范文一:关于克劳德·莫奈的介绍
关于克劳德·莫奈的介绍
克劳德·莫奈(Claude Monet,1840年11月14日-1926年12月5日),法国画家,印象派代表人物和创始人之一。莫奈是法国最重要的画家之一,印象派的理论和实践大部份都有他的推广。莫奈擅长光与影的实验与表现技法。人物简介 莫奈是法国最重要的画家之一,印象派的理论和实践大部份都有他的推广。莫奈擅长光与影的实验与表现技
法。他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法,在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影,也看不到突显或平涂式的轮廓线。除此之外,莫奈对于色彩的运用相当细腻,他用许多相同主题的画作来实验色彩与光完美的表达。莫奈曾长期探索光色与空气的表现效果,常常在不同的时间和光线下,对同一对象作多幅的描绘,从自然的光色变幻中抒发瞬间的感觉。 印象派运动可以看作是19世纪自然主义倾向的巅峰,也可以看作是现代艺术的起点。克劳德·莫奈的名字与印象派的历史密切相连。莫奈对这一艺术环境的形成和他描绘现实的新手法,比其他任何人贡献都多。这一点是毋庸置疑的,印象派的创始人虽说是马奈,但真正使其发扬光大的却是莫奈,因为他对光影之于风景的变化的描绘,已到出神入化的境地。
人物生平
1840年10月14日,莫奈生于法国巴黎。父亲库路多、阿多洛夫、莫奈是一位商人,在法国北部港口阿弗尔与他的姐夫合伙经营着一家仪器店。莫奈5岁时。来致函父亲的身边。在当地就学后,他将学校视同牢狱,在悬崖和海边嬉戏的时光多于听课,故此学习成绩不佳,在班上总是排在倒数几名的位置上,这个孩子唯一的爱好是绘画,他常常在笔记本上作素描,以老师和同学为对象画漫画,日积月累,倒也掌握了一些绘画技巧。不过,父母对此不赞成。小莫奈乐此不疲,加上与生俱来的秉赋,几年过后,他的漫画居然开始在文具里展出并且出售。15岁的时候,莫奈在当地已小有名气,他为自己作品开出的价格是每幅20法郎。经过画商的介绍,这位少年画家被专门描绘海上风光的画家布丹所看中,二人从此结识。布丹动员他“学习用油画和素描来画风景”,乍开始莫奈并没在意,甚至是找借口有礼貌地加以拒绝。由于布丹的一片诚心,终于感动了这位少年。自学成才的布丹,习惯于在露天作画,他主张“一定要去寻找自然的纯朴的美”、“要顽强地保留最初的印象”。对此,莫奈也深以为然,因为在他的内心里也充满了对大自然的热爱。从1858年起,莫奈开始从布丹那里接受了有同于学院派的绘画思想,学习并动笔画外光画。布丹所强调的:要特别注意对所描绘对象的第一印象、要注意光。更是在他的心中深深地扎下了根。就在二人一起到户外作画的过程中,莫奈创作了一些有关阿弗尔港、海港、日出、海上小船等题材的作品。其中的1幅还与布丹的4幅作品一起在鲁昂的展览会上展出。 在布丹的建议下,莫奈于1859年5月到了巴黎。 在巴黎,他看到了特罗容、杜比尼、柯罗等人的作品之后,极为赞赏。经布丹介绍,莫奈与巴比松画派的画家有了接触,认识了该派代表人物之一的特罗容。特罗容提醒他“道德要进一个专门画人体的画室,要学习素描”,要“常常到乡村去画速写”。1860年,莫奈进了斯维赛学院,练习人体写生。这个所谓的“学院”,不过是一间画室,斯维赛是它的主人的名字,这里既不讲课,也没有考试,只要交上一点钱,就可以画人体模特儿。在这里,他接触到了后来成为印象派的一些画家,比如毕沙罗等。在这里,还创作了一些风景画。 这一年的秋天,经抽签决定莫奈需服兵役。此时,其父提出只要服从父母的意愿,安心在家做生意,就可以出钱雇人替他从军。莫奈对此毫不理会,毅然参军,入伍后被编入法国的非洲军团。不久,即随军到了阿尔及尔。在画家的眼里,非洲的景色与光线是美丽迷人的,经过部队的允许,他得到了可以作画的时间,在那里,他曾为队长的夫人画了肖像。 1862年初,因为
贫血,莫奈从军营回到阿弗尔家里养病。 这时他认识了荷兰画家琼康,并与琼康入布丹一起从事创作。布丹作画的纤细,琼康对动感的重视,以及二人注意捕捉第一印象的画风,都给这位初出茅庐的画家留下了深刻的印象。由于医生提出警告,如果莫奈回到非洲,将对他的身体极为不利,11月间,莫奈的父亲向当局提出了免除独生子兵役的申请,在交付了一定的费用之后,莫奈再次到了巴黎。并进入了古典派画家格莱尔的画室。在画人体的习作中,格莱尔要求大家按照古典的范画来修正自己的作品,要将人体描绘的尽量完美。莫奈则坚持准确、真实地反映模特儿的特点。他的主张得到了同室的巴齐依、雷诺阿、西斯莱的赞同。 这一年举办的沙龙落选画展中,莫奈看到了马奈的作品之后,受到了震动和启示。在1863年,借复活节的休假之机,莫奈将同窗的画友带到了巴黎南郊巴比松村附近的枫丹白露森林,在那里进行创作。在外光下,大家创作了一批具有巴比松风格的作品。 1864年,莫奈与这些画友离开了格莱尔的画室。来到了昂弗勒作画。在这里,莫奈的两幅描绘塞纳河的风景画《落潮的埃沃海角》与《昂弗勒港》,由于不同于学院派的造作手法,被选入1865年官方沙龙。这一年里,他在枫丹白露开始了大幅油画《草地上的午餐》的创作该作品于1866年问世。在总结了马奈同名作品在“沙龙落选画展”上引起的争议的基础上,莫奈是在画景之后才描绘的人物。画面上的人物朴实无华,具有自然的动感,显示了画家的现实主义功力。1866年,以恋人卡缪为模特儿,全身大幅肖像画《绿衣女》在同年的沙龙展出,该画受到了评论家左拉的好评;有一位诗人为作品乌 诗,被发表在《艺术家》杂志上;有的画商还要求莫奈根据原作再复制一件,准备送到美国去。由于这次的成功,家里恢复了对他经济方面的支持。 同年夏天,莫奈创作的《庭院里的女人们》,在1867年沙龙中落选。1866年的秋天,为了避开讨债的人,莫奈自毁了约二百幅作品后,回到阿弗尔。这时他的经济状况十分不妙,原因是父亲对于他和卡缪的关系很反感,从而断绝了经济上的支持,莫奈作品的销路又尚未打开。为了解决继续创作用的画布,他不得不将业已画好油画上的油彩刮掉,重复使用。1867年,怀孕的卡缪为莫奈的父亲所不容,留在了巴黎,莫奈住在姑母家。7月卡缪生下第一个孩子,只好请在巴黎的巴齐依作教父代为照顾。此后的几年中,莫奈始终在阿弗尔及其附近,与布丹、琼康,有时与库尔贝一起作画。在这个时期里,由于与父亲的关系紧张,经济拮据,生活艰难。为此,莫奈曾一度有过轻生的念头。1869年,他回到巴黎,参加了“盖尔波瓦咖啡馆”里艺术家的聚会。可能因为很早就离开了学校自感在受教育方面的不足,故而很少参与争论。这时他的穷困程度,从8月间写给巴齐依的信中可以看出,信中提到:由于雷诺阿送来的面包,才没有饿死。一个星期屋里没有炉火、没有照明。到了该月月底,颜料用光,不得不停止了作画。这时候的巴齐依也穷的典当了自己的表,雷诺阿连寄信的邮费都凑不齐。对于莫奈也是爱莫能助。 1870年6月,莫奈与卡缪正式结婚。9月,莫奈将妻、子托付给布丹照顾,只身一人去了伦敦。在那里与杜比尼、毕沙罗相会,然后,和毕沙罗一起在泰晤士河及公园中作画。在参观美术馆时,英国画家透纳(1775-1851)。康斯太勃(1776-1837)的作品,使其为之倾倒。为了给莫奈的作品找到销路,经杜比尼介绍,在这里认识了画商丢朗、吕厄。此人对于穷画家们表示了同情,在经济方面从此一直在支援着他们。 1871年初,父亲去世,莫奈离开英国。在杜比尼的动员下,到了荷兰并滞留到年底。在阿姆斯特丹,他看到了日本 的“浮世绘”版画之后,其中色调极富生气的风景画,给他留下了美好的印象。日后,他曾说到:它们的精致,使我欣喜。我赞成它们的美学原则,利用阴影引起实感,利用片断引起整体感。荷兰的港湾、运河、教堂、人家,特别是那里的风车,使他着迷。回到巴黎后,在马奈的帮助下,莫奈在巴黎以北的阿让特伊定居。对水情有独钟的这位画家,于1873年在塞纳河上建造了船上的画室,此后,他经常在船上作画。充分运用了不同方向,角度的光照、颤动的空气来描绘水及水面上的景物,通过鲜明的轮廓,阴影以及闪动的亮点,创伤了一批作品。此时,与他一起进行创作的还有西斯莱、马奈、雷诺阿。 1872年,莫奈创作了日后扬名于世的《日出·印象》。这幅油画描绘的是从远处
观望阿弗乐港口晨雾中日出的景象.它在1874年3月25日开幕的印象派画家第1次联合展览会上展出。这幅作品本不是莫奈画作中最典型的,但是,由于一位名叫勒鲁阿的评论家,在4月25日的《喧噪》杂志上,发表了题为《印象主义的展览会》的文章之后,此画才名声鹊起。该文对参展的许多作品逐地进行了潮讽,针对莫奈的《日出·印象》,他写道“糊墙花纸也比这海景更完整”。与这幅作品标题不无关系地,该文作者将这次展览会戏谑地称之为“印象主义的展览会”。加之莫奈本人曾经表述过“我所画的不过是印象而已”这样的观点,以及以他为首的这批年轻画家,确实注意捕捉对描绘对象的最初印象等因素,尽管这些画家中有要并不同意这个提法,但印象主义、印象派这个称号已经是不胫而走。以致在1877年第3次联展时,干脆将其用作展览会的标题。 1874年的这次联展,是由莫奈倡议并和朋友们一起组织的独立画展出 ,以摄影家纳达尔腾出的几间工作室为展厅,参展画家共有30多人,其中包括德加、毕沙罗、塞尚、雷诺阿、西斯莱、摩里索等。参展作品共165件,其中莫奈作品12件,通过这次展览,事实上确立了莫奈在印象派画家中的领袖地位,画家本人也已形成了用光、色的变化,来表现所捕捉的瞬里印象的画风。作为这一新画风的典型作品,当数这次参展的莫奈的油画《卡普辛大街》。 1875年,经济上再次跌入窘境的莫奈,又向朋友们伸出了求援的手。6月份,在给马奈的信中他写道:从前天起,已身无分文,肉铺和面包房都不再赊帐。你能够寄给我20法郎吗?1876年,在第2次联合展览会上,展出莫奈作品18件。对于此次展览,社会上反映比较冷淡。莫标的油画《穿和服的女子》,以2千法郎的高价售出。同年,画家还创作了《火鸡》等作品。并开始了有关圣拉扎尔火车站的一系列创作。1877年,第3次联合展览会在丢朗、吕厄的画店中举办。展出作品共252件,莫奈作品30件。为了维持生计,画家以每幅40—50法郎的低价,卖给了画商肖凯一部分作品。 1878年3月,当卡缪生下第2个孩子的时候,莫奈又面临困境,他在写给左拉的信中说:家中无法生火,妻子又在病中,昨天我跑了一天也未借到钱。在另一封信中又说:如果明晚我付不出6百法郎,我们将被赶到街上。在生活的重压下,加上长期与官方沙龙对立的结果,背离了当时被多数人维护的路线,这时的莫奈已在考虑如何适时抓住机遇,改善个人处境。于是,在1880年将自己的两件作品送交了沙龙,莫奈此举被德加视为“变节”印象派画家之间出现了裂痕。为此,莫奈没有参加第5、6次联展。 进入80年代,大海成了莫奈新的创作源泉。此后的几年当中,在英法海岸,埃托塔等地,莫奈多次捕捉光与影的瞬间效果,创作了一批较之以前更富有冲击力的作品,为此有人将这一时期称作莫奈的“埃托塔时代”,图31、32是这个时期作品中的两件。 1882年3月1日,第7次联合展览会开幕,据马奈说:在这里,他“发现了印象主义的全部光辉作品”。这次展览中有莫奈作品35件。1886
年的第8次联合展览,也是最后的一次,莫奈没有参加。它标志着印象主义运动的解体。 自1883年,当43岁的莫奈(Claude Monet)在离巴黎80公里的Giverny小镇上买下他的房子时,他似乎觉得他要在这里度过他的余生了。吉维尼小镇Giverny是法国西海岸诺曼底典型农村,位于巴黎沿塞纳河到鲁昂的中间。住所内环境幽美,景色宜人,有林荫路、花坛、池塘、小桥┉画家晚年的许多作品都是在这里完成的。事实上,莫奈在此居住了43年之久,其间建成了他房前的小花园。又在10年后,他买下了与他的小屋隔着一条铁路遥遥相望的那片土地,借着Epte的支流Ru河,他又建成了他的小池塘,又称水园。莫奈在此以他的花园和水园为题,创作了不少流世的大作。莫奈定居后,再也没有迁居。 1889年6月,为了纪念法国大革命一百周年,莫奈与罗丹两位大师举办了作品的联合展出,其中包括1864—1889年莫奈的作品66件,博得了好评。 进入90年代,莫奈创作了若干组作品,即“组画”。所谓的“组画”,就是画家在同一位置上,面对同一物象,在不同时间、不同的光照下,所作的多幅画作。这大概是莫奈晚年作品中的一个特色。比如1890—91年间,对同一干草垛,画家分别对在不同季节的早、午、傍晚的阳光下,物体所呈现出的不同色彩,任职多达15次的描绘,图44、45是其中的两幅。在1891—92年间,以同样的作法创作了“白杨组画”,图
46、47是其中的两幅。1900—04年间,创作了“伦敦风光组画”,图51是其中的一幅。当1892—974年创作“鲁昂大教堂组画”时,莫奈租下了教堂对面的一间房子,从天明开始动笔,随着阳光的变化作画,一天下来,作品竟有20件,图48、49是其中的两幅。在进行这种创作时,他常常是很早起来,满载着成车的画布,根据日光的变化,每隔两个小时改画一幅。在80年代末、90年代初创作的组画还有《睡莲》。1900年11月,在丢朗、吕厄的画廊展出莫奈的《池中睡莲》组画26件,获得极大成功。1904年,又在该画廊展出了刚刚完成的有关泰晤士河风光的组画。 1908年9—12月,莫奈与夫人阿里斯一起前往威尼斯旅行。南国的风光、温和的气候、湿润的空气,映在水面上的白云、建筑物,这一切都激起了画家的创作欲望。在这里他创作的作品达30多件。图52、53是这些作品中上两件。 1911年5月,继1879年莫奈夫人卡缪去世后,他的第2位妻子阿里斯又先他而去。画家深陷于悲痛之中,视力也随之下降。1914年,47岁的长子在长期患病后不幸亡故,已是高龄 的莫奈更是形单影孤。在老朋友,曾任法国总理的克雷孟梭的劝说下,莫奈在自己的庭院中建成了长23米、宽20米、高15米的大画室,并着手创作大型装饰画《睡莲》毓系列。1922年3月,他决定将完成后的该大型装饰画捐献给自己的祖国,4月12日,他在“赠与书”上签了名。不久,由于白内障,画家几乎丧失了视力,9月,被医生禁止作画。转年后,经过手术,视力有所恢复。1925年,85岁的老画家独自一人,又在画定室、室外投入了大型壁画的创作之中。在人们期待的目光里,这件足以反映出画家对光与色认识的深度,描绘技巧娴熟的大型壁画《睡莲》,业已耗尽了他的全部心力。就在这件巨作完成的第2天、1926年12月6日,这位仅存的印象派大师永远地告别了人间,按照既定计划,《睡莲》被安置于卢浮宫旁、原法王亨利二世王后的土伊勒宫里宫中桔园的 园形大厅,作为永久性陈列品。1927年建成的该厅,被誉为“印象派的西斯廷礼拜堂”。(西斯廷礼拜堂内有波提切利等名家壁画,特别是米开朗琪罗的《最后的审判》,更是驰名世界)按照死者生前愿望,在他去世的第2天上午,举行过简单的告别仪式之后,即将遗体安葬于当地莫奈夫人的墓地。送葬的除去一些艺术家外,还有当地的群众,以及克雷孟梭,期间并未安排讲话,献花等。在静静中大家送走了这位艺术大师。
代表作
《日出·印象》
《干草垛》
《阿尔让特伊大桥》
《阿尔让特伊的帆船》
《鲁昂大教堂》
《睡莲》
莫奈最喜欢画水。他搬到席芬尼后不久,就引溪水筑池,在池里种了黄、红、蓝、白和攻瑰色的睡莲。他对这些花的爱好,与日俱增,前后将近30年,屡画不厌,并且越画越大越抽象。在他晚年所绘的巨幅油画前,观者会有悬身于怪异水世界上空的感觉,看着白云的倒影在睡莲巨叶间的水面滑过。莫奈晚年最得力的朋友,是第一次世界大战时的法国总理克雷
芒梭。有一天莫奈对克雷芒梭说,他想造一间陈列室,四壁满挂巨幅睡莲画,好让人在这炮火连天的世界里,有个可以静思的地方。克雷芒梭鼓励他进行这项计划。可是莫奈的目力日渐衰退,常因力不从心而忿怒地把画布割破,并曾有一两次说要放弃这个计划。忙得不可开交的总理听了,便从内阁办公室赶往席芬尼劝这位老人不要气馁。“画吧,画吧,不管你自己知道不知道,会有不朽之作的.”克雷芒梭没有说错。莫奈为纪念第一次大战休战献给法国,在巴黎橙园陈列的《睡莲补壁》油画,公认是莫奈最超卓的作品。他接受白内障手术后,目力颇有进步,因此得以在暮年继续作画。有时仍会暴躁而把画布割破。不过在得心应手的时候,他自知已几乎实现了少年梦想,把“不可能画得出的空气美”差不多画了出来。他86岁去世,死前不久,他从席芬尼写的信里还说他在一天工作中得到无比欢乐。
1.《日出·印象》
这幅名画是莫奈于1872年在阿弗尔港口画的一幅写生画。他在同一地点还画了一张《日落》, 在送往首届印象派画展时, 两幅画都没有标题。一名新闻记者讽刺莫奈的画是"对美与真实的否定, 只能给人一种印象"。莫奈于是就给这幅画起了个题目——《日出·印象》。它作为一幅海景写生画, 整个画面笼罩在稀薄的灰色调中, 笔触画得非常随意、零乱, 展示了一种雾气交融的景象。日出时, 海上雾气迷朦, 水中反射着天空和太阳的颜色.岸上景色隐隐约约, 模模糊糊看不清, 给人一种瞬间的感受。
当1884年莫奈和一群青年画家举办展览时,这幅《日出·印象》遭到了诽谤和奚落。有的评论家挖苦说:“毛坯的糊墙纸也比这海景完整!”更有人按这幅画的标题,讽喻一莫奈为首的青年艺术家们为“印象派”,于是“印象主义”也就成了这个画派的桂冠。
该画1985年前被抢劫,据法国被盗艺术品侦缉处1990年12月6日,在科西嘉岛一座别墅中查获。
2.《干草垛》
进入90年代,莫奈创作了若干组作品,即“组画”。所谓的“组画”,就是画家在同一位置上,面对同一物象,在不同时间、不同的光照下,所作的多幅画作。这大概是莫奈晚年作品中的一个特色。比如1890—91年间,对同一干草垛,画家分别对在不同季节的早、午、傍晚的阳光下,物体所呈现出的不同色彩,任职多达15次的描绘。
3.《打伞的女人》
这件作品是莫奈早期的印象技法画作。画面正中偏右站着一位撑阳伞的女仕,而画面偏左较远处的就是她的儿子。这是一个晴天的早上,两母子在草地上漫步。
整幅画只用了简单的蓝、绿、棕等自然的色彩,给人一种宁静舒适的感觉。画中的女仕占了画面大部份的空间,成为画的趣味中心。但左侧的小儿子与阳伞和女仕也构成一个三角形,得到一个平衡的作用。
虽然此画是莫内早期的作品,但也可见他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。画中女仕面部和上半身都用上较暗的色彩,表明是处于阳伞的阴影之下。而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区,与女仕衣裙上向光一面的光影形成对比(小儿子方面也一样),就如
现实中看到的一样。另外,女仕摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感??
4.《阿尔让特伊大桥》
【画作名称】《阿尔让特伊大桥》
【创作者】克洛德·莫奈(法国)
【创作年代】1874年
【类别】布面油画
【风格】
【题材】风景
【规格】60cm×80cm
【材质】布 油彩
【存藏处】巴黎 奥赛博物馆藏
【作品赏析】 该画是一幅充满阳光的风景,各种冷暖的色点与絮乱的小笔触,在深思熟虑中被组合进画面,使画面阳光灿烂、风和日丽,洋溢着色彩的旋律。强烈的光被分散到树丛、河流、大桥上,一切都被光所包裹,使阿尔让特伊大桥成为光的杰作。这也是画家艺术个性的表现。
1.莫奈《日本的桥》所描绘的真实图景。称为Japanese Bridge。
2. 有人要求桥宽足以允许小型拖拉机和拖车穿越。设计模仿了此人曾参观的在罗斯柴尔德(Lord Rothschild)家族在南安普顿(Southampton)居所附近的Exbury Hall的设计。该建筑使用英格兰橡木成品和金属装饰,尽管基本上隐而不见,还是能看出是不锈钢的。桥板由交替的厚夹板组成,有助于拖拉机还有徒行者穿越拱桥的时候抓住桥面。 5.《睡莲》
这是画家1908年的作品,是他著名的睡莲系列作品之一,苏富比估价为1000万至1500万美元。苏富比一年前顺利拍卖了莫奈的另一幅《睡莲》。
6.《鲁昂大教堂》
《鲁昂大教堂,从正面看到的大门,棕色的和谐》1892 克劳德·莫奈 油画 107×73 cm 奥塞博物馆1907年从画家手中购藏
《棕色的和谐》这幅画显然是在一天下午画的;当时天气阴冷,气氛忧郁,光线晦暗而又沉闷,只见大教堂耸立于一片灰色的天空下,画面上用的是赭石色。灰色的大钟,四周细细涂抹了一点既蓝而又带深灰的颜料,中央部分用的却是黄褐色。中央三扇大门如同三个黑沉沉的洞穴;那木门的深暗色今日仍可从画面上看出来。在以灰色为主的这种深暗色度的调和之中,我们仍可看到停留在各种雕塑上的光的符号,因为这些雕塑是用少量活跃的色彩绘出的。彩绘玻璃窗上的蔷薇花饰,在正中大门小尖塔后面用的是沉浊的蓝色,因而清晰可见。莫奈所关注的正是这一点;总之不是建筑物本身,而是光线所演绎出的“悲喜剧”。作家、艺术评论家古斯塔夫-热弗鲁阿在欣赏了莫奈二十几幅有关教堂的绘画后,称赞这些画“画出了生命在光线变幻的时时刻刻所呈现出的永恒美”。
1892年,克劳德·莫奈在其生前的最后居住地吉维尔尼安定下来后,便动身去了鲁昂,处理一件家事。这古老的城市已实现工业化,港口呈现出一派欣欣向荣的勃勃生机。画家在此捕捉到了一幅他在其绘画生涯中所见过的最美的图景之一——鲁昂大教堂。此大教堂是献给基督的母亲圣母的,是法国最为雄伟的一座哥特式建筑。教堂于 12世纪开始建造,13世纪因遇大火而重建,到16世纪才建成今天这个样子。
哥特式建筑在相当长的一段时间内一直备受漠视,被认为太过粗俗;到18世纪末被重新发现,经过分析论证后得到修复;最后得到了1791年创办于巴黎的法国古建筑博物馆的正式确认。到19世纪30年代,浪漫时期的诗人和小说家从中找到了黄金时代的影子;主张把纯净清新的中世纪艺术重新发掘出来。1837年成立的古建筑委员会因而担当起了修葺和恢复古建筑的重任,此热潮随着19世纪鼎鼎有名的大建筑师欧仁-艾玛纽埃尔·维奥莱公爵所展开的拯救行动而达到顶峰。他的这一行动,受到了时任古建筑总巡视员的作家普罗斯佩尔·梅里美的支持和鼓励。
在此之前,已有英国的波宁顿和透纳以及保尔·于埃和柯罗等浪漫派画家,将鲁昂大教堂作为其绘画的主题。印象派之前的画家,如布丁和容金德,以及随后的卡米耶·毕沙罗,对此图景所得出的印象仍属传统范畴,即高耸而又别致的教堂身影,在周围的景色中清晰地显现出来。
1892年2月至4月中旬及1893年,莫奈在两次大行动中为此教堂绘制了30余幅油画。他是从三个不同的位置画的。第一个位置差不多选在教堂的正对面,即一家衬衫店。商店内的工人来来往往,使得他无法工作;他于是又在一家时装店二楼的试衣间安顿下来;由于顾客的埋怨不绝于耳,画家只得用一扇屏风把自己同外界隔开。到了1893年,他又选了第三个地方;这一次,他经常从两个不同的角度同时作画,最多时候同时画14幅画,随着光线和时间的转换而不停地奔波于各帧画幅之间,努力捕捉色调和明暗的变化,树立起其色彩的构架。莫奈在这两次大的行动中所经历的探索、疑虑、困扰和失望,在他写给妻子艾丽丝的信中表露无遗。信中写道:“我每天都会有一些头天未曾见到的新发现;于是赶紧将其补上,但同时我也会失去一些东西。就这样,我在做常人难以办到的事??我已殚精竭虑,几乎要垮掉了。一天夜里,我的噩梦一个接着一个;我梦见,教堂不知怎么倒了下来,压在我身上;其颜色好像变成了蓝色,但很快又变成玫瑰色,最后竟又变成了黄色。”画家此前已就同一主题而在一天中的不同时段和不同光线下,从不同的视觉角度画了一大批画:1891年创作的《草垛》及《白杨树》便是这一时期的作品。对色彩斑斓的开阔视野情有独钟的莫奈,如今是第一次直接面对这巨大的、乍一看去几乎是单一色调的石头建筑。画家从他距哥特式教堂不到 50米的窗户望去,所看到的只是教堂的中央大门,大门左侧是圣罗曼塔楼,右侧为波尔塔楼,
二者的气派和风格全然不同。塔楼、中央大门、三角楣、拱形曲线、小连拱廊、尖形拱肋、大门三角楣以及雕刻精细的长廊,时而淹没于明亮的光线下,时而又处于暗影的笼罩之下;有时因诺曼底天空不断变幻的大气而在色调上造成难以言喻的微妙变化。莫奈所关注的正是这一点;总之不是建筑物本身,而是光线所演绎出的“悲喜剧”。
《棕色的和谐》这幅画显然是在一天下午画的;当时天气阴冷,气氛忧郁,光线晦暗而又沉闷,只见大教堂耸立于一片灰色的天空下,画面上用的是赭石色。灰色的大钟,四周细细涂抹了一点既蓝而又带深灰的颜料,中央部分用的却是黄褐色。中央三扇大门如同三个黑沉沉的洞穴;那木门的深暗色今日仍可从画面上看出来。在以灰色为主的这种深暗色度的调和之中,我们仍可看到停留在各种雕塑上的光的符号,因为这些雕塑是用少量活跃的色彩绘出的。彩绘玻璃窗上的蔷薇花饰,在正中大门小尖塔后面用的是沉浊的蓝色,因而清晰可见。
相反,《鲁昂大教堂》这幅画是莫奈在一天傍晚夕阳西下的时候改换窗口画出来的,存放于马尔莫当博物馆。如今仍保留着草图状态的这幅画,稍稍从侧面看去,其黄色和浅玫瑰色已随着侵入其基础部分的巨大蓝色暗影而看不出来了。在正中的三角楣顶端,阳光和暗影却异常分明;珊瑚红的笔触在门框处呈曲折状,为突出每个空隙处而使用的鲜红色和橙色,使得整个建筑熠熠生辉。各处雕塑则因用的是淡蓝色而基本上难以看出,塔楼上的尖形拱肋、小尖塔以及高过淡紫色大圆花饰的长廊都用的是这种颜色??阳光及各种折射光的明灭不定似乎都在使得建筑物得以形成,而又将其化解??除正门的上方,颜料都用得很淡。为恢复光的活力,莫奈发明了一种非常具体的“粗糙而又粘稠”的笔法。他的这些有关大教堂的画是在吉维尔尼的画室中完成的。
“鲁昂大教堂的巨大身影耸立于大地之上,同时又仿佛消失、‘蒸腾’于清晨的淡蓝色薄雾中;各雕塑作品的细节、各蜿蜒曲折的装饰以及各个空隙和凸起部分,在白天的时候会变得很清晰;黝黑的门洞宛如海洋中的‘波谷’,墙壁上的石块明显留有时光流逝的印迹,如今在阳光、苔藓和地衣的映衬下变成了金黄色和青绿色;建筑物底部在暗影的包围之下,顶部则被正在消失的夕阳余晖染成了玫瑰色;这是一首对古老教堂所占空间抒发的绝唱,而这座教学本身则是自然之力和人类创造之间的一次巧遇及其相互作用的产物。”作家、艺术评论家古斯塔夫-热弗鲁阿在欣赏了20几幅有关教堂的绘画后就孤独而焦虑的莫奈发表了一篇文章。这些画是画家在其朋友、印象派的最有力支持者、画商保罗·杜朗-卢埃尔的家中拿给他看的。他称赞这些画 “画出了生命在光线变幻的时时刻刻所呈现出的永恒美”。卡米耶·毕沙罗被他的朋友极富创新的力作折服了,而年轻画家们则对此没有多大热情。
对莫奈的作品评价最为中肯、理解也最为深刻的当推其多年好友——政治家乔治·克莱蒙梭。后者在一篇题为“教堂革命”的文章中写道:“灰暗的物体,其本身因阳光的照射而获得生命,获得给人们的感官以印象的能力。但这种围在物体表面、深入其内部、反射至外部空间的光波,始终处于杂乱无章的状态:有时如高耸入云的‘波涛’,有时如风平浪静的‘水花’,有时则像是一场‘急风暴雨’。物体正是依靠这种‘有生命’粒子的狂放不羁才得以显现出来,我们也正因为这种狂放不羁才可以看见物体,同时物体也正是因此才得以显出其确实存在;那么一件东西在光的照射下究竟是什么样子,这是我们现在必须弄清楚的,是画家所要阐明的,也就是通过画家之手来进行化解和重新组合。”的变化,他反复画同一景物,如他画的《草垛》、《教堂》系列。普法战争时,他避难于荷兰,研究了日本浮世绘版画,从而引起了画风的变化。晚期他作巨幅长卷式《睡莲》,成为印象派最伟大的风景画杰作。
莫奈有关鲁昂大教堂的系列绘画立刻获得了成功。曾对他大加鼓励的收藏家弗朗索瓦·德波向他买了一幅,并连同其他收藏一起捐赠给了鲁昂博物馆。在巴黎,虽然国家对克莱蒙梭提出的由国家将这批绘画全部买下的强烈建议未予理睬,作为艺术保护人的伊萨克· 德·卡蒙多伯爵,却在1894年直接从画家手中购买了其中的4幅,并慷慨地将这些画交由国家收藏,从而使我们今日有幸能在巴黎奥塞博物馆一睹为快。卡洛琳·马蒂厄(文)
莫奈生活年表
1840年 11月14日出生于巴黎拉菲尔
1856年 开始学习绘画,结识艺术家欧仁·布丹
1857年 母亲去世
1858年 随布丹到户外创作,开创了绘画的新想法
1859年 到巴黎学习绘画,结识了卡美伊·毕沙罗
1861年 应征入伍,被派往阿尔及利亚,因病提前返回法国
1862年 结识雷诺阿、巴齐依、西斯莱并成为好友
1865年 与巴齐依共用画室,结识塞尚和马奈。与女友卡美伊·唐希尔相遇
1867年 长子尚出世
1870年 与卡美伊结婚;普法战争爆发,移居伦敦,认识画商杜杭·雨尔
1871年 父亲去世,全家回到法国,住在塞纳河畔的阿尔让特小镇
1874年 巴黎首次印象派画展
1876年 与西奥德夫妇结为好友
1878年 次子米歇尔出生;卡美伊患病(子宫癌)
1879年 妻子卡美伊病故;第四届印象派画展展出
1880年 首次举办个人画展并获得成功
1887年 作品由杜杭·雨尔经手在纽约展出
1889年 一幅作品获一万法郎的创记录价格
1892年 与爱丽丝·西奥德结婚
1899年 在吉维尼的住宅里建造“水上庭园”(即“睡莲池”),并以此为创作题材,画出一系列睡莲的作品
1908年 被发现患有白内障
1911年 第二任妻子爱丽丝·西奥德去世
1912年 诊断双目皆患有白内障
1914年 长子尚去世;开始筹划绘制一幅大型《睡莲》壁画;同年8月3日法国参加第一次世界大战
1918年 向国家捐赠8幅画作
1919年 挚友雷诺阿去世
1920年 被法兰西研究院接纳为院士,但拒绝了
1923年 进行白内障手术后恢复视力
1926年 12月6日在吉维尼的家中去世 19世纪下半叶,光学原理改变了画家对固有色的观念,由此他们开始在艺术上对外光表面的新探索.《日出·印象》描绘的是在晨雾笼罩中日出时港口景象。在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中,一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光,冉冉生起。海水、天空、景物在轻松的笔调中,交错渗透,浑然一体。近海中的三只小船,在薄雾中渐渐变得模糊不清,远处的建筑、港口、吊车、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现??这一切,是画家从一个窗口看出去画成的。如此大胆地用“零乱”的笔触来展示雾气交融的景象。这对于一贯正统的沙龙学院派艺术家来说乃是艺术的叛逆。该画完全是一种瞬间的视觉感受和活泼生动的作画情绪使然,以往官方学院派艺术推崇的那种谨慎而明确的轮廓,呆板而僵化的色调荡然无存。这种具有叛逆性的绘画,引起了官方的反对。
这幅名画是莫奈于1873年在阿弗尔港口画的一幅写生画。他在同一地点还画了一张《日落》, 在送往首届印象派画展时, 两幅画都没有标题。一名新闻记者讽刺莫奈的画是"对美与真实的否定, 只能给人一种印象"。莫奈于是就给这幅画起了个题目——《日出·印象》。它作为一幅海景写生画, 整个画面笼罩在稀薄的灰色调中, 笔触画得非常随意、零乱, 展示了一种雾气交融的景象。日出时, 海上雾气迷朦, 水中反射着天空和太阳的颜色.岸上景色隐隐约约, 模模糊糊看不清, 给人一种瞬间的感受。
当1874年莫奈和一群青年画家举办展览时,这幅《日出·印象》遭到了诽谤和奚落。有的评论家挖苦说:“毛坯的糊墙纸也比这海景完整!”更有人按这幅画的标题,讽喻一莫奈为首的青年艺术家们为“印象派”,于是“印象主义”也就成了这个画派的桂冠。
该画1985年被抢劫,据法国被盗艺术品侦缉处1990年12月6日,在科西嘉岛一座别墅中查获。
范文二:莫奈介绍
生平简介:
Claude Monet
中文名:克劳德·莫奈
又名:Claude Oscar Monet
生卒年月:1840年11月14日—1926年12月5日
出生地:法国巴黎
国籍:法国
职业:画家
参与运动:印象派运动
代表作:《日出·印象》(Impression·Sunrise)《鲁昂大教堂》组画(Rouen Cathedral series)、《伦敦议会》组画(London Parliament series)、《睡莲》(Water Lilies)、《干草垛》(Haystacks)、《野罂粟花园》(The Poppy Fields)。
1840年在巴黎出生的克劳德·莫奈(Claude Monet,1840-1926)是法国印象主义画派的开创者,也是最持久和多产的印象主义运动理念奉行者,他在画户外风景写生时专注于用画笔表达自己对大自然的最初印象。“印象主义”一词即来源于其画作《日出·印象》的标题。
从诺曼底到巴黎:少年理想
莫奈是Claude-Adolphe和Louise-Justine Aubrée Monet的独子,家住巴黎第九区的rue Laffitte 45号。他的母亲是一名歌手。1845年全家搬去诺曼底的Le Havre之后,莫奈在悬崖和海边度过了愉快的童年时光。父亲希望莫奈从事家里的杂货店生意,但他却执意成为一名画家。1851年4月,莫奈进入
Le Havre中学学习艺术,这名天才少年的唯一爱好就是绘画,他时常以老师和同学为对象练习漫画,日积月累掌握了不少绘画技巧。不久之后,莫奈就已在当地小有名气,他画的漫画能卖10到20法郎一幅。莫奈的第一堂绘画课是由Jacques-Louis David的学生Jacques-Fran?ois Ochard所教授的。母亲去世后,莫奈搬去和姨妈一起生活。1856年至1857年间,莫奈在诺曼底的海滩上邂逅了专门描绘海上风光的画家布丹(Eugène Boudin),后者成为了他的导师并教授他油画和户外写生的技巧。莫奈在布丹那里接受了类似学院派的绘画思想,开始动笔画外光画。布丹主张:要特别注意所描绘对象的第一印象、要注意光线……对此莫奈也深以为然。师生两人经常结伴到户外写生,在此其间,莫奈创作了一些有关海港、日出和海上小船等题材的作品。
前往巴黎参观卢浮宫时,莫奈看到画家们复制前辈大师的作品,于是也带着自己的颜料和画具与他们一起坐在窗边,不过他并非临摹,而是画下自己所看到的事物。来到巴黎后,莫奈还结识了几位后来成为印象派画家的朋友,其中一位是马奈(Edouard Manet)。1861年6月,莫奈加入了驻扎在阿尔及利亚的非洲轻骑兵第一军团服役两年,不久他就获得了回乡照顾姨妈的机会,但是在荷兰画家Johan Bar thold Jongkind的影响下,莫奈只有同意去正规学院上艺术课程才能被准予回家。接受学院里的传统艺术教育让莫奈感觉自己的理想破灭了。1862年他进入巴黎Charles Gleyre学院学习在那里遇见了Pierre
Auguste Renoir、Frédéric Bazille和AlfredSisley等人。几位同样满怀理想的年轻画家交流着新的艺术创作方式,试图描绘被室外光线穿透的色彩与笔法,后来他们被人们称作为“印象派”。
从伦敦到弗农:印象派的诞生
莫奈于1866创作的?Camille?和?The Woman in the Green Dress?为他博得了广泛赞赏,这两幅画也是以他的未来妻子Camille Doncieux为主题的众多作品之一。执意留在外地从事绘画创作的莫奈逐渐失去了父亲的经济支援,1868年时迫于经济压力,他曾一度企图跳进塞纳河自杀。普法战争(1870年7月19日)爆发后,莫奈前往英国避难。身在异国他乡的莫奈研习了John Constable和Joseph Mallord William Turner的作品,两位大师的风景画都为莫奈在色彩方面的研究与革新带来启发。1871年,莫奈被拒绝纳入皇家学院的官方画展。同年5月,他离开伦敦移居赞丹,在那里创作了25幅画作,并且首次参观了附近的阿姆斯特丹。返回法国后莫奈居住于巴黎塞纳河边的Argenteuil小镇上,在此创作了毕生最为著名的几幅画作。描绘Le Havre海景的传世之作——《日出·印象》(Impression, Sunrise, 1872年)被送去参加了1874年的第一次印象派画家联展(如今这幅画被收藏在巴黎的Musée Marmot tan Monet展出),艺术评论家Louis Leroy引用了来自油画主题的“印象”一词作为文章标题撰稿嘲讽,然而“印象派”却因此而得名。在这次展览中,还有另外两幅莫奈创作的油画都是以街道为主题,其中一幅如今被收藏于莫斯科的普希金博物馆(Pushkin Museum),而另一幅在堪萨斯城的纳尔逊—阿特金斯艺术博物馆(Nelson-Atkins Museum of Art)。这些在具有突破性的1874年联展中展出的油画在当时看来虽然毫不起眼,但是近年来却在世界画坛引来一片赞誉。
莫奈和Camille Doncieux于一战爆发前成婚,在生下次子Michel后妻子的身体就变得更加虚弱,32岁的莫奈搬往Vétheuil镇居住。1879年,莫奈夫人死于肺结核,悲痛的莫奈在其逝世的病榻前为她画像。Camille去世后大受打击的莫奈,开始创作那些20世纪最伟大的画作。19世纪80年代初,莫奈画了一些风景和海景的组画。这几幅原本只是用来展示法国乡村的小品题材后来被加入到他的系列油画中。另一名女性Alice Hoschedé于此时进入了莫奈的生活中,丧夫的Alice Hoschedé于1892年成为莫奈的第二任妻子。此前,她帮忙照顾莫奈的两个儿子,将他们带去巴黎与自己的六个孩子一起居住,留下莫奈独自生活在Vétheuil。1881年,他们搬往Poissy的途中莫奈偶然间发现了位于Vernon和Gasny之间的Giverny(吉维尼),天然的美景为他带来了取之不尽的灵感。1883年,莫奈全家搬往Vernon,随后搬到了上
诺曼底Eure的Giverny居住,他在园子里开辟出一个大花园,在余下的岁月里,他在这个花园中画出许多不朽的杰作。
吉维尼:大师的花园
1883年5月初,莫奈和家人在Giverny的Vernon和Gasny两个村庄之间靠近主要公路的地方租下一幢房子和2英亩土地居住。房子里有一间用谷仓翻修的画室、一片果园和一个小花园。由于房子靠近当地学校,融入周围环境的孩子们为他提供了可供创作的主题。家人们在这里筑池引水,建造起了花园,莫奈的命运之轮开始转动,他的画作在经销商Paul Durand-Ruel处的销量逐渐大增。1890年,莫奈有了足够的财富买下房子、周围的建筑和用于建造花园的土地。他给自己的园艺师写好日常指示,对种植的植物和花园设计有明确的要求,并亲自采购了花卉和植物学书籍。
随着财富的增长,莫奈的花园也经历着变化。他甚至在雇佣了七个园丁之后还保留着建筑师。莫奈建起了一间温室和第二间画室,这间宽敞的新画室里有明亮的天窗。从十九世纪80、90年代直至生命的最后时光(1926年),莫奈一心从事“组画”的创作,其主题是描绘在不同光线与天气变化下的事物。他展出的第一组系列油画是?Haystacks?,这组作品描画了从不同角度观察和一天中不同时段里景物的变化。1891年,莫奈的15幅油画作品在Galerie Durand-Ruel展出,此后,他又继续创作了一些组画,其中包括:?Rouen Cathedral?、?Poplars?、?the Parliament?和?Mornings on the Seine?。而Giverny花园中满池莲花的倾城之美都被悉数记录在了《睡莲》(Water Lilies)
系列组画之中。
(莫奈作品《睡莲》)
莫奈尤其喜爱用画笔描述在一定条件下的自然景观:例如,位于Giverny私家花园里的莲花、池塘和小桥。他也反复描画塞纳河沿岸的景色,创作出像?Break-up of the ice on the Seine?这样的作品。1883至1908年间,莫奈前往地中海旅行,他用画笔记录下像 Bordighera(波迪吉拉)这样的著名地标、风景和海景。他在威尼斯和意大利创作了一系列重要的画作,而另外两个重要的系列组画?Views of Parliament?和?Views of Charing Cross Bridge?则是在伦敦完成的。继第二任妻子 Alice于
1911年逝世后,莫奈最钟爱的长子Blanche也于1914年不幸去世,在这段灰暗的日子里莫奈开始患上了白内障。一战期间,他的好友及支持者Clémenceau成为法国的领导人,莫奈创作了?Weeping Willow?系列组画用于缅怀在战争中牺牲的士兵。愈发严重的白内障影响着他的视力和其画作的视觉表现,莫奈在患病期间创作的油画由于带有微红的色调而被视为一种特别的视觉效果。也许是在接受手术之后,莫奈能够看见通常无法被肉眼察觉的具有一定紫外波长
的光线,这在一定程度上影响了他对色彩的感知。他重新加工了一些画作,画中睡莲的颜色比手术之前表现得更蓝。
1926年12月5日,莫奈因肺癌逝世,享年86岁,他被安葬在Giverny的教堂公墓。由于他曾经坚持一切从简,因此当日只有五十五人出席葬礼。他的住宅和遍植睡莲的花园被捐赠给了法兰西高等艺术学院(French Academy of Fine Arts)。随着年代远去,莫奈的画作不断刷新着世界各地的油画拍卖
纪录。2004年,莫奈的油画?The Parliament?在伦敦拍出了20,100,000美元的高价,此后著名的《睡莲》(Water Lilies)拍出了16,500,000法郎(合32,670,000美元)的高价,成为有史以来拍卖价格最高的莫奈作品。那些凝聚着画家毕生心血的油画不仅成为这位印象派鼻祖留给世界的艺术珍宝,也是后世画家们潜心学习的楷模。
范文三:关于莫奈的一些事
与莫奈有关的一些事
絮言
其实对于印象派并没有什么了解,只不过是看过几部文艺片,听了几次,才有些许印象,再加上最近刚好要和同学一起去上海看画展,为了不两眼一抹黑,便借作业的机会做做功课,增加知识。
印象派
莫奈最开始展现出绘画天赋,并不是与印象派有关,而是15岁用木炭画的讽刺漫画,当然,这种小小的gift 并不被大家承认,仅仅是被当做是投机取巧的小把戏,与艺术和才华无关。经历一番波折之后,莫奈在姑妈的资助下上了大学,开始接受传统艺术教育。1862年莫奈在巴黎加入了夏尔·格莱尔画室。在那里他结认了雷诺阿、巴齐耶以及西斯莉。由于反对学院派僵硬的画法,几人经常结伴去枫丹白露林里直接自然写生。在这次写生中,雷诺阿遇到了科拉一家,为他们的女儿创作了自己绘画生涯中重要的作品《罗曼·科拉》1866年,他以卡米耶·东西厄为模特创作了《绿衣女人》。这件作品使他受到承认,也让卡米耶成为了众人承认的莫奈夫人。
日出印象
受到普法战争的影响,莫奈先后去到了英国和波兰。在这期间,莫奈创作了自己最有声誉的作品——《印象·日出》其实我并不知道这幅画的好:用了大量的红黄蓝,短小的笔触,三只小船由近致远,由深至浅,画面几乎没有细节,仿佛被阳光晃花了眼,不过这种朦胧的样子,更好的表现了港口清晨即将开始却后还没有开始的喧嚣。莫奈画笔下的日出,并没有通常日出时的光芒四射和蓬勃活力。而像是秋日的缓缓日出,有一份温暖的忧伤与明澈的灵动。不知为何,这种日出总是让我忍不住将它和黄昏作比较。日出的确是不及黄昏那种盛大、义无反顾的妖冶的美。可是大雾是它独特的美感,它灿烂、唯美,不禁让时光与岁月定格。
油呢?
莫奈善于用厚画法,所以他的画都很少放油。为了表现画面或物体的中间层次,把原本该调和的颜色以很小的笔触并列起来。这样观者只要稍微与画面保持一点距离,这些小笔触就会因模糊不清而形成一个统一的色调,同时由于这些小笔触实际上是并列着的,因此它们仍然保持着色彩的鲜明度。也就是说,颜色本身相互之间并未调和,而由这些颜色反射出来的光在人们的视觉中调和起来。我们会看到,各种颜色的笔触都并列在画面上,即使在阴影部分也能见到红色和绿色的极为潇洒的笔触。。莫奈可以把一塘清水的颜色画得异常丰富:在湿润的平行笔触下,色彩会很均匀地揉合在一起,而水波则可以用许多小而厚重的笔触来,造成一种起伏不平的表现效果。莫奈画画一般都很耐心地等待每一层颜色干透(除非他想要直接在画布上而非画板上调色)。为了画有波纹的水面,莫奈常用一系列不同长度与大小的有条理的笔触,这些笔触好像泼洒上去的一样,有时因画面底子不平或有意在某些地方制造厚笔触,使画面上形成一些立起来的堆积物,当画笔再次扫过画布中这些地方时,又留下了一些不连贯的色条,它们与周围的色彩形成了一种颤动感,效果异常生动。
睡莲
莫奈晚年视力下降的情况下所作的睡莲组画中,有一个主要创作目的就是追求色彩的和谐,
对此时的莫奈来讲,这已经不再仅仅是对自然界瞬间状态的捕捉和准确纪录,色彩的各种组合所产生的装饰效果似乎比阳光和空气更具有吸引力。白色、粉红及黄色的睡莲花在宁静的池水中静静地漂浮着,莲花和池水、荷叶和花瓣、背光与反光都被有意做了对比。为了表示空间的延伸,画中的一些花、叶一直画到了边角之上。1920年代-莫奈的晚年仍持续创作,这个时期他的重心放在卢浮宫即将展出他的睡莲作品,尽管视力越来越差,已经接近失明,他还是画到1926年12月5日去世为止。
路漫漫其修远,我对印象派还是知之甚少,所以部分内容参考了百度和维基百科。希望在今后的时间我能够对印象派有更深入的了解,真正的了解光与影,单纯的颜色带来的,属于印象派的美。。
范文四:关于莫奈
关于莫奈
“莫奈是法国最重要的画家之一,印象派的理论和实践大部份都有他的推广。莫奈擅长光与影的实验与表现技法。他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法,在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影,也看不到突显或平涂式的轮廓线。除此之外,莫奈对于色彩的运用相当细腻,他用许多相同主题的画作来实验色彩与光完美的表达。莫奈曾长期探索光色与空气的表现效果,常常在不同的时间和光线下,对同一对象作多幅的描绘,从自然的光色变幻中抒发瞬间的感觉。” 这是后人给莫奈的评价,不能代表所有人的观点,但绝对可以代表绝大多数人的意见,当然,也包括我的。我同意但是不迷信,以为一千个观众就有一千个哈姆雷特,我也有我自己的看法。后人的这些评价不知道能不能套用咱们中国人的说法,叫做“盖棺定论”,我想是可以的。
以下,是喜欢莫奈的人皆耳熟能详的一段历史。每个喜欢他和他作品的人都对这段历史如数家珍,也是后人撰写关于他的传记、作品集不可或缺的部分,现在写来,我也并不觉得很俗套,因为想要了解一个人,特别是一个艺术家,关于他的生平是不能忽略的,正是这一件件事,从他生命中来了又去,一个个人,从他身边打马而过,才促成了他对这个世界最初的最真实的看法。加上他个人独到的眼光,敏锐而独特的思维,才构成了一幅幅流传至今令人赞口不绝的传世佳作。莫奈出生于巴黎,在他五岁的时候全家搬到了诺曼底的勒阿弗尔。他的父亲希望他继承家里的杂货店,但莫奈则想成为一个艺术家。他最初小有名气是因为他的木炭漫画,这些画开价十至十二个法郎。在诺曼底的海滩上,他遇到了艺术家欧仁·布丹,他后来成了莫奈的良师益友并教授他学会画油画。当莫奈来到巴黎卢浮宫,在那里他看到许多画家在模仿著名艺术家的作品。于是,随身携带着颜料和工具的他便坐在一扇窗户旁开始画他所看到的东西。莫奈在阿尔及利亚当了两年兵(1860年—1862年),在他服役七年的合同到期之前,因为伤寒,莫奈的姑妈Lecadre 夫人将他从部队解脱出来,让他去完成大学的艺术课程。因为大学的传统艺术教育让他觉醒,1862年莫奈在巴黎加入了夏尔·格莱尔画室。在那里他结认了皮耶-奥古斯特·雷诺阿、弗雷德里克·巴齐耶以及阿尔弗雷德·西斯莉)。他们共同创造了一种新的艺
术手法,即在户外和自然光线下用浓厚的油彩作画,后来被称为印象派。1866年,他以卡米耶·东西厄为模特创作了《绿衣女人》不久之后,东西厄即怀孕并生下了他们的第一个孩子让。在普法战争,(1870年—1871年)期间,莫奈来到英国避难。在那里他学习约翰·康斯太布尔和J ·M ·W ·透纳的作品。回到法国后,1872年或者1873年,莫奈以勒阿弗尔的一处风景为背景创作了《印象·日出》。它在1874年第一次印象派画家展上亮相,如今它陈列在巴黎马蒙丹·莫奈美术馆。根据这幅画的题目,艺术评论家路易·勒鲁瓦提出了“印象派”的说法。1870年,莫奈与东西厄结婚。1873年,他们搬进了塞纳河边阿让特伊的一幢房子。1878年3月17日,他们有了另一个儿子,米夏埃尔。1879年,莫奈夫人死于肺结核。Alice Hoschede决定帮助莫奈抚养他的两个孩子。他们居住在普瓦西,但莫奈不喜欢那里。1883年4月,他们搬到了上诺曼底大区厄尔省的Giverny 。他种植了一个大花园并在那里完成了他余生的绘画创作。莫奈和Hoschede 在1892年结婚。在十九世纪八十年代和九十年代,莫奈开始了系列绘画创作,即在不同的光线和角度连续画同一个物体。他的第一个系列作品《鲁昂主教座堂》就是在不同的角度和一天中不同的时间来画。1895年,从20个不同角度对大教堂所作的画在迪朗德—吕埃尔画廊展出。他还画了一个稻草堆系列。莫奈非常喜欢画受约束的自
然——他的花园、他的睡莲、他的水塘和他的小桥。他也画塞纳河岸的上上下下。1883年至1908年间,莫奈在地中海画了许多风景画和海景画。他的妻子艾丽斯1911年去世,他的儿子让1914年去世。莫奈在1923年接受了两次白内障手术。他于1926年12月5日逝世,下葬在Giverny 教堂的墓地。2004年,莫奈的the Parliament和Effects of Sun in the Fog 在伦敦卖出了超过2000万美元。莫奈一生遗留500件素描,2000多幅油画及2700封信件。足迹由巴黎大街到地中海岸,从法国到伦敦、威尼斯、挪威,在各地旅行写生,留下无数的作品。
19世纪下半叶, 光学原理改变了画家对固有色的观念, 由此他们开始在艺术上对外光表面的新探索. 《日出·印象》描绘的是在晨雾笼罩中日出时港口景象。在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中,一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光,冉冉生起。海水、天空、景物在轻松的笔调中,交错渗透,浑然一体。近海中的三只小船,在薄雾中渐渐变得模糊不清,远处的建筑、港口、吊车、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现……这一切,是画家从一个窗口看出去画成的。如此大胆地用“零乱”的笔触来展示雾气交融的景象。这对于一贯正统的沙龙学院派艺术家来说乃是艺术的叛逆。该画完全是一种瞬间的视觉感受和活泼生动的作画情绪使然,以往官方学院派艺术推崇的那种谨慎而明确的轮廓,呆板而僵化的色调荡然无存。这种具有叛逆性的绘画,引起了官方的反对。
这幅名画是莫奈于1873年在阿弗尔港口画的一幅写生画。他在同一地点还画了一张《日落》, 在送往首届印象派画展时, 两幅画都没有标题。一名新闻记者讽刺莫奈的画是" 对美与真实的否定, 只能给人一种印象" 。莫奈于是就给这幅画起了个题目——《日出·印象》。它作为一幅海景写生画, 整个画面笼罩在稀薄的灰色调中, 笔触画得非常随意、零乱, 展示了一种雾气交融的景象。日出时, 海上雾气迷朦, 水中反射着天空和太阳的颜色.岸上景色隐隐约约, 模模糊糊看不清, 给人一种瞬间的感受。
当1874年莫奈和一群青年画家举办展览时,这幅《日出·印象》遭到了诽谤和奚落。有的评论家挖苦说:“毛坯的糊墙纸也比这海景完整!”更有人按这幅画的标题,讽喻一莫奈为首的青年艺术家们为“印象派”,于是“印象主义”也就成了这个画派的桂冠。我个人认为,“印象派”这个名字很耐人寻味,那些冷嘲热风的人现今如果复活他们,也许他们都哑口无言目瞪口呆了吧。
莫奈所关心的是整个大自然,人属于它而它又属于人的大自然,自然界的一切都是为人而存在的。自然的壮观显示着人的壮观,在莫奈的画中人和大自然和谐地融为一体,他们融合在景色、阳光和空气中,而这一切又融合在画家特有的灿烂、艳丽,却又像乐曲般和谐的色彩之中。色彩就是描绘壮丽的自然交响乐的音符! 莫奈研究色彩入迷到了在守护病中妻子时竟下意识地去观察搜索死亡在她面孔上引起褪色的迹象,看到的是蓝色、黄色和灰色的细微变化。他曾说过:“当你去画画时,要设法忘掉你面前的物体,一棵树、一片田野。只是想这是一小块蓝色,这是一长条粉红色,这是一条黄色,然后准确地画下你所观察到的颜色和形状。直到它达到你最初的印象时为止。莫奈很重视笔触,它成为色彩表现的灵魂,不同的笔触能表现出事物不同的质感和动势,他运用不同的笔触充分表现色彩以符合自然的本来面貌。在他29岁时开始和雷诺阿共同在塞纳河上写生作画,他们为水面上闪烁和晃动不已的光所激动,为迅速变幻的丰富色彩所迷惑,于是自然而然产生了迅速疾驰粗犷的笔触和灿烂斑驳的色块。他们在迅疾挥毫中获得了捕捉瞬间即逝的印象的有效方法。巴黎公社诞生前,莫奈就曾和画家巴齐依参加过保卫共和国的国民自卫军,巴齐依英勇战死。莫奈后来前往英国,在那里会见过毕沙罗,曾取道荷兰写生。回国后又与雷诺阿共同作画,于1874年展出惊世之作《日出·印象》。历
经磨难的43岁莫奈带着失去母亲的儿子与阿丽丝组成新家庭定居于离巴黎40公里的吉维尼村,隐居作画又生活了43年,在这里创作了许多作品,重要的《睡莲》就是他晚年的名作。1926年11月5日,这位86岁的印象派之父永远离开了他热爱的阳光与色彩。
一颗硕果累累的果树上会有很多果子让人流连忘返,我偏偏看中了我喜欢的那一枚,我来说说《日出·印象》吧。
拂晓时分,一轮红橙橙的太阳缓缓升起,挣扎着冲出平静的水面,奋力地划破浓浓的晨雾,露出自己的面目。 朝阳,染红了天空,染红了云彩,染红了水面,染红了画布,染红了我们的视觉。
" 莫道君行早" ,三艘小船,早已扬帆,摇曳缓进,沿水而行,由远及近,慢慢行驶出重雾,渐渐淡入到前景,静悄悄的,好像不忍惊醒远方还在沉睡的港都,隐约约的,好像不敢干扰眼前正在凝视日出的观众。
日出而作,日落而息,新的一天开始了。
这就是三十二岁的莫奈给我们的日出印象。静谧的,朦胧的,深邃的,富有韵律,富有节奏的。一种素描的风格,一种诗的意境。
有谁没见过日出? 许多人在专门的地点,专门的时节观看日出。为了看得清,他们选择金秋季节,天高气爽。为了看得远,他们登高爬山,披荆斩棘。他们身穿厚衣,全幅包装,提前一个几个小时,席地而坐,翘首以待,耐心等候,全为的是捕捉红太阳" 跳" 出地平线那一刹那。一直看到朝阳高挂,金光夺目,一直看到寒气退去,周身燥热,感慨着,兴奋着,激动着,回味着,那种情绪和看日落时的伤感,失落,惆怅完全不同。
观看日出给我们带来了人生感慨,而对艺术家是好的表现题材。红日冉冉上升,阳光由柔而强,大地迎来光明,一个个连续的变化的瞬间组成了动态的画面,由他们构思自己的图画,让他们表现自己风格。 而印象派绘画的最重要的特点之一,就是捕捉动态大自然的一瞬间,把它定格,将它画出。 不再把自己关在画室里闭门造车,不再重现虚构的传说故事,他们带着折叠式手提画架,背着木制颜料盒,搭起遮棚,要着干粮,到野外去写生作画,把亲眼看到的搬到画布上,把实际发生的记录在作品中,把室内绘画变成户外艺术。
莫奈选择他观察日出的地点,不是一望无际的原野,不是山峦起伏的高原,而是他生活了多年的勒阿弗尔港口。他熟悉这里的海岸景色,他脊恋这里的水上生活,他甚至敏感这里的气候变化,所以这幅风景画充满了生活气息,人文的踪影。水光相应,烟波渺渺。几叶扁舟画龙点睛,给画带来了生气,船上的人若隐若现,给画赋予了灵魂。。
绘画不是摄影。照片是原封不动地反映外在世界,每一个细节,不管放大多少倍,都绝对真实,都忠于生活。而一幅好的画,却能做到高于生活,用独特的表现手法,经过观众自己视觉的参与,更加栩栩如生,更加活灵活现。 这就是我们常说的,不求形似,而求神似。
我们常常更喜欢传统的经典的绘画,喜欢那匀和的色彩细腻的笔法,喜欢那维妙维肖,细致入微的表现。其实这往往是把绘画和摄影的功能混为一谈。而印象派,是对传统手法的反叛,小笔触,色彩分割的画法,近乱而远和,近粗而远匀,这开创了现代艺术的先河。此后,后印象主义,表现主义,立体主义,超现实主义,抽象主义,风起云涌,争奇斗艳,画家越来越注重于绘画的形式,而忽略甚至脱离它的情节内容。一直到了现代的抽象派,绘画成了纯粹的色彩组合,而其内容已经无从可知了。
这一切都起源于莫奈,他不愧为印象派之父,首先把自然的真实性降低于色彩表现形式之下,把理想化的主题排斥在绘画目的之外,他为着运用色彩去作画。从此艺术不再是描绘对象的附庸,而有着独立的品格和自主的权利。
历史上没有一个画家,象莫奈那样自觉地运用这样的原理,针对同一主题,专门描绘不同季节,不同光线和不同天气状态下的色彩变化,这类作品被称之" 连作" 。 他会在同一地点支上几幅画架,每天在依次特定的时间在特定的画架上作画,周而复始,来捕捉同一对象在不同时间下的不同色彩。 印象派解放了色,莫奈是一个善于运用色的大师,不既如此,他还是一个善于运用光的大师。
印象主义画派作为一种美术思潮,它推动了以后美术技法的革新与观念的转变,对欧美、日本乃至中国的画家产生巨大的影响。在绘画中注重对外光的研究和表现,在阳光下依据眼睛的观察和现场的直感作画,表现物象色彩的微妙变化。印象主义绘画以其卓越的贡献在世界美术史上奠定了重要历史地位。
范文五:关于莫奈的画的研究报告
关于莫奈的画的研究报告 张佳玮
看画如看美人,单是看,久了就看不出长短好坏,还容易看顺了眼;比如家有美妻或美夫,平时不觉得;出门一看街上人群,“呀,我太太眼睛挺大”,“呀,我男朋友腿挺长”。一有对比,立刻分高下,就懂了。
欣赏美,概莫如是。
许多人有个错觉,认为西方画比中国画写实,其实两相比较,早期大家都差不多。
比如下面这幅埃及画,惯例是下半身侧对观众、上半身正对观众、脑袋侧对观众——这是拧麻花啊。但他们习以为常,因为那时候,文盲太多啦,画重在表意思,法老看着高兴就好,不跟你较真。
埃及壁画
到公元前后,庞贝城的画,就逼真多了。有肌肉,有线条,有色彩,有透视,肌肉块垒之间还隐约有明暗,所以显得有体积感——所以了,透视明暗短缩法之类,才是写实的真秘诀。
庞贝城壁画
但到中世纪,欧洲画有些又回去了。看这幅中世纪壁画,怎么看怎么不像活人。但他们其实也不在乎:你们大概看明白这是什么,就行;
颜色嘛,看着华丽就好——实际上,中世纪教会一度很奢靡,跟拜占庭和波斯那边学了,爱怎么构图怎么构图,颜色怎么贵怎么往上抹;像不像,才不管呢~
中世纪壁画
相比而言,唐宋之间的中国画,其实不比欧洲画得假。比如你看《历代帝王图》,人物也可以画得很逼真嘛~
唐,《历代帝王图》
同理,花鸟也可以画得很逼真——宋朝院画,就是以逼真为要务的。
道君皇帝是个抠细节的人。
宋徽宗著名的芙蓉锦鸡
甚至中国古人,画亭台楼阁也很逼真。虽然缺少光影特效,但构图比例之类也很精致。《清明上河图》就不提了,看看宋朝郭忠恕这幅好了:
郭忠恕的界画
但之后,时代变了。
教科书都会说,佛罗伦萨的乔托大爷,是文艺复兴时的画圣。你光看这幅,不一定觉得他多圣;但对比一下他前面的:乔大爷最了得的是,他至少画的是群人——你会觉得,这场景乃是现实生活里可以发生的呀。这不,明暗阴影、人物造型,都出来了。
乔托《哀悼基督》
15世纪初,乔大爷的继承人,两个同时代大宗师:一个是不到三十就死了的马萨乔,一个是教会的好朋友安杰利柯。这二位已经使透视了,看着活像立体的。
马萨乔的画儿——这壁龛是画出来
的
安杰利柯的天使和圣母
看官们切记:这是文艺复兴时、14世纪末15世纪初的意大利,确切说是佛罗伦萨。意大利人搞地中海商业,有钱,也舍得花钱,雇得起名画家,画各类宗教系列人体画。那时节,意大利画家都得通人体、懂素描,了解希腊雕塑呢。
同时间,北方在做什么呢,德国、荷兰、比利时那片儿,出了这位:
杨-凡艾克。这位先生发明了油画,而且创了这么个画风,影响深远。看下面这幅,其实就是当时的结婚照。
凡艾克有名的《阿尔诺菲尼夫妇》
如果说,那时意大利画家主要受雇于教会和贵族,擅长画人体、构图和些世上没有的美丽事物,那北方画家主要就靠富豪市民阶层供着,
画些穿衣服的、金属、皮毛、小饰品。
再说直白点:
意大利人,负责给你画些美美的东西;北方人,负责给你拍照。
后来到15世纪末,意大利出了波提切利,这维纳斯画得多美——虽然那脖子歪得没边了,但人说了,这叫做理想美啊。为了理想美,是可以不写实的。
波提切利著名的维纳斯
而德国出了丢勒,虽然也有改革,但还是写实为主,看这小兔子画得:
纤毫毕现。丢勒老爹除了版画油画好,水彩画也是大师。
丢勒爷爷画小兔
意大利那边,技法其实也在一直修正。比如之前佛罗伦萨大师保罗-乌切洛,画这幅战役图里,就是靠短缩法。看场面,人挺多,但很立体吧,
保罗-乌切洛很喜欢长矛林立……
罗马也没闲着,曼泰尼亚先生就是罗马学的艺,画的肌肉线条、构图、透视、阴影,很逼真啊。
曼泰尼亚的圣塞巴斯蒂安
要画理想的人体美,好啊,15世纪末就出了佩鲁济诺先生,看下面这画:圆润完美,无可挑剔。你当然觉得不太真实,但画这么美,要啥自行车呢,
拉斐尔就跟这位爷学的
而佩鲁济诺先生的徒弟,就是不朽的拉斐尔。他这辈子37岁,已经创出了人间没有的美。拉斐尔自己都说了,他没有模特,他的美存在于心中。
拉斐尔自己
而构图和素描的天神,就是米开朗琪罗了——人家其实最初不是画家,但那时的意大利大师,雕塑和绘画是通的——都是画人体。但米开朗琪罗那时的罗马和佛罗伦萨人,都鄙视画风景的:人体最高,画不好就去画背景吧。
西斯廷天顶画里最有名的一小部分
达芬奇名气太大,众所周知;其实论作品宏大度,米开朗琪罗的西斯廷可以压他;论纯粹美丽和构图线条,拉斐尔也不输他。但达芬奇有
个极了不起的手段:《蒙娜丽莎》虽然被说烂了,但仔细看:这阿姨既有理想圆润之美,光影又靠渐隐法做到真实。对比之前的画:美和真实结合得如此自然的,他真也是第一个。但也请注意:《蒙娜丽莎》的背景,相比起来,就不像凡艾克画婚纱照那样曲尽细节、连镜子里的倒影都细细勾了。
不介绍了
所以意大利的巅峰,就是16世纪初:米开朗琪罗最好的雕塑和壁画、达芬奇和拉斐尔的最好作品,云集在16世纪前二十年里。
意大利人当然也会重视风景,重视风景和人的融汇,那会儿威尼斯还有一派。刚才说的罗马肌肉专家曼泰尼亚先生,跟威尼斯的大师贝里尼沾亲;贝里尼收了俩徒弟名震天下,一个是乔尔乔内,一个是提香。
乔尔乔内这幅画过于有名不提,妙在哪里呢,这幅画之前,人体和风景基本是隔离开来的,经常是背景归背景,人归人;但乔尔乔内把风景、空气、氛围和人体结合了。
《暴风雨》
提香则更进一步:他老人家用色彩用到登峰造极了。室内陈设和人物
浑融一体。
《乌尔比诺的维纳斯》
当时,北方人民在干嘛呢,
如前所述,北方画家主要负责拍照,画得要多逼真有多逼真。他们画花儿,画静物,卖给老百姓和富豪回家挂着。他们还画风俗画。老勃鲁盖尔就画了个《农民的婚礼》。
勃鲁盖尔老爹很爱画农民
当然也有人想耍点妖,比如博斯先生。你们画美,画纯善是吧,我来
画个地狱。老子没去过,但也能画得逼真~
博斯爱画地狱……
基本上,这就是趋势:
到17世纪,大家画美丽的东西都腻了,也确实该画点不美的、真实的东西了。
这时卡拉瓦乔就来了。这位脾气暴躁,喜欢少男,捅过人,最后被人追杀了,天下皆知;他主要赫赫有名的是两点。其一:打光,明暗对比(eclair-obscure)到他这里达到里程碑;其二,这人不爱天真无邪的美,觉得真实比美重要。
卡拉瓦乔,耶稣被人认出来时特别打光
这种思想,被北方来罗马和威尼斯学艺的鲁本斯汲取了。鲁本斯富贵一世,主要负责画各类大画:里面布满了肉欲、华丽、戏剧性场面,看着跟歌剧一样热闹。宏伟繁复、激情洋溢,这玩意就是巴洛克了。
他对色彩的重视到这地步:打草稿时,也经常不素描而直接使颜料上去,这样能直接见到效果。
鲁本斯的凶猛
比鲁本斯略晚,另一位法国人来罗马学艺,学了全然不同的玩意。这位叫尼古拉-普桑的先生,也觉得画画该像舞台似的,但要端正,要严谨,色彩对比不能太夸张,线条要明晰。他一直呆在罗马,中间回了段法国,当时担当宫廷画师,有资格用真人模特摆舞台看造型。他
是那会儿极罕见的:画里加大尺幅风景,而且考虑构图时连人带风景一起折磨的。
普桑的端正
虽然鲁本斯和普桑彼此不一定叫板,但他俩后来被引申出了风格对比: 鲁本斯=色彩+狂野+感性美。普桑=线条+端正+理性美。 这是后话。
同时间,北方在干嘛呢,荷兰独立了,画家靠卖画给市民阶层为生了。那是荷兰的黄金时期,但画家都很穷。因为尼德兰是世俗社会,所以画家面向新贵阶级、地主大众,问题也就来了:订金约等于没有,哪怕丰厚一些,通常只够买材料;酬金须得提交完作品之后才拿得到,而且容易被挑三拣四。面向市民阶层的荷兰三大宗匠: 哈尔斯因为一句“你画得不像”就得全额退押金,一度十年没有订单,被面包商逼到破产。
伦勃朗36岁之前殷富,36岁画了《夜巡》丢了名声,到49岁因为复杂的诉讼问题被破产,晚年为了钻法律空子,还得给情人和儿子打工。
维美尔到死时还欠着债没还。
但这个年代,荷兰大师们还是把他们的东西发挥到了极致。哈尔斯成为史上最好的肖像画家之一(当然,同一世纪凡代克和委拉斯凯兹也堪称杰出,这里不提了)。
群体照之王哈尔斯
维美尔把光影细节画到了通神的地步。
维米尔喜欢从左边打光进来
伦勃朗则干脆就是神。这人话题太大了。只略说:他对光影、物体体
积感、构图乃至人物神韵的把握,都是历史最顶级。
伦勃朗破产之后
18世纪啦。因为路易十四和他的孙子们肯砸钱,法国巴黎代替罗马,成了欧洲艺术中心。路易十四阳刚雄壮之后,就是他孙子们的婉约细腻。于是出了华托和布歇这些洛可可风。
米开朗琪罗那时代,意大利人都不爱画风景。米圣人说过,人体才是艺术之精华,风景画是留给没天分的人画的。但18世纪,贵族们需要点装饰消遣,好,画风景,画人体,画美丽的一切吧。
布歇的《蓬巴杜夫人》
华托的《舟发西台岛》
18世纪的洛可可细腻到了极致后,就有了新古典主义。那就是大家都认识的大卫了。所谓新古典,就是跟普桑似的:向罗马肌肉英雄致敬,画得质朴有力,史诗一样。
大卫《萨宾妇女》
然后是19世纪初,大卫的徒弟安格尔把新古典主义提到了至高无上的地步,成为法国官方主流。
当然有人出来叫板啦,那就是浪漫主义。这里可以这么归纳:
你看见一幅画,是古代或帝国(特指拿破仑时期)题材,有裸女或英雄姿态,有道德教化意图,有政治内涵,素描精确,构图匀整、色彩不刺眼,好,新古典主义。
你看见一幅画,色彩华丽、性情张扬、场面激情、历史题材、有异域风情、表达了人性的脆弱或主观感受、雄浑挥洒、更重视色彩,好,浪漫主义。
空口白话没意思,大家操练一下:
第一幅:
我很爱用这画举例啊
这幅画,有裸女吗,有;素描精确吗,是;构图匀整色彩祥和吧,对。克制端庄吧,对。
好的,这就是新古典主义的招牌作品,安格尔的《大宫女》。
第二幅。
德拉克洛瓦的暴虐爱好
这幅画,色彩华丽奔放吧,对。血腥残忍吧,对。情感激烈吧,对。异域风情吧,对。
好的,这是浪漫主义的名作,德拉克洛瓦的《La Mort de Sardanapale》
19世纪中,有一波画家爱好玩风景画。在英国,那是透纳和康斯特布尔。
康斯特布尔是简朴派,喜欢画眼前所见的东西,拒绝墨守陈规。
康斯特布尔的英国乡村
而透纳则对光影风涛这些飘忽的东西,大有兴趣。
透纳的海上云与日
同时,法国这边,有所谓巴比松画派,一窝非王室画家,喜欢聚集在巴比松村画野景儿。米勒画农田,特罗容画牛,诸如此类。最有名的是柯罗:
这位先生五十岁之后才成熟,但画风极妙,尤其擅长画风,画风里摆荡的毛茸茸植物。
柯罗的毛茸茸
于是这么着,到了1860年代了。
重新小结一下1860年代之前:
文艺复兴时,意大利主要给教会和老爷们画美丽人体;北方画家主要负责逼真的肖像画、风景画——就是拍照——卖给各阶层。 意大利派里,罗马和佛罗伦萨重人体,威尼斯重色彩;北方画家重材质和细部。
卡拉瓦乔进化了光影,鲁本斯开了巴洛克=重色彩重感情,普桑开了
古典主义=重线条重端正。
到19世纪初,新古典主义承普桑一派,是为主流:重线条重构图;浪漫主义一派承巴洛克,重感受重色彩,狂野恣肆。
新古典主义发展为学院派,是官方主流。
巴比松画派和现实主义画派则追求质朴的描绘风景,属于在野党。
好,进入印象派。
克劳德-莫奈1840年生在巴黎,五岁时搬到勒阿弗尔,那地方在诺曼底,法国北边靠海。顺便:莫泊桑的名小说《我的叔叔于勒》,故事背景也就在那里。
他家家境平常:爸爸开杂货铺,很市侩;姑姑倒是个艺术爱好者。十一岁上他进艺术学校,但不算个循规蹈矩的学生;那时他已经善于观察描绘,完成些漫画来逗趣;老爹贪财,把漫画放杂货铺里卖,价售十至二十法郎不等。如是1857年,十七岁的莫奈还算是个当地小漫画家呢。当然,那年也是他人生转折点:他认识了在诺曼底画海景和天空的欧仁-布丹。很多年后,莫奈如是说:
“我会变成一个画家,是因为欧仁-布丹让我这么做。” 而布丹是个不规矩的:笔触略粗疏,很快,抓住瞬间印象的那种套路。
布丹的天空
因为布丹,莫奈学会了许多许多野外写生、观察光线、描绘动态事物的技法,还被布丹灌输了一招“在现场根据所见完成画作”的习惯,这对此后的印象派影响深远。二十岁那年被布丹介绍去巴黎求学时,莫奈已画过些诺曼底海景画,成了个离经叛道的艺术青年。 他不满足于19世纪60年代学院派的线条至上原则,不满足于在画室里循规蹈矩按格式完成作品。他伙同着同学雷诺阿、西斯莱和巴齐耶自立小组,野外写生,“当场描绘自己的所见”。
莫奈二十啷当岁时,过的是这种日子:那时节的年轻学生,穿衣打扮大多是波希米亚风——换句话说,吉普赛人似的,以不羁为美。但雷诺阿后来描述说,莫奈的打扮却很布尔乔亚情调;虽然穷困,却打扮得像花花公子。“他兜里一毛钱都没有,却要穿花边袖子,装金纽扣~”在他们穷困期,这衣裳帮了大忙。那时学生吃得差。雷诺阿和莫奈每日吃两样东西度日:一四季豆,二扁豆。幸而莫奈穿得阔气,能够跟朋友们骗些饭局。每次有饭局,莫奈和雷诺阿俩人就窜上门去,疯狂的吃火鸡,往肚子里浇香贝坦红葡萄酒,把别人家存粮吃罢,才兴高采烈离去——雷诺阿后来对他的女儿说:
“那是我人生里最快乐的时光~”
1863年,比莫奈大八岁的富家子马奈,学威尼斯画派,又解构之,根据拉斐尔和提香的作品,分别搞出了《草地上的午餐》和《奥林匹亚》,被舆论大肆抨击。
马奈的成名作
莫奈名正言顺站到马奈那一方。两年之后,他以海景画成名,又一年后,他描绘模特卡米耶——后来成为他的妻子——的肖像画获得作家左拉赞誉,被评论家卡斯塔亚里认定是“自然主义画家”,莫奈时年二十六岁。他对光影的把握,笔有点粗,但非常快。他希望描绘一个当场所见的印象,而不是涂涂抹抹的玩意。
莫奈和他妻子初遇时所画
那会儿,浮世绘开始传入法国了。莫奈和马奈对浮世绘的技法心向往之。莫奈按着葛饰北斋的《五百罗汉寺》画了《圣安德雷斯的花园》,此后又画海景、花园和浴场。他受荷兰画家容坎德提议,去了荷兰,画赞丹镇的风貌;用他自己的话说,“容坎德给我的眼睛上了课”。可
以说,1870年之前的莫奈,主要想描绘的就是强光下的事物,他想
抓住真实的场景,为此不惜牺牲画的细腻度。
葛饰北斋浮世绘
莫奈仿葛饰北斋所作
莫里索说看莫奈的画,得用阳伞,太亮了
莫奈画浴场,注意水
时光跨入19世纪70年代后,他结婚了,也成熟了。他经历了普法战争,去伦敦躲了段;继承了老爹的一笔遗产后,他在阿让特伊安了家。当他在1872年画出《印象-日出》后,就成了那一代人的代表——顺便,《印象-日出》是在他故乡勒阿弗尔画的。他最熟悉的风景,包括了风涛水雾。
《印象日出》
这是他前期作品的总结:
莫奈不喜欢学院派新古典主义的线条至上,而喜欢色彩。 他喜欢康斯特布尔那样忠诚于自己眼睛的风景画,也喜欢透纳的光影。 他喜欢柯罗那样捕捉风的能力,“抓住瞬间的细节”。风涛、水光,摇动的这一切,他都想画。
他不喜欢既定的“理想的美”,而喜欢急速画下自己眼睛看到的一切。 就好比,大家都不爱画张佳玮,但莫奈觉得,张佳玮也可以画,但不能今天画完明天画,画个一年半载。张佳玮站阳光下,好,就趁那时
的阳光,把模样、光影都画下来。萝卜快了不洗泥,说不定把张佳玮画得面目模糊,没关系,当时阳光照你嘴上,你就这模样~ 这种画法,张佳玮自己肯定不乐意:你是画我呢还是画阳光呢,但张佳玮忽略了:当时他跟阳光是一起扎在莫奈眼睛里的。
1874年,他与他好友们联合展画——史称印象派第一次联展——他们的创新理所当然被嘲笑了,莫奈被作为靶子中心,那一派人被嘲笑为“印象派”。就像“歌特”、“野兽派”一样,“印象派”最初是句骂人话。而那年,莫奈正欢欣于自己的发明:买条船,自己坐在船尾,顺河漂流作画。偶尔画他的老婆。这就是他的旅行。
莫奈坐着画画的船
莫奈的老婆孩子
依然是莫奈的老婆孩子
除了细碎的笔触,他越来越爱用分色法了。比如,以上图为例,莫奈画绿色,不是纯绿色,而是许多不同颜色的杂合——这就是印象派的色彩理论。你要用眼睛看整体,而不是局部。
莫奈很哈日,看和服和墙壁……
之后的五年,他和他的朋友们继续竭力对抗舆论,但不成功。大众要花很长时间,才能从“盯着画不放”的老习惯,进化到“退后几步,看画的色彩和整体气氛”。
而他还是在画烟雾,画气体,画蒸汽,比如,画圣拉扎尔火车站:
圣拉扎尔火车站,现在还是这样
刚才提到莫奈的花花公子打扮。他去画圣拉扎尔火车站,就这么身打扮,去跟站长吹:”我是名画家莫奈~我要画你们车站~“站长看他派头太大,不好意思说没听说过他,于是言听计从,任莫奈指挥全车站,画了一痛快。
1879年,莫奈一度用大量冷色调描绘雪景,粗疏的史学家会认为那是他描绘新风格,但细心些的人会注意到:那年他妻子卡米耶病重逝世,他已经穷到连暖色调颜料(当时更昂贵)都买不起了。
卡米耶过世后,莫奈所画
如果莫奈也在1879年死去,那他就是个商业上不太成功的、善于勾勒动态的、对色彩极其敏感的印象派画家。但这,还不是全部。
19世纪80年代,莫奈喜欢在诺曼底旅行。伟大短篇小说家莫泊桑说他看见过莫奈出外狩猎,带着自己的儿子们,背着画板跑,偶尔看见中意的云,就立刻停下,当场描绘着色。1886年,他四十六岁,一个重大转折:他的画商丢朗-吕厄,在美国找到了销路,莫奈开始有钱了。他终于能够在吉维尼村买地居住了。1888年,他开始创造著名的麦垛联画:他指望在不同季节、天气、光照之下,塑造一个麦垛的无数形象,然后是杨树,以及著名的鲁昂大教堂。
麦垛
还是麦垛
杨树
还是杨树
威尼斯
还是威尼斯
在19世纪90年代,莫奈旅行少了。他在吉维尼建起了那传奇的日式花园,设置了日式拱桥和睡莲池,然后不断描绘这一切。当然,他偶尔还去伦敦和威尼斯作画,但他多少有些老了。1914年他七十四岁,他的眼睛开始背叛他。
日本式桥
睡莲
所以,这一年他开始准备的”大型装饰画“让世界震惊。他准备了一年多,在1915年秋天开始,画到1922年4月,完成了最后的传奇巨作,他的大睡莲壁画,他希望“让人们产生在睡眠无边无际的幻觉,
像个开满鲜花的水族馆”。他做到了。虽然那时,他绘画几乎已分不清色彩,只能靠颜料管上标的字母来辨别颜色。
睡莲
如果需要有个结论的话,那就是:
莫奈和他那些同袍,即印象派那一代,并非许多人想象的,依靠才华和灵感来乱涂抹。莫奈、马奈、雷诺阿、毕沙罗们,都学过正经画画,知道如何画正经的古典的东西,只是,他们都太有创新思想,无法郁郁墨守陈规。
他们不喜欢新古典派的即定的构图、格式的美丽。
他们也不喜欢学院派那种高雅的、史诗的主题。
莫奈欣赏柯罗,欣赏康斯特布尔,欣赏特纳。他对这些并非经典主流但真诚的画家,一向有好感。
当然,印象派也在慢慢改变。所以到了1882年之后,雷诺阿开始用线描了,毕沙罗和修拉、西涅克越走越近了,塞尚不跟他们扎堆了。但大体上,这个”放弃已有传统套路,描绘眼睛看到的东西“概念,一直传了下去,终于影响到了梵高和高更,终于令20世纪到来时,艺术山崩地裂。
当然,他也赶上了好时代。王朝的倒台,巴黎的大改建,颜料的新发明,火车的推广……他赶上了这个变革时代,算是他的幸运吧。 而莫奈,其实一直是自己。他不喜欢修拉,是因为他不喜欢科学限定的眼睛。他还是想用色彩的间杂、快而密的笔触,描绘光线的变化、水流、雾气、池塘这些流动的东西,截取那一瞬间的东西。
莫奈晚年,越来越倾向于描绘他的感受;他所看到的东西给予他的感官感受,他要用色彩表达出来。
所以,看他的画,别鼻子贴着画死看;退后一点,看全体,感受他试图给你的那种整体感,那种质感和印象。
他试图让草地、山峦、谷堆、教堂、池子、阳光、空气都成为一个整
体。他试图用色彩、光线和质感,给予你一整个完整的、呼之欲出的浓烈体验。所以1895年,批评家布劳内尔写到:
“莫奈的艺术,已经成为了自然本身。”
莫奈最大的胜利在于:他活得非常长。
为什么,因为梵高死得早,没法亲眼看到自己的胜利;莫奈则活到了八十六岁,亲眼看着这个曾经谩骂他的世界,把他尊为大师。他和雷诺阿,都来得及在活着时就享受胜利。他们亲眼看到自己成为经典画家,他们的作品被政府买下,或被收藏家追逐。这未必能弥补他们早年所受的贫穷冷遇,但当初以“高贵的画风”、“平衡的构图”、“正确的素描”攻击过他们的人们,到此终于服了。
从此以后,所有艺术革命家都有了一个现成例子:他们可以自傲的坚持下去,而且相信,时间会将应得的冠冕还给他们。 就像,在莫奈活着的时候,亲眼看见时间把应得的冠冕,还给了他。
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