范文一:关于国画“画如其人”的探讨
关于国画“画如其人”的探讨
摘 要:中国画中有一个重要的美学理论是“人品会反映在画中”。作为画家心血结晶的美术作品,本身的价值会受到画家自身修养的影响。本文通过对人品与画品随时间的演变过程分析,着重从二者的关系入手,对于“人品即画品”的理论从科学方面予以阐释,并对它们之间的关系作出探究。
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关键词:国画;“画如其人”;人品
0 前言
丹纳提出:“艺术家的心理受社会法制的影响,艺术家的心理又直接反映在其作品中。”艺术家用自己独到的视角去观察世界、感受社会、体会政法后,会将自己独到的体会赋予其作品中。同样是书法作品,曹操的作品如金花落地,嵇康的作品像抱琴半醉,王羲之的作品勇士拔山。黑格尔提出:“作品价值一般定义上是艺术家所有的体现形式和格调,还会彻底地显现出他人品的一些特性。”《文心雕龙》的作者刘勰应用专论论述了人品在艺术价值中起到的重要作用,表明了人品和艺术价值之间的紧密联系。
1 人品决定画品论对中国画发展的正面影响和负面影响
1.1 正面影响
随着绘画的发展,宋朝时期的绘画水平可以精确地再现事物的本来面貌,这是绘画史的一个重大进步。画作是人类的精神表达方式,是人类、情感的具体表达方式,是事物的真实再现。从“形似”中超脱出来,绘画的风格才能获得更大的空间。这就导致绘画产生的艺术理念是发自于形而上的宇宙生命观的“气论”,从而进展到对人精神面的探究,从人物作品发展到山水花鸟领域,从而更加把艺术体裁引向艺术家本身。“气韵”是一个人精神的显现,这种显现可以通过画笔来体现。艺术家变成了审美的主体,而作品只是一个媒介。这个观念最终产生了西方绘画界中“重内在,轻外观”的绘画写意作品。其出于传统的工笔画作品,走向半工半写,逐渐走向小写意,最后发展为大写意。中国画的写意作品不重视外形,但并非抛弃外形,而是追求一种“不似之似”的境界。明朝的沈颢提出“似是而非,非中显是”的绘画观念;清代的石涛提出“变幻神奇懵懂间,不似似之当下拜”;齐白石在其历史基础上延伸“最奇妙的点就在于其似与不似的界定上”。中国的写意画作品保留了一定的形似成分,但也具有很强的抽象表现性。其本身不限于单纯的物象模拟,也不是完全抽象的绘画元素之间的单纯组合。不局限于具体的物象中,更加有利于人们理解,给观赏者提供更加自由的想象空间,而不是像西方那样把抽象画走向极端,需要文字进行介绍人们才能明白其含义。写意画是强调用书法用笔,以“写”为重要的表现手法。书法用笔可以将书法中提按、顺逆、轻重、刚柔、干湿、圆侧、疾徐等手法更好的发挥,和绘画形象有机融合在一起。除了绘画形象所特有的审美因素以外,还会表现出流动的韵律,流露出作者的真情实感,渲染艺术家的感情。
总体来说,艺术家可以把所有体现人品的诗书画糅和在一起,让其成为一个综合性的艺术作品,更加丰富写意绘画的内涵,让其能够用有限的笔墨描绘出无限的精神内涵。
1.2 负面影响
人品画品论对于中国画的持续发展,产生了一定范围的负面影响。
首先,导致绘画作品选材和表现形式的单一、片面性。因为在艺术作品创作中对人品的强调,绘画作品成了文人修身养性的工具。同时受儒家寓情于物的理论影响,梅兰竹菊、孤松傲柏因常被附加高洁、谦逊、顽强、坚贞等正面品质,成为了文人们的钟爱。这就导致了这些物象在花鸟画、山水画中经久不衰,使作品选材出现了局限性和单一性。此外,把绘画作为修身养性的工具会留下“重抒情,而轻外形”的影响,对于国画中山水花草的描绘有着很大的?S意性,而国画中人物画由于在造型方面的要求过于严谨而走向了低谷。由此看来,
虽然随着人品画品论的发展,导致寓情于景的花鸟画和山水画走向了一个发展时期,但是也导致了相对严谨复杂的人物画受到了一定限制。
其次,人品画品论使审美偏离了艺术作品本身。由于古代提出的人品画品论造成了这样一种现象:社会地位高的人,其艺术作品也必然会受到社会群体的重视,即使作品不好也会受人吹捧,形成了人品、地位高于画品的不良氛围。如果有些艺术家因为地位显赫,后世的评论家不论其作品如何,甚至是一时涂鸦之作,都会对其进行一味赞美,把一些没有水平的画作也当作精品,给后世之人带来了很大的不利影响。董其昌的相关作品在清代圈内对其评价多溢美之词,后世之人往往感觉太过浮夸,言过其实,把庸品当成精品来看。董其昌自己本身是一个“亏小节”的人,若果从人文道德方面讲,他的“人品”并不高尚。但如果一个画家的大节已亏,再好的作品也会被世人唾弃,如书法家严嵩、蔡京等人。清代傅山评价元朝的南宋遗老赵孟?\的作品“薄其为人,痛恶其书浅俗,如徐偃王之无骨”。但是,这种将非艺术因素引入到对艺术家艺术作品的评价当中是有失公允的。和这种现象同时存在的是,一些名气不响亮或者所谓的人品低的人,其创作的艺术作品也不会被评论家们所重视,抑或对其轻视,但经过岁月的洗礼,这些作品会绽放出其本身的光芒。诸如吴镇的作品,因为少时出身低微兼家庭贫困,生前的艺术作品不受人重视,直到明朝中期的时候才渐渐被社会认可。如今有黄秋园的作品,生前在艺术界受人排挤、诋毁,死后被推崇为艺术大师,这不得不说是一个讽刺。人品画品论可能会让评论家在评价作品的时候出现一定的视盲,体现出此种理论下的发展局限性。还有一种现象的推论,就是有一些人品不高的艺术家,他们的优秀作品因为“人品”原因埋没于滚滚历史长河。
2 辩证地看待国画中人品与画品的关系
在唐宋元明时期,尽管提倡人品画品论,但却并不把它当作核心性的东西来对待。最基础的东西还是注重对绘画技艺的培养,有优秀的作品同样会受世人尊敬。所以,这个时期的绘画精品追求将书法用笔和写意画风有机的糅合在一起,体现画家扎实的创作造型能力。明清时期以来,画品人品论越来越成为人们心中的公理,对于外形描绘放松,一味追求写意的现象开始蔓延,最终使中国画界丧失了多样性画作风格,减少很多有力的作品。反观晋元时期,人们仅仅把绘画看作一项技艺去对待,就算没有多少气节和修养气度,同样可以创造出举世闻名、流芳百世的艺术作品。国画艺术作品能深刻地显露出艺术家是一个怎样的社会人,这已经作为一条公理被大家所认同。作品品质的好坏必然会受到艺术家人品的影响。画品即人品,清朝王昱提出“笔墨之外要有正大浩然之气”的观点。杨雄提出:“言为心声,书为心画,声画形,君子小人见矣。”由此看来,人品画品论是站得住脚的。然而,有了好的人品还要匹配好的绘画技艺加以表达,这就需要一定的绘画专业知识加以铺垫了。文人广泛采用逸笔草草、不求形似的绘画手法,但还是需要不似之似,这就需要经过专业的培训来完成。专业技巧始终是限制艺术家创作的主要因素,技艺不高则会造成一种“心思万千口难开”的局面。如此看来,人品好,画品不一定高。如果我们公正地予以评判,也就不会再去阿谀奉承那些流传于世的庸作。
参考文献:
[1] 张雪婷.画如其人――浅谈董其昌的“人格分裂”[J].美与时代(中),2014(01).
范文二:关于国画“画如其人”的探讨[Word文档]
关于国画“画如其人”的探讨
关键字:关于,于国,国画,如其,其人,探讨 关于国画“画如其人”的探讨 本文为Word文档,感谢你的关注,
摘 要:中国画中有一个重要的美学理论是“人品会反映在画中”。作为画家心血结晶的美术作品,本身的价值会受到画家自身修养的影响。本文通过对人品与画品随时间的演变过程分析,着重从二者的关系入手,对于“人品即画品”的理论从科学方面予以阐释,并对它们之间的关系作出探究。
关键词:国画;“画如其人”;人品
0 前言
丹纳提出:“艺术家的心理受社会法制的影响,艺术家的心理又直接反映在其作品中。”艺术家用自己独到的视角去观察世界、感受社会、体会政法后,会将自己独到的体会赋予其作品中。同样是书法作品,曹操的作品如金花落地,嵇康的作品像抱琴半醉,王羲之的作品勇士拔山。黑格尔提出:“作品价值一般定义上是艺术家所有的体现形式和格调,还会彻底地显现出他人品的一些特性。”《文心雕龙》的作者刘勰应用专论论述了人品在艺术价值中起到的重要作用,表明了人品和艺术价值之间的紧密联系。
1 人品决定画品论对中国画发展的正面影响和负面影响
1.1 正面影响
随着绘画的发展,宋朝时期的绘画水平可以精确地再现事物的本来面貌,这是绘画史的一个重大进步。画作是人类的精神表达方式,是人类、情感的具体表达方式,是事物的真实再现。从“形似”中超脱出来,绘画的风格才能获得更大的空间。这就导致绘画产生的艺术理念是发自于形而上的宇宙生命观的“气论”,从而进展到对人精神面的探究,
从人物作品发展到山水花鸟领域,从而更加把艺术体裁引向艺术家本身。“气韵”是一个人精神的显现,这种显现可以通过画笔来体现。艺术家变成了审美的主体,而作品只是一个媒介。这个观念最终产生了西方绘画界中“重内在,轻外观”的绘画写意作品。其出于传统的工笔画作品,走向半工半写,逐渐走向小写意,最后发展为大写意。中国画的写意作品不重视外形,但并非抛弃外形,而是追求一种“不似之似”的境界。明朝的沈颢提出“似是而非,非中显是”的绘画观念;清代的石涛提出“变幻神奇懵懂间,不似似之当下拜”;齐白石在其历史基础上延伸“最奇妙的点就在于其似与不似的界定上”。中国的写意画作品保留了一定的形似成分,但也具有很强的抽象表现性。其本身不限于单纯的物象模拟,也不是完全抽象的绘画元素之间的单纯组合。不局限于具体的物象中,更加有利于人们理解,给观赏者提供更加自由的想象空间,而不是像西方那样把抽象画走向极端,需要文字进行介绍人们才能明白其含义。写意画是强调用书法用笔,以“写”为重要的表现手法。书法用笔可以将书法中提按、顺逆、轻重、刚柔、干湿、圆侧、疾徐等手法更好的发挥,和绘画形象有机融合在一起。除了绘画形象所特有的审美因素以外,还会表现出流动的韵律,流露出作者的真情实感,渲染艺术家的感情。
总体来说,艺术家可以把所有体现人品的诗书画糅和在一起,让其成为一个综合性的艺术作品,更加丰富写意绘画的内涵,让其能够用有限的笔墨描绘出无限的精神内涵。
1.2 负面影响
人品画品论对于中国画的持续发展,产生了一定范围的负面影响。
首先,导致绘画作品选材和表现形式的单一、片面性。因为在艺术作品创作中对人品的强调,绘画作品成了文人修身养性的工具。同时受儒家寓情于物的理论影响,梅兰竹菊、孤松傲柏因常被附加高洁、谦逊、顽强、坚贞等正面
品质,成为了文人们的钟爱。这就导致了这些物象在花鸟画、山水画中经久不衰,使作品选材出现了局限性和单一性。此外,把绘画作为修身养性的工具会留下“重抒情,而轻外形”的影响,对于国画中山水花草的描绘有着很大的,S意性,而国画中人物画由于在造型方面的要求过于严谨而走向了低谷。由此看来,虽然随着人品画品论的发展,导致寓情于景的花鸟画和山水画走向了一个发展时期,但是也导致了相对严谨复杂的人物画受到了一定限制。
其次,人品画品论使审美偏离了艺术作品本身。由于古代提出的人品画品论造成了这样一种现象:社会地位高的人,其艺术作品也必然会受到社会群体的重视,即使作品不好也会受人吹捧,形成了人品、地位高于画品的不良氛围。如果有些艺术家因为地位显赫,后世的评论家不论其作品如何,甚至是一时涂鸦之作,都会对其进行一味赞美,把一些没有水平的画作也当作精品,给后世之人带来了很大的不利影响。董其昌的相关作品在清代圈内对其评价多溢美之词,后世之人往往感觉太过浮夸,言过其实,把庸品当成精品来看。董其昌自己本身是一个“亏小节”的人,若果从人文道德方面讲,他的“人品”并不高尚。但如果一个画家的大节已亏,再好的作品也会被世人唾弃,如书法家严嵩、蔡京等人。清代傅山评价元朝的南宋遗老赵孟,\的作品“薄其为人,痛恶其书浅俗,如徐偃王之无骨”。但是,这种将非艺术因素引入到对艺术家艺术作品的评价当中是有失公允的。和这种现象同时存在的是,一些名气不响亮或者所谓的人品低的人,其创作的艺术作品也不会被评论家们所重视,抑或对其轻视,但经过岁月的洗礼,这些作品会绽放出其本身的光芒。诸如吴镇的作品,因为少时出身低微兼家庭贫困,生前的艺术作品不受人重视,直到明朝中期的时候才渐渐被社会认可。如今有黄秋园的作品,生前在艺术界受人排挤、诋毁,死后被推崇为艺术大师,这不得不说是一个讽刺。人品画品论可能会让评论家在评价作品的时候出现一定的视盲,
体现出此种理论下的发展局限性。还有一种现象的推论,就是有一些人品不高的艺术家,他们的优秀作品因为“人品”原因埋没于滚滚历史长河。
2 辩证地看待国画中人品与画品的关系
在唐宋元明时期,尽管提倡人品画品论,但却并不把它当作核心性的东西来对待。最基础的东西还是注重对绘画技艺的培养,有优秀的作品同样会受世人尊敬。所以,这个时期的绘画精品追求将书法用笔和写意画风有机的糅合在一起,体现画家扎实的创作造型能力。明清时期以来,画品人品论越来越成为人们心中的公理,对于外形描绘放松,一味追求写意的现象开始蔓延,最终使中国画界丧失了多样性画作风格,减少很多有力的作品。反观晋元时期,人们仅仅把绘画看作一项技艺去对待,就算没有多少气节和修养气度,同样可以创造出举世闻名、流芳百世的艺术作品。国画艺术作品能深刻地显露出艺术家是一个怎样的社会人,这已经作为一条公理被大家所认同。作品品质的好坏必然会受到艺术家人品的影响。画品即人品,清朝王昱提出“笔墨之外要有正大浩然之气”的观点。杨雄提出:“言为心声,书为心画,声画形,君子小人见矣。”由此看来,人品画品论是站得住脚的。然而,有了好的人品还要匹配好的绘画技艺加以表达,这就需要一定的绘画专业知识加以铺垫了。文人广泛采用逸笔草草、不求形似的绘画手法,但还是需要不似之似,这就需要经过专业的培训来完成。专业技巧始终是限制艺术家创作的主要因素,技艺不高则会造成一种“心思万千口难开”的局面。如此看来,人品好,画品不一定高。如果我们公正地予以评判,也就不会再去阿谀奉承那些流传于世的庸作。
参考文献:
[1] 张雪婷.画如其人――浅谈董其昌的“人格分裂”[J].美与时代(中),2014(01).
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范文三:关于画的作文
本文关键字:
一天,我漫不经心地翻开了美术书,在不经意间,看到了一幅画。
那幅画不大,大约6厘米长,9厘米宽吧~整幅画色彩分明,给人一种莫名的好感。画上画的是我国伟大的画家—齐白石。齐白石那清瘦的脸上,布满了皱纹,白胡子已经长到了项前,给齐白石增加了近一些慈祥,一种亲切的感觉从我的心中涌了出来。
齐白石头上戴着一顶黑色的毡帽,花白头发从帽子里钻出来,他披着黑色的大衣,慈祥的眼神望着我们,使我们觉得格外亲切,他微笑着,好像遇到了什么开心的事情。
齐白石的脸部刻画得十分生动,好像沐浴在阳光中。他的眼睛栩栩如生,望向你的眼神时而慈祥、时而严厉,时而饱尽笑意。他身后是一株挺立在风中的红梅。有了红梅的衬托,齐白石显得更加平易近人。
这幅画带给了我心灵的震撼,他,已成为我灵魂的一部分。
范文四:画国画
画国画
画国画是我的爱好之一,我没事时就会画国画。我画的国画有葡萄、白菜、萝卜、梅花、荷花……可多了!我最初画的就是葡萄。我画的葡萄有:篮子里的葡萄、树上的葡萄、掉在地上的葡萄等等。下面我就说说我是怎样画葡萄的吧!
我先从中国画颜料里拿出藤黄、曙红等颜料,再拿出一根中号的毛笔,然后把毛笔放在装满水的杯子里,再把藤黄花菜三青调匀,就像画括号一样,两笔画一个葡萄,……你们一定会想:这么简单,谁都会。不过,在画国画的时候,你们就会知道:哎呀,太难了! 国画就是这样,看着简单,画着难,比如用墨的时候,要注意干湿,浓淡的变化……那是因为别人画国画,已经达到了相当的水平,就会觉得很简单。你刚刚学,当然会觉得难。
国画是我国的传统艺术,历史悠久。它不仅是中华民族传统文化艺术中璀璨的瑰宝、灿烂的明珠,而且在世界艺术领域中形成独特的体系而为世人瞩目。
我以后要多观察生活中的细节,多了解生活中的事物,多画国画,画好国画,长大了当一个有名的国画家。
范文五:画国画-小学生优秀作文
画国画-小学生优秀作文
画国画
我学习国画已经有二年了,画过菊花、丝瓜、茶花,到现在已经在画水仙了,这几种国画线条越来越复杂、线条越来越多、布局也越来越麻烦。就拿现在在画的水仙来说,它有五个大花苞,其中四个是绽放的,还有一个含苞待放,而叶子更是层层叠叠,几乎没有间隙,四五个不大的球茎下,又是长满了又细又长的、密密麻麻的根须,这几个球茎装在一个盆里,盆下还有一个矮矮的架子。从一开始看到这,就把我吓倒了,这么复杂的画怎么画呀~但老师要让我画,没有办法。在老师的指导下,画完了第一张、第二张、第三张……,但始终画不好花朵、叶片、球茎的位置,甚至画到后来,连线条也走样了。这样,画了二个多月,仍然画不出一张好看的水仙。老师见我一筹莫展,叫我去复印一张黑白的,然后在水仙叶子上逐片标号,并告诉我哪几个号应该重点关注。
从来没有关注水仙中到底有多少片叶子,这时,突然发现水仙的叶子真是不少,有七十六片之多。那根须更是不得了,比叶片要多得多。在老师的再次认真指导下,我重新思考、观察,按照老师的要求,一步一步、慢慢地画下去,果然一次比一次好,甚至还受到了老师表扬。
虽然在国画中付出了不少时间,但是也有不少收获,我的国画水平在慢慢进步,同时我也知道了,画国画不仅要有耐心,而且还要有正确的方法。
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