织成梦幻般的纱网,清凉的月光透过这好像筛子一般的叶脉,得其名为“筛月”。作者创造了一个无限清凉、宁静、美妙的秋夜的意境,让人产生无限美好的遐想。
奋飞 詹庚西
詹庚西,1941年生,河南开封人,中国画研究院研究员,当代花鸟画家。他继承宋元传统,并对当今诸家博采众长。他的画风形神兼备,用笔灵变,色墨瑰丽,格调清新,有自己独特风格。《奋飞》这幅作品取材于南方的树木象牙红,枝叶粗壮繁茂,在画面形象处理上用夸张的手法,将花朵和枝干、枝叶画成在强劲的风中的态势,而两只鸟却逆风飞行。树与鸟的走势对比强烈,刻画出与自然抗争的不屈不挠的精神境界,创造了一种刚劲、有力,充满阳刚之气的美。
墨洒金 俞致贞
俞致贞(1915—1995) ,女,北京人,中央工艺美术学院教授。早年从师于非和张大千二位先生。她的工笔画继承了宋元花鸟画借物抒情的优良传统,重视深入生活,造型严谨,功力精湛。她将自己热爱大自然、热爱生活的情感融入创作之中。《墨洒金》这幅作品,画幅虽不大(32×43厘米) ,只是一幅折枝花卉,但牡丹花和叶子造型都很美,花瓣和叶片的反转、仰俯变化生动、自然,可以看出这是作者经过一丝不苟的反复推敲的结果。从色彩处理上,虽是红花绿叶,但处理得十分谐调,粉花颜色处理得十分沉着,与绿叶互衬,艳而不俗,充分体现了她的深厚功力和请新淡雅的画风。
芙蓉翠鸟 陈之佛
陈之佛(1896—1962) ,号雪翁,浙江省余姚人,曾任南京艺术学院副院长、江苏省美协副主席等职。精湛的学识和深厚的综合艺术修养,使他的工笔花鸟画具有非凡的艺术魅力。《芙蓉翠鸟》画的是芙蓉树下,掠过一只口衔小鱼的翠鸟,虽然只是一个折枝,但我们可以想象到南方水边一棵枝繁叶茂盛开的芙蓉树,池塘中翠鸟在捕食、嬉戏。作品以动静结合、声影交映自然生动的手法,清新、明快、活泼的格调,给人一种强烈的审美感受。
(三) 工笔花鸟画技法教学内容
1. 工笔花卉白描技法
白描,是以线为造型手段,舍弃光、色,完全依靠线条本身的长短、干湿、浓淡、方圆等形态,和线条疏密、聚散排列形成的不同的节奏和韵律,表现物象的形体、神韵。白描可以作为独立的表现形式,也可作为学习中国画的基础。
白描是通过线表现物象。其实客观物象本不存在线,物体是由不同的形体组成,一根细细的头发也是一个小圆柱体,我们所画的轮廓线也是物体转折的面,所以说线完全是绘画者提炼、加工、取舍客观物象而形成的一种表现形式。
中国画的线是用毛笔勾勒出来的,通过笔上的含水量的不同和用笔方式的区别,表现出干湿、浓淡、粗细、长短、曲直、方圆、顿挫、疏密等不同变化。正是运用这些变化表现不同的形体、质感、颜色、空间远近等变化。
一幅白描作品,很重要的一点是线的组织,也就是线的长短、方圆、刚柔的搭配以及线的疏密聚散等不同的排列。这一点在写生创作中十分重要。因为本课只学习临摹花卉,所以接触这方面不多。
勾勒白描花卉要掌握以下几点:
(1)表现花卉形体结构
中国画是以线造型,每条线都是通过透视、转折、穿插、顿挫等变化来塑造形体,所以勾线时首先要注意的就是表现形体结构。如下面两幅图叶子右边的轮廓线勾得不同,主要是 应分清叶子边缘的外轮廓线和叶子转折面的结构线。
应分清叶子边缘的轮廓线和表现叶子转折的结构线,轮廓线应一笔勾下来。(2)表现花卉质感
中国画讲墨分五色,这五色是焦、浓、重、淡、清。
焦墨:墨汁或研浓的墨放在盘中,经过风干,剩下一点很浓、很黏的墨。
浓墨:原墨汁或用墨锭研浓的墨。
重墨:浓墨加水调和,呈深灰色。
淡墨:墨加水调和,呈浅灰色。
清墨:淡墨再加水,调成极浅的灰色。
实际上由浓变淡可以分出很多层次,白描就是利用墨色的变化和线条的变化表现质感。线的变化就是指线的粗细、曲直、刚柔和用笔的顿挫。
那么怎样利用墨线表现质感呢?
①从线的粗细分。
花瓣质地薄,但不同的花质地也不同,比如牡丹花比玉兰花瓣更薄,所以勾牡丹线条要更细一些。
花与叶子比,叶子质地更厚一些,所以勾叶子用线要粗一此。叶子要从根部勾起,线条要由粗逐渐变细,直到叶尖。勾叶脉也有同样的粗细变化。
②从线条的变化分。
通过笔法的起落、转折、顿挫,勾出不同变化的线条表现质感。比如:花瓣有的挺括,如玉兰花、荷花;有的多皱褶,如牡丹、芍药、虞美人等。表现不同质感,用笔也要不同,有的用线要挺拔、圆润,有的要多顿挫。叶子要根据不同的形状用不同的线条勾勒,有的线要圆,如月季;边缘有齿的叶子要用顿挫线,如菊花叶;直挺的叶子要用挺拔的长线,如兰草、竹子等。
③从线的浓淡分。
确定浓淡程度一是从实际花卉的颜色分。另外如果要染色,就要根据颜色的深浅决定墨色的浓淡。一般的花头墨色稍淡,叶子稍重一些,枝干不要重,因为枝干不要太突出。 ④从线的干湿分。
勾花卉和叶子因质地细腻光滑,墨线要湿,木本、藤本干质地粗糙,用笔要干枯一些。
(3)表现前后空间变化
利用线的粗细、干湿、浓淡变化,可以表现前后、远近关系和虚实关系。
粗线、浓重墨线、湿线给人的感觉是实,拉近距离;细线、浓墨线、干枯线与前三者相比给人感觉是虚,推远距离(如图) 。
花瓣边缘线与表现转折的结构线粗细关系要画正确,转折线过粗就没有转折感觉了。
一朵花要用一种墨色勾,只注意线的粗细稍有变化就可以了,如果粗细变化太大或墨色有差别反而破坏了花朵的整体感。
(4)用笔方法及勾线顺序
工笔花卉勾线一般用狼毫笔,勾细线用红毛、蟹爪等细笔,勾稍粗的线可用叶筋、衣纹笔。 执笔方法:用拇指与食指、中指夹住笔,无名指和小指顶住笔的下端,指实掌虚。笔杆与纸面垂直,用肘力、腕力和手指的拉、推力量行笔。笔锋处在所画线条的中央,这是中锋用笔,画工笔画线条多为中锋。
用笔与书法的道理相同,“欲下先上,欲左先右,有往必收。下笔肯定,用笔坚实,腕笔齐力,收笔含蓄。”
勾线时握笔要紧,短线运腕,长线运肘,腕肘齐力。行笔要做到起笔有顿笔,可藏锋也可露锋。收笔也要有收势,根据物象有实收虚收之分,虚收也要轻轻送到头,有个收势,不要往外甩(见图) 。行笔一定要稳,线条要有重量感、有力度,切忌轻飘,用力要均匀。
一张画勾线顺序一般是先画花,后画叶和干,因为花一般是主体。一朵花先勾前边的花瓣,再勾后边的和边上的花瓣。在一组叶子中先画前边的,后画后边的;先画左边的,再画右边的(为了避免墨未干被手蹭脏画面) 。
勾每一部分,先确定好墨色,在调色盘中调足所需墨汁,千万不要蘸一笔墨调一点水,那样墨色不统一,十分难看。
最后还有一点要说明的,就是画工笔画一定不要用宿墨(宿墨就是盘中的墨时间长了已经干了,再用水调开) ,宿墨勾的线旁边染颜色时墨会向外洇,托裱时也会洇出弄脏画面。
学生临摹时容易看一笔画一笔,而不明白如何掌握画面整体效果。要教会学生对线的粗细、浓淡、干湿的掌握,一定要从表现花卉形体结构、不同质感、颜色不同深浅及远近空间考虑,这样才能达到白描整体效果的和谐。 (四) 写意花鸟画作品分析
三千年结实之桃 葫芦图 (晚清)
吴昌硕(1844—1927) ,名俊卿,字仓石、昌硕,浙江安吉人。精通金石、书法,四十岁后学画,工于藤本、花卉,以篆隶笔法用于画,用笔苍劲有力,富于金石气。在清末,是赵之谦之后大写意的又一高峰。
《三千年结实之桃》构图有独到之处,几条直立的枝干都是竖式,惟有一枝下垂,好像被果实压弯了腰,与主枝呼应变化,使画面显得饱满而又生动。造型洒脱简约,用笔苍劲有力,墨的干湿浓淡处理得当,使层次丰富,色墨互衬生辉。
《葫芦图》笔酣墨畅、挥洒自如,用夸张的黄、红画葫芦和南瓜,以饱满的墨色写叶子,特别是两块红色,在画面上用得恰到好处,色虽强烈,但因与墨的明度接近,红与黑合起来衬托黄黄的葫芦,使主体十分突出,同时色彩又很丰富。自由盘卷的枝蔓穿插其中,线、面结合,笔墨韵味醇厚,给画面增添了几分灵动。
荷图 石涛(清)
石涛(1642—1707) ,本姓朱,名若极,出家后法命原济,号石涛,广西人。才华横溢,山水、花卉、人物无所不精,细笔粗笔、渴墨泼墨无不能,其风格既沉郁豪放,亦秀逸娴静,并多写自己对自然观察之所得,极富创造性。在清初崇古、仿古的风气中,他的艺术理论及画风,都起到了极大的推动作用,对后世影响深远。此画从表现技法上看,荷花和瓶用粗笔双勾,而荷叶用墨泼写,线墨结合相得益彰。把荷花植于瓶中,也给人一种秀逸娴静之感。
露气 潘天寿
潘天寿(1897—1971) ,原名天授,浙江宁海人。他是现代中国艺坛著名的美术家,又是美术教育家。他特长写意花鸟、山水画,兼擅指墨画。在探索、创新中国画上,他继承民族艺术的优秀传统,融诗、书、画、印为一体,笔墨雄浑,布局奇崛,气势磅礴,在现代中国画坛
上独树一帜。《露气》这幅画用浓墨和中墨画几片荷叶,用笔雄厚酣畅、挥洒自如,水和墨的运用恰到好处。前边又用浓墨写或点叶柄、小荷及水草,墨色层次鲜明,浓淡相宜。在大片墨色中只露出两点红色(荷花及花蕾) ,黑红对比单纯又强烈。构图饱满,点线面的组合有序,塑造了清晨荷塘里湿漉漉的一片水气升腾的景象。
紫薇黄鹂 王雪涛
王雪涛(1903—1982) ,字迟园,河北成安人。早年从师王梦白、齐白石、陈半丁等人,毕业于国立北平艺专,曾任北京画院院长等职。擅小写意花鸟,尤工草虫,喜作小品。取材广泛,构思精巧,形似神俏,清新秀丽。他的作品不求怪奇,而是以平易动人为特色。《紫薇黄鹂》是一幅小写意,在一个紫薇树的树枝上,落一只啼鸣的黄鹂鸟,好似在呼唤着同伴。从色彩上看紫色的花絮、黄色的鸟、墨及墨绿的枝叶,使整幅画的色彩对比而又谐调、丰富而又雅致。笔墨精熟而潇洒,可见功力之深厚。
范文四:花鸟画精品 花鸟画作品大全
现代人生活水平的提高,开始讲求享受,布置家居更是一丝不苟。在选择一些吉利的物品(如佛像、陶瓷、花瓶、石龟、金鸡等) 做装饰外,还喜欢选择一些挂画来做装饰品,以体现自己的修养和品位。讲求吉利的人在选购挂画时,不仅要求美观,而且还要有利风水,因此客厅里怎么挂画好看,注意到这两点选择挂画就变得容易多了。
花鸟画精品,家中挂几幅吉祥的国画花鸟画 ,补充不足,调节风水,会很好的令您的福气、财气、人气样样充沛,财运亨通,无论是日常的居家生活中,还是在喜庆的日子,现代家庭都很喜欢在墙面上挂些吉祥花鸟画,来装点墙面,或改变家庭的布局,以显示主人的格调与品位。
牡丹锦鸡图 张洪山工笔画作品《锦上添花》作品出自:易从网
【作品解析】这是一幅牡丹锦鸡图,图中秀石两旁环绕一丛盛开的牡丹; 秀石上,一对锦鸡相伴而立,交颈偎依; 右上侧一支玉兰伸向牡丹花,使整个画面尽显冰洁、艳丽之美。作品中锦鸡配花卉寓意锦上添花、前程锦绣等吉祥意思。
在这幅作品中,作者用笔工致而不显刻板,着色醇厚而不流于俗腻,画风素洁明快,既有应物象形的写生功底,又不乏变幻合宜的适度夸张,显得和谐、统一。
牡丹自古就是富贵之花,雍容华贵、富丽端庄、芳香浓郁, 素有“国色天香”之美称,被誉为富贵吉祥、繁荣昌盛的象征,是非常适合悬挂在家中客厅中,国画牡丹是客厅吉祥风水字画的较好选择。
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花鸟画精品,在国画艺术中,花鸟画艺术拥有着极为独特的艺术韵味,包含了中国文化中追求高雅欣赏水平,以及对自然的崇拜精神,凝聚了我国数千年文化的智慧结晶和高超的艺术成就。花鸟画贵在传神,更能引起人们心中对美的追求,特别的适合家居环境,是家居挂画的首选。
风水字画有形有象,在易经风水来看,有其形其象则必有其气。在家居风中,风水字画不可缺失,正确选择风水字画,有利于家庭健康幸福美满。而国画花鸟画的当代意义在于对生命意识的表达,在于对自然和谐价值观的追求,而现在处于新社会中的画家所作花鸟画则表达画家对大自然、对生活的热爱之情。一直深受大家的喜爱,所
以家居挂国画花鸟画不仅预示着在事业上能够步步高升,还可以在生活上幸福美满,是家居风水挂画的首选佳作。
刘海军六尺横幅花鸟画作品梅花图《报春图》作品出自:易从网
【作者介绍】刘海军作品笔力苍劲,色墨并用,浓淡皆宜,清新自然,雅俗共赏,整体效果生动。其作品多次参加国内外画展并受到书画界人士的广泛好评。刘海军画的梅花,有清雅素颜的风韵,有简有繁,简则简练而不单调,繁则丰富而不杂乱,秒造天然。他画的梅花品种多,无论红梅、墨梅、白梅、粉红梅、紫梅,总成佳构,异彩纷呈,气韵生动,大得造化天然之神工。
刘海军先后在汕头、潮州庵埠等地举办个展,深受好评。他画的梅花已被越来越多的群众喜爱,作品曾先后参加全国及各类书画大展并获奖。 其水墨山水浓墨沉着老辣,浓而不滞。淡墨浑厚滋润,淡而不薄。干墨毛厚松灵,干而不燥,湿墨湿润不臃肿,湿而不滞,非常有品位。
1989作品《迎春图》巨幅梅花被北京人民大会堂收藏;
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餐厅挂画不只是为了悦目,还装饰了餐厅环境,合理的挂画非常重要,不仅增进进餐之间的感情,也为餐厅墙面增添一丝生机和灵性,寓意吉祥和美好,起到锦上添花之效。今天易从网给大家简单讲解一下餐厅挂画的常识,以便能够帮助到大家。
1、餐厅面积有限,选择字画时应以四尺斗方、三尺斗方、三尺为宜,应以果蔬画、花鸟画为主,营造温馨的进餐环境和烘托室内高雅的艺术气息。
2、餐厅字画的选择不宜选择颜色过于深沉的图案,应以明净清新的花鸟画和果蔬画为主,增进进餐食欲。
3、餐厅挂画位置不宜太高,以餐厅墙面的居中位置悬挂为佳,不宜悬挂过高,以边缘和视线平衡即可。
总之,餐厅挂画之常识至关重要,餐厅挂画的选择以营造餐厅的氛围,定能为居室增添一丝美感和灵动的气息。 易从网精品推荐:
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